L'audace visuelle des affiches officielles des Jeux olympiques et paralympiques de Paris 2024 ne vont laisser personne indifférent. Dévoilées au musée d'Orsay, elles rompent avec la tradition minimaliste et épurée de précédentes olympiades pour embrasser une esthétique foisonnante et détaillée. L'approche de Joachim Roncin, directeur du design pour Paris 2024, et de l'artiste Ugo Gattoni, est résolument narrative. Ils nous proposent un diptyque célébrant non seulement le sport, mais aussi la culture et les emblèmes français, dans un style rappelant les illustrations denses et ludiques de "Où est Charlie ?". Leur vision est de faire de l'affiche plus qu'un symbole, mais une histoire vivante. Cependant, ce choix stylistique est aussi sujet à controverse. Une affiche aussi chargée et complexe risque de se perdre dans sa propre narration visuelle. Les détails abondants et les multiples scènes qui se jouent simultanément dans l'illustration peuvent éclipser la fonction première d'une affiche : communiquer un message clair et instantané. Certains y verront une célébration vibrante de la diversité et de la richesse de l'événement, tandis que d'autres pourraient arguer qu'une telle profusion visuelle est écrasante et déroutante, peut-être même à la limite de l'excès. Une affiche est-elle toujours efficace lorsqu'elle exige du spectateur un tel investissement de temps et d'attention pour en saisir toute la portée ? L'originalité est un pari risqué, mais Roncin semble accepter ce défi avec sérénité, conscient que l'art ne peut plaire à tout le monde. Les affiches de Paris 2024 marquent certainement une rupture audacieuse et pourraient devenir un souvenir mémorable de ces Jeux. Reste à voir si le public embrassera cette complexité artistique ou si, au contraire, il privilégiera la simplicité et l'intuitivité dans la représentation d'un événement d'une telle envergure.

Dans un monde où les nuances de la vie sont souvent noyées dans le tumulte quotidien, la pièce de théâtre "Un Homme Qui Boit Rêve Toujours d'un Homme Qui Écoute" se dresse comme un phare de poésie et de réflexion. Créée à partir des notes de Denise Chalem et inspirée par les écrits de Kamel Daoud, cette œuvre théâtrale est une invitation à un voyage sensoriel et intellectuel unique, où la musique et les mots tissent ensemble un tissu d'émotions et de pensées. Au cœur de cette pièce, nous trouvons Pierre, interprété par l'exceptionnel Ibrahim Maalouf, un jeune musicien français et Zireg, joué par le charismatique Thibault de Montalembert, un écrivain algérien renommé mais controversé. Ces deux personnages, malgré leurs origines et professions différentes, partagent un lien profond, ancré dans la richesse de leurs échanges intellectuels et émotionnels. Ensemble, ils explorent des thèmes aussi divers que la liberté, la condition féminine, la religion, et la politique, naviguant entre le sérieux et l'humour, l'intimité et la confrontation d'idées. Le choix du vin comme métaphore de la vie et de ses plaisirs interdits est particulièrement poignant. Zireg questionne la diabolisation de ce breuvage, qui est pourtant censé couler à profusion au paradis, offrant une réflexion profonde sur les contradictions de nos sociétés. De même, les dialogues poignants sur la religion et l'autonomie personnelle, ainsi que sur la condition des femmes dans le monde, mettent en lumière les luttes universelles pour la liberté et l'égalité. La pièce brille également par sa musicalité, avec Ibrahim Maalouf qui, passant de la trompette au piano et à la flûte, apporte une dimension supplémentaire à l'expérience. Le jazz, le jam, et le scat ne sont pas seulement des styles musicaux ici; ils deviennent des langages à part entière qui enrichissent la narration et intensifient les émotions. La présence scénique de Sarah-Jane Sauvegrain, incarnant les multiples facettes de la femme orientale, ajoute une couche d'intensité dramatique et émotionnelle à l'ensemble. La mise en scène épurée et magique, avec des éléments de décor qui semblent vivre et interagir avec les personnages, renforce cette impression d'être devant un tableau vivant, où chaque note et chaque mot a sa place. Malgré une tendance à s'éterniser sur certains thèmes et à papillonner deci delà , la pièce demeure un spectacle d'une élégance rare, une célébration de la beauté dans la complexité humaine. "Un Homme Qui Boit Rêve Toujours d'un Homme Qui Écoute" est une expérience qui nous invite à réfléchir sur des questions fondamentales tout en se laissant emporter par la beauté de la musique et la force des mots. Denise Chalem, en s'inspirant de Kamel Daoud et en y intégrant ses propres réflexions, offre un spectacle qui est à la fois un hommage à la richesse de la culture méditerranéenne et un pont entre différentes cultures et perspectives. C'est une œuvre qui résonne longtemps après que le rideau soit tombé, un appel à l'écoute et à la compréhension dans un monde souvent trop prompt à juger et à diviser. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 "Un Homme Qui Boit Rêve Toujours d'un Homme Qui Écoute" Une pièce de Denise Chalem Inspirée des chroniques de Kamel Daoud publiées Au Point Avec Thibault De Montalembert, Ibrahim Maalouf, Sarah-Jane Sauvegrain Scénographie Nicolas Sire Lumières Emmanuelle Phelippeau-Viallard Crédit Photo Kerozen / Stéphane Rouxel THÉÂTRE 13e ART Du 27 février au 31 mars 2024 • Du mardi au samedi à 20h30 • Les samedis à 16h00 et 20h30 • Le dimanche 31 mars à 17h00

Il est rare qu'une œuvre théâtrale parvienne à capturer l'essence du mystère et de la transformation avec autant de finesse. "Cactus", la pièce écrite, mise en scène et interprétée par Renata Litvinova, y arrive brillamment avec une intensité poétique remarquable. Une pièce qui se démarque par sa narration étrange et son ambiance résolument surnaturelle. L'intrigue : Un voyage intemporel "Cactus" se déroule dans un cadre intemporel, où le passé, le présent et le futur semblent se confondre. Une femme attend l'appel de son amant qui ne viendra jamais, car il a choisi une autre. Ce n'est pas simplement l'histoire d'une attente, mais celle d'une transformation profonde, d'une femme qui, trahie par l'amour, découvre en elle une force magique insoupçonnée et des pouvoirs extraordinaires. Entre magie et réalité Sous l'influence de son amour non partagé, des phénomènes miraculeux se manifestent : un pigeon s'humanise, un cactus se transforme en homme, symbolisant sa quête incessante pour l'amour véritable et la fidélité. Cette métamorphose n'est pas seulement un acte de magie, mais aussi une puissante réflexion sur la capacité de l'amour à transcender la réalité, à guérir et à transformer. C'est un témoignage de la résilience de l'esprit humain face à l'adversité, un hymne à l'amour dans toutes ses formes et manifestations. Renata Litvinova : Une artiste multifacette Renata Litvinova, figure emblématique du cinéma et du théâtre russe, en quittant la Russie pour la France en 2022, en opposition à l'invasion de l'Ukraine, a fait preuve de courage et d'intégrité, apportant une couche supplémentaire de gravité à son œuvre si personnelle et philosophique. "Cactus", selon Litvinova, est née d'un désespoir total, se transformant en un monologue captivant - une conversation avec l'aimé, à la fois réel et imaginaire. Ce choix de format, ainsi que le thème de l'amour comme force transcendantale, positionne "Cactus" non seulement comme une œuvre d'art mais aussi comme un acte de foi dans le pouvoir de l'amour, à travers une lentille à la fois onirique et surréaliste. Ce style unique, mélangeant humour et drame, éléments de conte de fées et une esthétique visuelle captivante, crée une expérience théâtrale inoubliable, un peu comme si Jean Cocteau avait eu une âme slave. Un style incomparable La présence de Litvinova sur scène, presque éthérée, et son style de jeu, où l'ambiance prime sur l'action directe, confèrent à "Cactus" une atmosphère unique. Son jeu, marqué par un langage non verbal expressif et une voix susurrante, nous transporte dans un monde où le vrai se mêle à l'irréel, où la frontière entre le rêve et la réalité s'estompe. Un miroir de la condition humaine "Cactus", à travers son exploration de la trahison et de la transformation, devient une métaphore de la condition humaine, soulignant notre quête incessante d'amour et de reconnaissance. La pièce nous invite à réfléchir sur la puissance de l'amour et la possibilité de guérison et de renouveau, même dans les moments les plus sombres. Litvinova, avec "Cactus", ne cherche pas à résoudre l'énigme russe mais plutôt à embrasser le mystère et la complexité de la vie elle-même, nous rappelant que, dans l'art comme dans la vie, il y a toujours place pour la magie et la transformation. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 CACTUS Une pièce Renata Litvinova Adaptation Nicolas Briançon Avec Renata Litvinova, Éric Laugerias, Elena Terenteva Voix Nicolas Briançon, Aude Thirion Musiques Zemfira Ramazanova Crédit photo © Aset Geroeva THÉÂTRE HEBERTOT Les 25 FÉVRIER et 17 MARS

"Le Pion du Général", œuvre réalisée par Makbul Mubarak, est une exploration intense et complexe des thèmes de la loyauté et de la justice sous la dictature militaire en Indonésie. Ce récit s'articule autour de Rakib, un jeune homme employé dans le manoir de Purna, un général à la retraite. Rakib, interprété avec brio par Kevin Ardilova, est lié par des générations de service à la famille du général. Ainsi, il se retrouve déchiré entre sa loyauté envers Purna, qu'il considère comme un mentor et une figure paternelle, et son sens profond de la justice. Mubarak, puisant dans sa propre expérience au sein d'une famille de fonctionnaires sous la dictature militaire indonésienne, tisse avec habileté un récit autour de la loyauté, questionnant la nature et les limites de cette vertu, en particulier lorsqu'elle sert des desseins sombres. La violence, thème prédominant du film, est abordée de manière subtile et psychologique, reflétant l'état d'esprit complexe des personnages. Le film se distingue aussi par sa réalisation artistique. La direction de la photographie de Wojciech Staron, captant les nuances émotionnelles et thématiques, enrichit visuellement l'œuvre. Des symboles, tels que les miroirs, sont employés pour illustrer les dilemmes internes des personnages et les dynamiques de pouvoir. Cependant, en voulant maintenir un certain flou dans les pensées des protagonistes, le film finit par manquer d'émotion. De plus, certains aspects du récit manquent de détails spécifiques à la culture indonésienne, ce qui confère une impression de généralité. Cette universalité est certainement ce qui a permis au film de résonner auprès d'un public plus large et international. L'élargissement du film à partir d'un court métrage initial a posé des défis en termes de maintien de l'intérêt sur toute sa durée. Ces moments sont toutefois perçus davantage comme des occasions manquées que comme des échecs narratifs complets, laissant entrevoir des pistes non explorées, telles que l'expropriation des paysans. "Le Pion du Général" est une œuvre captivante et mémorable qui soulève des questions pertinentes sur les idéaux de loyauté et d'honneur dans un contexte historique et culturel complexe. Bien qu'il pourrait gagner en profondeur en ancrant davantage son récit dans la spécificité culturelle indonésienne, le film demeure une réalisation impressionnante de Mubarak, prometteuse pour l'avenir de sa carrière cinématographique. Avis de Foudart 🅵🅵 LE PION DU GÉNÉRAL UN FILM DE MAKBUL MUBARAK Au cinéma, le 21 février 2024 • Indonésie / France / Singapour / Pologne / Philippines / Allemagne / Qatar • 2022 • Durée 1h55

Lorsqu'on pousse la porte du théâtre pour voir « Une soirée chez Offenbach », mise en scène par le talentueux Martin Loizillon, on devine d'emblée que l'on va vivre un moment exceptionnel. À travers un spectacle lyrique vibrant d'énergie et d'humour, le baryton Nicolas Rigas et ses invités hauts en couleur, nous sommes conviés à un voyage musical unique et drôle en compagnie de Jacques Offenbach. Avec un décor simple mais élégant, ce spectacle, loin d'être un simple concert, nous plonge dans une ambiance « Chez Maxim’s », mêlant l'esprit pétillant à l'univers bourgeois des salons de Feydeau. « La Vie Parisienne », « La Belle Hélène », « La Périchole » et « Les Contes d'Hoffmann »... L'ensemble est brillamment interprété par quatre solistes issus de prestigieuses scènes qui nous entraînent dans une soirée mémorable. La mise en scène de Martin Loizillon crée une dynamique entre les personnages, allant du compositeur, magnifiquement interprété par Nicolas Rigas, à une princesse délurée, jouée alternativement par la mezzo Christine Tocci et la soprano Clémentine Decouture, sans oublier les performances remarquables de Pierre-Antoine Chaumien et Guillaume Zhang dans le rôle de Justin. Ces interactions, pleines d'humour et de nuances musicales, illustrent parfaitement la crise « fort théâtrale » vécue par Offenbach, à cause de l'arrivée inopinée de la princesse. On ne peut qu'apprécier l'ingéniosité avec laquelle les morceaux sont intégrés dans le déroulement de l'histoire, offrant un spectacle fluide et captivant. La performance est soutenue par les pianistes (en alternance) Ruta Lenciauskaite ou Félix Ramos, dont l'accompagnement musical riche et attentif ajoute une profondeur émotionnelle à l'ensemble. Une soirée avec Offenbach garantit une expérience délirante, pleine de talent et de bonne énergie, où le chant lyrique et la comédie se rencontrent pour créer un spectacle inoubliable. 🎶 O’fond de scène, O’ fines herbes, O’ fond des bois, au final, avec Offenbach on se prend une Offen…Claque ! 🎶 Avis de Foudart 🅵🅵🅵 UNE SOIRÉE CHEZ OFFENBACH Un spectacle de Martin LOIZILLON musique Jacques OFFENBACH Avec (en alternance) Nicolas RIGAS, Christine TOCCI, Clémentine DECOUTURE, Pierre-Antoine CHAUMIEN, Guillaume ZHANG, Xavier FLABAT Piano Ruta LENCIAUSKAITE, Félix RAMOS THÉÂTRE DE PASSY Actuellement • Les lundis à 19h00 • Matinées le samedi à 16h00

Le Mariage Forcé, sous la houlette de Louis Arene et Lionel Lingelser du Munstrum Théâtre se distingue par sa relecture audacieuse du classique de Molière. Cette pièce, jouée au Théâtre du Rond-Point, marque un tournant remarquable dans la manière d'aborder les œuvres classiques. Une Farce Moderne aux Accents Féministes Arene et Lingelser ont su insuffler une nouvelle vie à la comédie de Molière, en transformant la farce originelle en une pièce aux résonances féministes étonnamment actuelles. Dans cette version, la dynamique patriarcale traditionnelle est bouleversée : Dorimène, loin d'être une jeune épouse soumise, devient une force de caractère, prédatrice assumée qui utilise le mariage comme un moyen de rébellion et de reconquête de sa liberté. Innovations Scéniques et Dramaturgiques Le Munstrum Théâtre a également repensé l'espace scénique, transformant le décor d'une place publique en une boîte claustrophobique d'où il semble impossible de s'échapper, symbolisant les contraintes imposées par le mariage et la société. Les costumes, avec leurs coutures visibles, et l'usage singulier du masque contribuent à cette réinterprétation, où les genres sont fluides, et le jeu des acteurs, libéré des conventions. La Performance, Clé de Voûte du Spectacle La mise en scène de Arene et les performances des acteurs de la Comédie-Française tels que Julie Sicard en Sganarelle, Christian Hecq en Dorimène, et Benjamin Lavernhe dans divers rôles, incarnent avec brio cette vision renouvelée. Leur jeu, oscillant entre gravité et légèreté, fait écho aux thèmes profonds de la pièce tout en proposant un divertissement de haute voltige. Un Hommage à Molière, Entre Tradition et Modernité Cette production ne se contente pas de revisiter un classique ; elle engage un dialogue entre le passé et le présent, mettant en lumière la pertinence continuelle de Molière. En effet, malgré les siècles qui nous séparent de l'écriture du Mariage forcé, les questions de genre, de pouvoir, et de liberté individuelle restent d'une brûlante actualité. Un Théâtre de l'Absurde, Critique et Libérateur Le Mariage forcé, tel que réinventé par le Munstrum Théâtre, se révèle être un spectacle à la fois profondément réflexif et éminemment divertissant. Arene et Lingelser, à travers leur approche inventive, offrent une critique sociale mordante enveloppée dans une farce délirante. Ils démontrent que le théâtre, même quatre siècles après Molière, demeure un puissant vecteur de questionnement et de transformation sociale. Leur réussite tient en leur capacité à rendre cette pièce classique non seulement accessible mais surtout vibrante de modernité, prouvant une fois de plus que les œuvres de Molière, bien que ancrées dans leur temps, traversent les âges avec une surprenante agilité. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 LE MARIAGE FORCÉ Texte de Molière Mise en scène Louis Arene Avec la troupe de la Comédie-Française : Sylvia Bergé, Julie Sicard, Christian Hecq, Benjamin Lavernhe, Gaël Kamilindi Dramaturgie Laurent Muhleisen • Scénographie Éric Ruf , Louis Arene • Costumes Colombe Lauriot Prévost • Lumières François Menou • Son Jean Thévenin • Crédit photo© Brigitte Enguérand / Coll. Comédie-Française THÉÂTRE DU ROND-POINT Du 20 février au 1 mars 2024 • Du mardi au samedi, 18h30 • Durée 1h Spectacle créé le 26 mai 2022 au Studio-Théâtre (Paris)

"Le Syndrome de l'oiseau", œuvre théâtrale de Pierre Tré-Hardy, plonge dans les profondeurs de la captivité, de la résilience humaine et de la quête incessante de liberté. Sous la direction artistique de Sara Giraudeau et Renaud Meyer, cette pièce transcende le simple divertissement pour devenir une exploration émotionnelle et psychologique, mêlant la terreur de l'enfermement à la lumière de l'espoir, et transformant l'imaginaire en un refuge face à une réalité insupportable. Au cœur de ce récit se trouve l'histoire émouvante d'Ève, incarnée avec une fragilité saisissante par Sara Giraudeau. Elle est une âme captive, retenue depuis des années par Franck, son impitoyable geôlier interprété par Patrick d'Assumçao. Ce huis clos suffocant navigue entre un drame psychologique palpable et une parabole surréaliste. L'auteur et les metteurs en scène nous invitent à méditer sur des interrogations essentielles : Comment préserver sa santé mentale en étant privé de liberté, lorsque le passé a été occulté et l’avenir demeure incertain ? Est-il possible de subsister uniquement grâce à la puissance de l'imagination ? Bien que l'histoire d'Ève soit fictive, elle puise son inspiration dans des tragédies réelles, à l'instar de l'affaire Natascha Kampusch. Si le récit inclut effectivement des moments qui peuvent paraître improbables ou même absurdes, ceux-ci contribuent à alléger un thème par ailleurs effrayant. En effet, "Le Syndrome de l'oiseau", bien plus qu'un simple divertissement, établit un lien poignant avec la réalité et résonne de manière poignante. Il nous rappelle que ce sujet, ancré dans notre mémoire collective, nous confronte à une réflexion sur les aspects les plus sombres de la condition humaine. La mise en scène de Giraudeau et Meyer mérite des éloges pour son authenticité brute et sa capacité à alterner entre désolation, instants de grâce éphémère et même poésie, créant un équilibre fragile entre la réalité et les échappées de l'esprit. Cette dualité entre angoisse et espoir révèle la complexité de l’esprit humaine face à l'adversité. La performance des acteurs, en particulier celle de Sara Giraudeau, est centrale pour transmettre cette tension entre désespoir et aspiration à la liberté. La présence sur scène de Giraudeau, à la fois comme actrice principale et metteuse en scène, souligne son engagement profond envers le sujet, tandis que la synergie entre elle et Patrick d'Assumçao, empreinte d'une intensité glaciale, enrichit la pièce d'une profondeur émotionnelle supplémentaire. "Le Syndrome de l'oiseau" est ainsi plus qu'une pièce de théâtre : c'est un magnifique miroir tendu à notre société, nous confrontant à la réalité de la violence et de la captivité tout en célébrant la résilience et la capacité de l'esprit humain à trouver des échappatoires, même dans les situations les plus sombres. C'est un plaidoyer pour la liberté, sur la force de l'instinct de survie et sur le pouvoir de l'imagination comme ultime refuge contre la brutalité du monde. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 LE SYNDROME DE L'OISEAU Un spectacle de Pierre Tré-Hardy Mise en scène Sara Giraudeau et Renaud Meyer Avec Sara Giraudeau et Patrick D'Assumçao Scénographie Jacques Gabel • Costumes Pascale Bordet • Lumières Jean-Pascal Pracht • Son Bernard Vallery • Crédit photo © Giovanni Cittadini Cesi THÉÂTRE DU PETIT SAINT MARTIN DU 23 JANVIER AU 20 AVRIL 2024 • Du mardi au samedi 19h ou 20h • À partir de 14 ans

L’adaptation des "Diaboliques" par Christophe Barbier, mise en scène par Nicolas Briançon, s'inscrit comme un événement marquant. Cette œuvre, tirée du recueil de nouvelles de Jules Barbey d'Aurevilly publié pour la première fois en 1874, a traversé les siècles pour résonner avec une actualité brûlante, où les questions de morale, de désir et de transgression restent plus prégnantes que jamais. Le contexte historique et la controverse Initialement, ce fut un scandale littéraire, un succès éphémère épuisé en seulement quatre jours, mais aussi un sujet de polémique, critiqué pour son immoralisme et son diabolisme. Les récits, empreints de passion, d'adultère et de crime, présentant des femmes à la fois complexes, énigmatiques et parfois effrayantes, ont bouleversé la société de leur temps par leur audace et leur richesse psychologique. L'auteur, fervent catholique, se défendait d'ailleurs de toute intention immorale, affirmant au contraire viser une réflexion morale destinée à susciter l'horreur des comportements dépeints. Une nouvelle vie sur scène De nos jours, Christophe Barbier s'approprie cette œuvre, exploitant le style riche et fleuri de l'auteur, pour la transposer avec éclat sur scène. En optant pour la dramatisation de ces récits via un procès fictif, inspiré de la préface du recueil, il ne se limite pas à adapter des histoires du XIXe siècle au théâtre. Il nous incite à réfléchir sur la pertinence continue des sujets traités par Barbey d'Aurevilly, tels que l'amour, l'adultère, le meurtre, la vengeance et la rancune. Le tribunal imaginaire Dans ce cadre, l'écrivain est mis en jugement pour ses écrits controversés. Défendant sa cause avec passion, il souligne son intention de seulement rapporter des faits réels. Pour nous convaincre, l'auteur et ses avocats animent sous nos yeux ces nouvelles incriminées. La vision de Nicolas Briançon « J’ai replongé dans l’œuvre de Barbey d’Aurevilly et mon scepticisme initial s’est mué en enthousiasme », révèle Nicolas Briançon, qui a rapidement accepté de diriger ce projet. Il démontre une volonté de restituer ces histoires avec autant d'intensité et de complexité que dans le texte original. L'adaptation par Barbier et la mise en scène de Briançon réussissent à saisir l'essence provocatrice du texte d'origine, tout en le rendant vivant et accessible sur scène. Innovation scénographique et performance La scénographie inventive, avec ses trouvailles scéniques amusantes et ses transitions fluides, enrichit l'expérience théâtrale. Les costumes, conçus par Michel Dussarat, et la prestation des acteurs tels que Magali Lange, Gabriel Le Doze, Krystoff Fluder et Reynold de Guenyveau, créent une atmosphère à la fois sombre et captivante. Ils passent d'un rôle à l'autre avec une aisance remarquable et incarnent avec brio l'ambiguïté morale et la complexité émotionnelle des personnages. L'exploration des abysses humains Barbey d'Aurevilly soutenait que la littérature devait révéler les crimes pour que la postérité puisse les juger. Cette audacieuse production théâtrale adopte pleinement cette vision, nous plongeant dans les profondeurs de l'âme humaine avec une délicatesse et une empathie intemporelles. Au-delà du divertissement Nicolas Briançon exprime : « Mon désir était de vous plonger dans l'excitation d'une lecture captivante et fascinante ». Ce défi, à la fois risqué et enrichissant, est relevé avec succès. Ce spectacle, fusionnant texte, performance d'acteurs et mise en scène, devient une expérience théâtrale mémorable. "Les Diaboliques" interpelle, stimule la réflexion et fascine. Ce spectacle démontre de manière éclatante comment les classiques, loin d'être obsolètes, continuent d'illuminer et de révéler les complexités de l'âme humaine. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 LES DIABOLIQUES Un spectacle de Christophe BARBIER D’après Jules BARBEY D’AUREVILLY Mise en scène Nicolas BRIANÇON Avec Gabriel LE DOZE, Magali LANGE, Krystoff FLUDER, Reynold de GUENYVEAU Lumières Jean-Pascal PRACHT • Décor Bastien FORESTIER • Costumes Michel DUSSARAT • Son Émeric RENARD • Photographies Sébastien TOUBON THÉÂTRE DE POCHE MONTPARNASSE ACTUELLEMENT • Du mardi au samedi 21h • Dimanche 17h

Dans l'enceinte du Théâtre Montparnasse, "Le Bar de l'Oriental" de Jean-Marie Rouart, mis en scène par Géraud Bénech, nous offre une belle immersion dans l'Indochine des années 1950, baignée de moiteur et de mystère. Dans le huis-clos étouffant d’une vieille demeure coloniale, cinq personnages en quête d’eux-mêmes, se retrouvent soudain projetés dans le tourbillon de l’Histoire, au tournant de cette guerre d’Indochine qui s’annonce bientôt perdue. Le passé ressurgit soudain, réveillant les tensions enfouies et les questions demeurées sans réponses. Que s’est-il donc passé cinq ans plus tôt, à Saïgon, au Bar de l’Oriental ? La scénographie, les lumières et la bande sonore constituent sans aucun doute les points forts de ce spectacle, recréant avec précision et poésie remarquables l'atmosphère saturée d'humidité et la torpeur tropicale de Langson, au Nord du Tonkin. L'ajout d'un flûtiste vietnamien apporte une dimension poétique supplémentaire à ce tableau vivant. Néanmoins, malgré ces réussites indéniables, la pièce présente des aspects qui auraient gagné à être davantage peaufinés. L'un des principaux écueils réside dans les prestations des acteurs, qui, bien que portées par des comédiens talentueux, semblent parfois manquer de nuances, de subtilités et de mystère. Ce manque de subtilité dans le jeu d'acteur se répercute sur l'histoire elle-même, qui, bien qu'offrant des rebondissements captivants et s'inscrivant dans une veine littéraire épique et romanesque, peine à renouveler son genre. L'intrigue, riche en potentiel, explore des thèmes éternels tels que l'amour, la fidélité et le conflit entre les idéaux personnels et les exigences de la grande Histoire. Cependant, le traitement de ces sujets, tout en étant original et intemporel, souffre par moments d'un certain académisme, voire d'une allure vieillotte. Cette impression est peut-être exacerbée par une certaine prévisibilité dans le développement des événements et une tendance à l'exposition plutôt qu'à la suggestion, ce qui peut parfois freiner notre engagement émotionnel. En dépit de ces réserves, "Le Bar de l'Oriental" demeure un spectacle digne d'intérêt, notamment pour son ambiance unique et sa capacité à nous transporter dans un autre lieu et une autre époque. Il convient de saluer l'ambition et la passion qui ont présidé à sa création, ainsi que la volonté de ses créateurs de poser des questions importantes sur le sens de l'existence et les choix moraux face aux vicissitudes de l'Histoire. "Le Bar de l'Oriental" est une expérience théâtrale qui, malgré ses imperfections, se distingue par son audace et sa recherche d'authenticité. Il s'agit là d'une invitation à la réflexion, nous offrant un voyage à la fois sensoriel et intellectuel, dans un cadre scénique magnifiquement réalisé. Avis de Foudart 🅵 « LE BAR L’ORIENTAL » De Jean-Marie ROUART, de l’Académie Française Mise en scène Géraud BENECH Avec Gaelle BILLAUT-DANNO, Pierre DENY, Katia MIRAN, Charles LELAURE en alternance avec Valentin de CARBONNIERE, Pascal PARMENTIER, Mai THANH NAM THEATRE MONTPARNASSE À partir du 7 février 2024 • Du mardi au samedi à 19h00 • Matinées le dimanche à 18h00

Le film "Nuit Noire en Anatolie" est un thriller palpitant réalisé par Özcan Alper, qui a reçu le Grand Prix au Festival d'Antalya en 2022. Incarné par l'impressionnant Berkay Artes dans le rôle principal, ce film explore les thèmes de l'homophobie et de la différence au sein de la société turque avec une profondeur remarquable. Le personnage central, Ishak, joue du luth dans une boîte de nuit en Anatolie et mène une existence solitaire. Sa vie bascule lorsqu'il est appelé dans son village natal en raison de la santé déclinante de sa mère. À son retour, Ishak se trouve confronté à un mur de silence et de suspicion, révélant un lourd secret que le village cherche à dissimuler. Le film se distingue par sa structure narrative complexe, utilisant des flashbacks pour tisser un lien entre le présent d'Ishak et un passé douloureux. Ces retours en arrière mettent en lumière un événement traumatisant, renforçant le suspense et enrichissant la compréhension du spectateur quant aux motivations d'Ishak. Après le décès de sa mère, Ishak choisit de rester dans le village, déterminé à affronter et à apaiser les tourments qui le hantent depuis des années. Sa quête l'entraîne dans les profondeurs des montagnes anatoliennes, une métaphore de son propre voyage intérieur. Le film utilise les paysages époustouflants d'Anatolie, capturés avec une esthétique cinématographique stupéfiante, pour renforcer le sentiment d'isolement et de mystère qui enveloppe l'intrigue. Les montagnes majestueuses et les décors naturels illustrent la quête solitaire d'Ishak pour découvrir la vérité sur une nuit tragique qui a marqué sa vie et celle du village. Le village, situé dans le district isolé d'Ibradi dans la province d'Antalya, est un microcosme de la société turque, avec ses préjugés profondément enracinés et son rejet de la différence. Que ce soit à travers l'homophobie latente, les remarques racistes, ou la méfiance envers les étrangers, le film dépeint brillamment comment ces attitudes peuvent conduire à la violence et à la tragédie. L'homosexualité dans le film est traitée avec une grande délicatesse, évitant les images explicites, et se manifestant dans des scènes évocatrices, telles que des moments de complicité autour de la musique ou des scènes de baignade interdites, chargées d'une sensualité subtile. "Nuit Noire en Anatolie" transcende le genre du thriller pour offrir un portrait puissant de la société turque, abordant ses tabous et ses défis avec une sincérité poignante. Le film est une exploration émotionnelle et sociétale, dévoilant les couches de son histoire complexe et de ses personnages. Avec ses images splendides et son récit immersif, ce film offre une expérience cinématographique inoubliable, méritant d'être vu et apprécié pour sa profondeur, sa beauté, et son analyse pénétrante des dilemmes moraux et des paraboles sur la nature humaine. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 NUIT NOIRE EN ANATOLIE Un film d'Özcan Alper Avec Berkay Ateş, Taner Birsel, Sibel Kekilli, Cem Yiğit Üzümoglu Distributeur (France) Outplay Sortie au cinéma, le 14 février 2024 • 113 minutes • Turquie • 2022

Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 Le théâtre des Bouffes du Nord sort le grand jeu avec un décor magnifique et monumental Le laboratoire aux lumières bleutées du sublime film de David Kronenberg fait place à un camp de fortune paumé imaginé par Valérie Lesort et Christian Hecq Un chef-d’œuvre en termes d’écriture, de jeu et d’art visuel En s’inspirant de l’émission de France 3, strip-tease, cette pièce naturaliste et fantastique frôle le génie absolu. Théâtre des Bouffes du Nord Du 7 au 25 septembre 2021

Dans le panorama du théâtre français, "Le Cid" de Pierre Corneille occupe une place de choix, reconnu à la fois pour son héritage littéraire et pour sa capacité à se renouveler au fil des siècles. Aujourd'hui, c'est au tour de Frédérique Lazarini de faire traverser les époques à ce chef-d'œuvre. En s'inspirant de l'une des plus anciennes chansons de geste espagnoles, cette production se distingue par une réinterprétation audacieuse, embrassant à la fois l'antiquité et la modernité, et profondément méditerranéenne de l'œuvre classique. Elle puise dans la richesse culturelle et les contrastes vivifiants de la Méditerranée, ancrant le drame dans la tradition de la vendetta, où l'honneur et la vengeance façonnent les destinées, résonnant à travers les âges de Mérimée à Kadaré, et de la Corse et de l'Albanie à l'Italie du Sud de Coppola. Une Dualité avec une Intensité Remarquable Le dilemme cornélien de Rodrigue, tiraillé entre l'honneur de son père et son amour pour Chimène, forme la trame centrale du "Cid". La scénographie, à la fois épurée et évocatrice, avec des éléments et accessoires baroques, une ligne de chandelles en bord de scène et le regard bienveillant de Sainte Thérèse d'Avila, crée un espace intemporel qui reflète la complexité des émotions humaines. L'utilisation astucieuse d'une marionnette pour représenter le jeune prince ajoute originalité et concision à l'intrigue, tandis que la présence de Chimène, interprétée avec juvénilité frêle et détermination par Lara Tavella, accentue la force de son personnage dans un univers théâtral dominé par des figures masculines. Les performances des acteurs, notamment Arthur Guezenec en Rodrigue et Cédric Colas dans les rôles doubles de Don Fernand et Don Gomes, sont remarquables, capturant la fougue, la nuance et la majesté requises par leurs personnages. La musique et les sons de François Peyrony, qui accompagnent subtilement le cheminement de l'intrigue, enrichissent l'expérience sensorielle du spectacle. Cette version du "Cid" ne se contente pas de rendre hommage à l'œuvre originale de Corneille ; elle la réinvente en mettant en lumière la résonance continue du Cid dans notre conscience collective, interpellant sur les héritages culturels et les dilemmes moraux. Elle questionne notre manière de faire face aux vendettas et la possibilité de réconciliation à travers l'amour et l'honneur. Le succès de cette mise en scène réside dans sa capacité à faire dialoguer le passé avec le présent, le classique avec le contemporain, rappelant que le théâtre est un miroir de la condition humaine. Ce spectacle offre une œuvre vivante, vibrante et profondément humaine, où "Le Cid" de Corneille retrouve une nouvelle jeunesse, témoignant de la puissance intemporelle de la littérature dramatique. Il pourrait se conclure par ces mots : "Dans l'ombre de nos pères, sous le ciel de la Méditerranée, nous trouvons la lumière. L'amour, plus fort que la vendetta, nous unit." Avis de Foudart 🅵🅵🅵 Le Cid De Pierre Corneille Mise en scène Frédérique Lazarini avec Lara Tavella, Cédric Colas, Arthur Guezennec, Philippe Lebas, Guillaume Veyre Scénographie et lumières François Cabanat Costumes Dominique Bourde et Isabelle Pasquier Création sonore et musicale François Peyrony ARTISTIC THÉÂTRE Actuellement • mardi 20h ; mercredi 17h ; jeudi 19h ; vendredi, samedi 20h30 ; samedi 16h et dimanche 16h • Durée 1h30