Que recherchez vous sur FOUD'ART Blog...

Angela Merkel est une figure politique incontournable du XXIe siècle. Pourtant, celle qui a été chancelière d'Allemagne pendant plus de 15 ans s'est toujours distinguée par une discrétion et une modestie peu communes dans le monde des dirigeants. C'est cette ambivalence fascinante qui est explorée dans le spectacle "Guten Tag, Madame Merkel", une pièce écrite et interprétée par Anna Fournier… ou Candice Bouchet, en alternance. Loin d'une simple biographie scénique, cette œuvre interroge le parcours unique de Merkel, de la chute du mur de Berlin à la fin de sa carrière politique, tout en révélant ses traits plus intimes. Une femme sans charisme ? Merkel se décrit elle-même comme une femme « sans charisme », une étiquette que l'on pourrait associer à sa manière sobre et peu démonstrative de faire de la politique. Pourtant, c'est justement cette qualité, associée à son sang-froid et à son intelligence redoutable, qui lui a permis de s'imposer dans un univers encore largement masculin. Fournier explore cette dimension dans son spectacle, où elle incarne une Merkel pleine de paradoxes : discrète mais imposante, distante mais humaine. Le spectacle ne se contente pas de présenter Merkel comme une simple politicienne. Il s'agit également d'un questionnement profond sur la nature du pouvoir et ses mécanismes. Comment une femme, dans un environnement traditionnellement masculin, peut-elle s'emparer des rênes du pouvoir et y rester aussi longtemps ? Merkel n'a jamais revendiqué le féminisme de manière ostentatoire, mais elle a prouvé que la crédibilité et le respect peuvent s'acquérir sans posture martiale. Une saga politique européenne L'histoire de Merkel est également celle de l'Allemagne moderne et de l'Europe. En effet, son ascension est indissociable de la réunification allemande et de la place centrale qu'elle a occupée dans les crises européennes, qu'il s'agisse de la crise de la dette grecque ou des relations avec des leaders tels que Vladimir Poutine. Fournier, par une mise en scène inventive, revisite ces grands moments politiques, transformant la vie de Merkel en une véritable saga à suspense. Comme un clin d'œil à Shakespeare, Fournier compare son personnage à Richard III, non pas dans une quête machiavélique du pouvoir, mais dans la manière dont Merkel a su utiliser ses faiblesses pour renforcer sa position. Chaque scène dévoile un aspect différent de sa personnalité : la femme ferme face aux crises internationales, mais aussi celle qui, en coulisses, doit faire face à ses doutes et ses peurs. Le regard de l'autrice Dans sa note d'intention, Anna Fournier admet que son intérêt pour Merkel est né presque par hasard. Ce rôle, qu'on lui a proposé lors d'une première production théâtrale sur la crise grecque, l'a ensuite fascinée au point de vouloir explorer encore plus profondément la complexité de ce personnage. Loin d'une simple admiration, Fournier entretient une relation ambivalente avec Merkel, oscillant entre tendresse et agacement, ce qui enrichit sa représentation. Fournier décrit Merkel comme un personnage shakespearien, une femme de pouvoir avec des contradictions fascinantes. La pièce est née de ce désir de comprendre et de donner vie à cette personnalité secrète, en l’entourant d'une galerie de personnages issus du monde politique international. Cette approche multidimensionnelle permet de mieux saisir non seulement la dimension publique de Merkel, mais aussi ses moments de vulnérabilité. Une performance éblouissante Le soir de la découverte du spectacle, seule en scène, Anna Fournier livre une performance impressionnante, incarnant non seulement Merkel, mais aussi d'autres figures politiques telles que Nicolas Sarkozy ou Vladimir Poutine. La diversité des accents, des attitudes, et des dialogues intimes entre ces leaders mondiaux donne au spectacle une richesse narrative et un rythme captivant. Ce qui pourrait ressembler à une simple reconstitution historique devient une exploration théâtrale pleine de vie et d’émotions, où l'humour n'est jamais absent. Ce spectacle, véritable pépite d'intelligence et d'émotion, met en lumière la dimension humaine de la politique européenne contemporaine, tout en rendant Merkel étrangement attachante. À travers ce portrait, Fournier nous invite à réfléchir sur la complexité des femmes de pouvoir, et sur les multiples facettes de celles qui, comme Angela Merkel, marquent leur époque de manière discrète mais déterminée. "Guten Tag, Madame Merkel" est bien plus qu'une simple relecture de la carrière d'Angela Merkel. C'est une œuvre qui questionne les dynamiques du pouvoir, la place des femmes dans les sphères dirigeantes, et la manière dont la personnalité d'une figure politique peut influencer des décennies d'histoire. Anna Fournier, par son interprétation subtile et nuancée, offre un spectacle poignant et réfléchi, à la croisée des genres, entre biographie et tragédie shakespearienne. Avis Foudart  🅵🅵🅵 GUTEN TAG, MADAME MERKEL Écriture & mise en scène Anna Fournier Avec Anna Fournier ou Candice Bouchet Assistante à la mise en scène Marie Sambourg Créateur son Antoine Reibre Scénographe Camille Duchemin Costumière Camille Aït Allouache Création lumière Léo Garnier Crédit photo Marie Charbonnier La Pépinière Théâtre À partir du 5 septembre 2024 • Du jeudi au samedi à 19h • Durée 1h20

"Orgueil, Poursuite et Décapitation", portée par une troupe de jeunes femmes déterminées (et un homme), est une pièce à l'image de leur désir de créer un "beau bordel organisé". Ce spectacle met en lumière la complexité d’être une femme dans la société contemporaine, particulièrement dans le monde du théâtre, encore dominé par les hommes. À travers une écriture crue et inventive de Marion Aubert, nous sommes plongé dans un univers chaotique et follement créatif, où se côtoient les préoccupations d’une autrice submergée par son processus de création, et les personnages loufoques et déstabilisants appelés "chonchons". Les chonchons, à première vue difficiles à cerner, incarnent en fait des figures du quotidien, lourdes de défauts et de névroses. Ces personnages sont l'incarnation de la frustration, de la cruauté et de la lâcheté que chacun de nous porte en soi. Ils titubent dans leur quotidien, et leur combat contre leurs défauts en devient tragiquement comique. Le spectateur se reconnaît en eux, tentant d’échapper au même sort, tout en riant de la brutalité de cette mise en scène. Cette création est aussi un manifeste sur la place des femmes dans le théâtre. Les comédiennes y dénoncent un milieu où les hommes dominent la scène autant que la plume. Marion Aubert, par son texte, offre aux actrices un terrain d’expression où elles peuvent réinventer et redéfinir les rôles féminins, tant dans le cadre familial que professionnel. En racontant les tribulations d’une autrice/comédienne/mère, la pièce met en lumière les espoirs et désillusions de ces femmes face à un quotidien oppressant. Le projet, riche en folie et en émotion, va bien au-delà d’une simple représentation de la condition féminine. C’est une réflexion sur le processus de création artistique lui-même, où l’intime côtoie l’universel. Dans un jeu constant entre le réel et l’imaginaire, la pièce oscille entre rires et larmes, nous offrant une expérience théâtrale unique. L’écriture de Marion Aubert, à la fois contemporaine et décalée, fait écho à des thématiques profondes, telles que les violences morales et physiques, le poids des attentes sociales et la lutte contre les carcans du quotidien. L’équipe créatrice, portée par l’énergie de Nina Campan, a su s’approprier cette œuvre pour en faire une fresque personnelle et collective, où l’urgence de dire et de faire résonne à chaque instant. Leur ambition est claire : ils souhaitent, par leur spectacle, faire réagir le public, le bousculer et lui permettre de s'interroger sur la condition de la femme aujourd’hui. Dans un mélange improbable de rires et de réflexions, de chaos organisé et de douceur inattendue,"Orgueil, Poursuite et Décapitation" se révèle être une œuvre aussi complexe que percutante, aussi déroutante qu’excitante. C’est un hommage à la création, à la résilience et à la force des femmes. Une œuvre qui rappelle que, même dans le désordre et les incertitudes, il y a toujours une place pour l’espoir et la réinvention. Un spectacle à ne pas manquer pour ceux qui aiment découvrir de nouveaux talents en gestation et qui souhaitent être à la fois divertis et profondément bouleversés. Avis Foudart 🅵 Orgueil, poursuite et décapitation Texte Marion Aubert Mise en scène Nina Campan Avec Juliette Bargain, Rémi Giordan, Margaux Hajjar, Charlotte Moinat et Morgane Patton Costume Juliette Bargain, Margaux Hajjar et Morgane Patton • Travail corporel Ema Bertaud • Scénographie Zoé Mary et Morgane Patton • Musique Nina Campan Théâtre de Belleville Du jeudi 4 au samedi 28 septembre• Mer., Jeu. & Ven. à 21h15, Sam. à 19h15 • Durée 1h15 • Créditphoto DR

Le roman Arcadie d'Emmanuelle Bayamack-Tam, adapté avec finesse par Sylvain Maurice, est une œuvre qui bouscule les normes sociales et questionne les fondements de l'identité. Ce récit captivant nous plonge dans le parcours initiatique de Farah, une adolescente de quatorze ans, qui grandit dans un lieu hors du commun, Liberty House. Ce phalanstère libertaire dirigé par Arcady est un refuge pour ceux qui fuient le stress et les normes de la société moderne. C’est un lieu où l’amour libre est prôné et où la tolérance est le maître mot, du moins en apparence. Farah est fascinée par cet environnement idyllique et commence à se transformer, non seulement en raison des bouleversements de l’adolescence, mais aussi à cause de l’ambiguïté physique de son propre corps. En découvrant que son corps possède à la fois des caractéristiques masculines et féminines, elle entame une quête existentielle : qu’est-ce qu’être une femme ou un homme ? Comment se définir lorsque son corps ne correspond à aucune case préétablie ? Cette métamorphose physique et psychique est au cœur de l’adaptation théâtrale mise en scène par Sylvain Maurice. Le choix du monologue, confié à la remarquable Constance Larrieu, dont la voix légèrement fragile permet d’explorer en profondeur les pensées et émotions de l’adolescente Farah, capture parfaitement l’essence de cette période de transformation. Larrieu, seule sur scène, donne vie non seulement à Farah, mais aussi à une galerie de personnages qui gravitent autour d’elle, incarnant à merveille l’innocence et l’ingéniosité de cette héroïne atypique. Liberty House : Une Utopie Illusoire Si Liberty House se veut un havre de paix, de tolérance et d’amour, cette utopie se fissure lorsqu’un jeune migrant demande asile et se voit rejeté. Ce rejet marque un tournant pour Farah, qui réalise que les principes de cette communauté ne sont pas aussi solides qu’ils le prétendent. En quittant ce paradis trompeur, Farah accède à une forme de liberté véritable : celle d’être elle-même, sans les contraintes imposées par une société qui, même dans ses marges, continue de régir les comportements. Liberty House, avec ses prairies, forêts et animaux paisibles, fait écho à l’Arcadie mythique des Grecs anciens, un lieu où régnait un bonheur simple et paisible. Pourtant, sous la surface de cette tranquillité, des tensions surgissent, notamment autour de la question de la différence, que ce soit par rapport à l’apparence physique ou aux attentes sociales. Ce lieu devient ainsi le miroir des contradictions de notre propre société, où l’acceptation de l’autre s'arrête souvent aux frontières du confort personnel. Les Lumières de la Transformation La mise en scène de Sylvain Maurice sublime cette histoire de métamorphose. L’espace scénique, conçu comme une boîte, symbolise les frontières physiques et psychiques que Farah doit franchir pour atteindre sa liberté. Les lumières de Rodolphe Martin sculptent l’espace, mettant en relief les transformations du corps et de l’esprit de Farah. Cette caméra obscura théâtrale permet de suivre l’évolution de l’héroïne, qui, à la fin de son voyage, se libère littéralement et symboliquement de cette boîte, déchirant les lambeaux qui constituaient son environnement et s’avançant vers un monde rempli de promesses. L’adaptation de Arcadie sur scène réussit ainsi à capturer l’essence du roman : la fluidité des identités, le refus des catégories rigides, et surtout, la quête perpétuelle de liberté. C’est une œuvre qui résonne profondément dans notre époque, en particulier sur les questions d’identité de genre et d’appartenance sociale. L’Éveil du Désir et la Remise en Question des Normes À travers Farah, Arcadie explore également l’éveil du désir adolescent, avec toutes ses nuances et ses complexités. Subjuguée par Arcady, le maître charismatique de la communauté, Farah découvre sa sexualité dans un environnement qui, en dépit de sa liberté apparente, reproduit parfois des dynamiques de pouvoir plus subtiles. Cette dimension du désir est abordée avec une légèreté et une profondeur qui témoignent de la finesse de la plume de Bayamack-Tam. Enfin, Arcadie remet en question non seulement les normes de genre, mais aussi celles de la société en général. La famille dysfonctionnelle de Farah, le rejet de l’autre dans une communauté se disant ouverte, la tension entre liberté individuelle et collective, sont autant de thèmes qui résonnent fortement aujourd’hui. Un Hymne à la Différence et à la Liberté En définitive, Arcadie est un hymne à la différence, une ode à la transformation et à la liberté, portée par une écriture vivante et irrévérencieuse. Que ce soit à travers les métamorphoses physiques de Farah, les contradictions de Liberty House ou la liberté de ton de l’adaptation théâtrale, cette œuvre pose des questions fondamentales sur ce que signifie être soi dans un monde qui tente constamment de nous définir. Une œuvre touchante, féroce et essentielle, qui invite chacun à embrasser sa propre liberté. Avis Foudart 🅵🅵 Arcadie Texte Emmanuelle Bayamack-Tam Adaptation et mise en scène Sylvain Maurice Avec Constance Larrieu Création lumière Rodolphe Martin • Création sonore David Bichindaritz assisté de Jérémie Tison • Costumes Olga Karpinsky • Collaboration à la scénographie Alain Deroo et Constance Larrieu • Régie générale Alain Deroo assisté de Daniel Ferreira • Photo Christophe Raynaud de Lage Théâtre de Belleville Du dimanche 1er septembre au samedi 30 novembre 2024 • Sept. : Mer., Jeu. & Ven. 19h15, Sam. 21h15, Dim. 15h Oct. & Nov. : Mer. & Jeu. 19h15, Ven. & Sam. 21h15, Dim. 15h • Durée 1h10 • À partir de 15 ans Tournée 26 et 28 avril 2025 Le Quai, CDN d'Angers dans le cadre du festival "Écriture en acte"

Le géant Gargantua, issu de l'imagination débordante de François Rabelais, renaît sur les planches du Théâtre de Poche Montparnasse à Paris, du 30 août au 10 novembre 2024. Adaptée par Pierre-Olivier Mornas, cette version moderne du célèbre récit de la Renaissance nous plonge dans une épopée littéraire et philosophique qui mêle satire, humanisme et humour, tout en rendant hommage à l’esprit de liberté propre à l'œuvre originale. Mornas, seul en scène, se transforme en conteur moderne et passionné, incarnant à lui seul une multitude de personnages et de situations qui donnent vie à l'univers foisonnant de Gargantua. Une relecture contemporaine de Rabelais Cette adaptation théâtrale, bien que fidèle aux traductions du XVIe siècle, se veut accessible à un public contemporain. Mornas, accompagné de la metteuse en scène Anne Bourgeois, a cherché à privilégier la puissance du texte tout en l’adaptant aux sensibilités modernes. Le récit de Gargantua, depuis sa naissance par l'oreille de sa mère Gargamelle, jusqu'à son couronnement en tant que roi magnanime, est présenté de manière captivante. Mornas, par son jeu débordant d’énergie et sa capacité à incarner des personnages multiples, parvient à recréer les frasques et les réflexions philosophiques du géant dans un cadre épuré. La simplicité de la mise en scène, privilégiant la parole et l'imagination du spectateur, permet à la richesse du texte de Rabelais de briller tout en offrant une expérience visuelle et sonore subtile mais captivante. Entre humanisme et satire L’œuvre de Rabelais, et en particulier le personnage de Gargantua, incarne parfaitement les valeurs humanistes de la Renaissance. À travers son éducation rigoureusement supervisée par Ponocratès, Gargantua apprend la tolérance, la liberté et la philosophie, des thèmes essentiels que Mornas met en avant dans son adaptation. Ce parcours initiatique est présenté avec humour et intelligence, tout en soulignant les critiques sociales et politiques de Rabelais sur son époque. Mornas et Bourgeois ont également voulu insister sur l’aspect festif de l'œuvre, notamment à travers le motif récurrent du vin et de la bonne chère, emblèmes de l'épicurisme joyeux de Gargantua. Dès sa naissance, le géant s’écrie « À boire ! », un cri qui résonne comme un appel à la vie, au plaisir et à la connaissance. Cette quête insatiable de savoir et de satisfaction traverse toute l’œuvre et se retrouve dans cette adaptation théâtrale, qui célèbre la joie de vivre et l'esprit critique de manière enjouée. Le retour de Gargantua sur une scène parisienne est une occasion unique de plonger dans l’univers riche et complexe de François Rabelais. Grâce au talent de Pierre-Olivier Mornas et à la mise en scène inventive d’Anne Bourgeois, cette adaptation contemporaine célèbre la beauté du langage de Rabelais, tout en rendant hommage aux valeurs d’humanisme, de liberté et de joie qui traversent son œuvre. Le spectacle est un véritable festin théâtral, où l'intelligence, l'humour et l'épicurisme s'entrelacent pour notre plus grand plaisir. Avis Foudart 🅵🅵🅵 SUCCÈS, REPRISE ! GARGANTUA De François RABELAIS Mise en scène Anne BOURGEOIS Adaptaté et interprété par Pierre-Olivier MORNAS Lumières François LOISEAU • Musique et sons François PEYRONY Crédit photo Alejandro Guerrero Théâtre   de Poche Montparnasse Du mardi au samedi 19h, dimanche 15h • Durée 1h10

Le Théâtre d'Un Jour, dirigé par Patrick Masset, se distingue par sa capacité à fusionner le théâtre, le cirque et la musique dans des créations transdisciplinaires et profondément ancrées dans le réel. Le dernier projet de la compagnie, Reclaim, illustre parfaitement cette approche en offrant une expérience unique qui transcende les frontières traditionnelles des arts scéniques. Naissance d'une Idée Reclaim est né du désir de Masset de créer une œuvre où l'écriture et la dramaturgie concrètes sont au cœur de la performance, tout en mettant en valeur les prouesses physiques, vocales et musicales des artistes. Inspiré par le livre de Sylvie Lasserre, "Le Ciel et la Marmite", Masset a découvert le rituel Ko'ch d'Asie Centrale, où les femmes cherchent à établir un rapport égalitaire avec les hommes à travers des chants, des mouvements et des tambours. Ce rituel symbolique et mystérieux a servi de tremplin pour le développement de Reclaim, un spectacle qui explore des thèmes actuels par le biais de la performance corporelle et vocale plutôt que des mots. Un Rituel Contemporain Reclaim est davantage une expérience qu'un simple spectacle. Il propose une immersion totale où acteurs et spectateurs partagent le même espace, abolissant ainsi les barrières traditionnelles entre la scène et le public. Le rituel commence par l'introduction d'une marionnette/enfant portée par une jeune fille, incarnant une figure sacrificielle. Ce moment initial établit une tension qui influence le déroulement de la performance. La danse rituelle, imaginée par Dominique Duszynski, et le feu allumé par la chamane, ouvrent un monde poétique et inconnu où les participants sont invités à s'engager ensemble. Les combats symboliques entre la chamane et les esprits masculins, ainsi que les interactions entre hommes et femmes, mettent en lumière la quête d'équilibre et de justice. Un Équilibre Fragile L'une des scènes marquantes de Reclaim est celle où hommes et femmes tentent de construire ensemble un monde possible, bien que fragile. La musique de Bach et les tensions animales dans les duos soulignent la complexité et la délicatesse de cette entreprise. Cette séquence, comme le reste du rituel, est un mélange de force, de tragédie et d'humour, reflétant la diversité des émotions humaines. Le Pouvoir des Histoires et des Acrobaties À un moment donné, le langage fait son apparition, apportant un nouveau rapport de force et de sens. Les acteurs jouent avec les mots, les voix et les notes, construisant ainsi une nouvelle manière de vivre ensemble. Les acrobaties, loin d'être de simples démonstrations techniques, racontent des histoires profondes et deviennent un moyen de partager quelque chose d'extraordinaire avec le public. Une Boucle Final Mystique La boucle finale ramène la marionnette dans la danse, soutenue par la chamane et les musiciennes. Ce retour symbolise la continuité et la nécessité de reconstruire sans cesse notre humanité. Le rituel se termine par un partage collectif, tout comme le repas clôture le rituel Ko'ch, laissant les spectateurs avec un sentiment d'appartenance et de réflexion sur le futur. Un Magnifique Théâtre Transcendant Reclaim, lauréat du prix Maeterlinck de la Critique 2023 dans la catégorie "Meilleur spectacle de cirque", illustre l'engagement du Théâtre d'Un Jour pour un théâtre physique et transdisciplinaire. Patrick Masset, avec sa formation en philosophie et son amour pour le main à main, continue de repousser les limites de l'art en créant des œuvres qui interrogent et inspirent, offrant une réflexion profonde sur la place de la femme dans nos sociétés patriarcales et sur la manière de vivre ensemble de manière plus juste et équilibrée. En célébrant ses 30 ans en 2024, le Théâtre d'Un Jour réaffirme son rôle essentiel dans le paysage artistique, invitant chacun à participer à un voyage introspectif et collectif à travers des rituels contemporains comme Reclaim. Avis Foudart 🅵🅵🅵🅵 Reclaim - Théâtre d'Un Jour Ecriture & Mise en Scène Patrick Masset Chanteuse Lyrique Blandine Coulon Violoncellistes Eugénie Defraigne et Suzanne Vermeyen en alternance avec Ambre Tamagna Voltigeurs Chloé Chevallier, César Mispelon et Lisandro Gallo (en alternance avec Franco Pelizzari Del Valle ), Porteurs Paul Krügener et Joaquin Diego Bravo (en alternance avec Lucas Elias ) Scénographie et Costumes Oria Puppo • Marionnette Polina Borissova • Masques Isis Hauben • Travail du fer Jean-Marc Simon • Travail Chorégraphique Dominique Duszynski • Création lumière Frédéric Vannes [version salle] & Emily Brassier [version chapiteau] Crédit photo © Christophe Raynaud de Lage Cirque Electrique à Paris Du 14 septembre au 06 octobre  TOURNÉE 2024 Du 25 juillet au 03 août : FIT au Brésil Du 06 au 10 août : Royal Festival de Spa Du 17 au 28 août : Festival International FIDAE en Uruguay Du 14 septembre au 06 octobre : Cirque Electrique à Paris Du 10 au 12 octobre : PBA de Charleroi (Belgique) Du 28 novembre au 08 décembre : Winterfest à Salzburg Du 12 au 16 décembre : Maillon - Scène Européenne, Théâtre de Strasbourg Du 14 janvier au 14 février 2025 : Tournée Asspropro en Belgique Du 20 au 26 février : Festival de Madrid Du 04 au 08 mars : Théâtre Royal de Namur (Belgique) Le 12 mars : Cultuur Centrum Bruges (Belgique)

La vieillesse est souvent perçue comme une période de déclin, une époque où l'amour et le désir se retirent pour laisser place à la solitude et à la monotonie. Pourtant, ce stéréotype est loin de la réalité pour beaucoup de nos aînés. Avec son dernier projet, "La Vie Secrète des Vieux", Mohamed El Khatib nous invite à découvrir une facette méconnue de la vieillesse : l'amour, le désir, et la sexualité persistants chez les personnes âgées. Un Voyage au Cœur de l’Intimité des Aînés El Khatib, connu pour ses œuvres qui mêlent cinéma, littérature et performance, s'attache à révéler la vitalité et l'humanité de ses sujets à travers des projets de fiction documentaire. "La Vie Secrète des Vieux" ne fait pas exception. Inspiré par des entretiens approfondis avec des personnes âgées, ce spectacle explore leurs expériences amoureuses et sexuelles, brisant ainsi un des derniers grands tabous de notre société. Les témoignages recueillis auprès des participants révèlent des histoires d'amour tardives, des désirs encore vifs, et des sexualités réinventées. Danièle L. confie : « Moi je veux bien tout vous raconter, mais je ne voudrais pas que mes enfants le sachent. Ils pensent que c’est fini pour moi depuis un moment... ». Ce secret, partagé par beaucoup, montre combien les perceptions de la vieillesse peuvent être faussées par les idées reçues. Des Histoires d'Amour et de Désir au Crépuscule de la Vie La pièce donne la parole à huit participants, tous âgés, qui viennent de différents horizons sociaux et culturels. Leurs récits forment un tableau riche et diversifié des relations amoureuses et sexuelles à un âge avancé. Jacqueline, 92 ans, ouvre la danse en racontant ses souvenirs avec une clarté et une joie communicatives. Micheline Boussaingault, 82 ans, révèle son homosexualité acceptée tardivement, tandis que Chille Deman, 75 ans, partage son engagement dans la communauté LGBTQ+ et la reconnaissance qu’il a reçue en tant que militant. Les témoignages de ces aînés sont ponctués de moments de tendresse, de malice, et de profondes réflexions sur la vie et l'amour. Les participants se souviennent de leurs premières amours, de leurs émois d’adolescents, et de la redécouverte de leur corps et de leur désir à un âge où la société les imagine souvent désintéressés de ces questions. Briser les Tabous et Redéfinir la Vieillesse El Khatib ne se contente pas de mettre en lumière les histoires individuelles ; il s'attaque également aux stéréotypes sociaux. La sexualité des vieux est souvent perçue comme honteuse, cachée, voire inexistante. La sociologue Rose-Marie Lagrave souligne que « les vieux sont censés être sexuellement rassasiés pour le restant de leurs jours ». Pourtant, comme le montre "La Vie Secrète des Vieux", le désir peut perdurer et même s’intensifier. Un Espoir de Renouveau "La Vie Secrète des Vieux" est un plaidoyer pour une reconnaissance et une célébration de la vie affective et sexuelle des personnes âgées. Les participants trouvent dans cette expérience théâtrale une nouvelle vitalité, une redécouverte de leur identité et de leur place dans le monde. Comme le dit Micheline : « Avignon ! Le IN ! Cela nous offre une nouvelle vie ». En fin de compte, ce projet nous rappelle que l'amour et le désir ne connaissent pas d’âge. Ils restent des forces puissantes et vivantes, capables de transformer et d’enrichir nos vies jusqu’à la fin. À travers "La Vie Secrète des Vieux", Mohamed El Khatib nous invite à écouter et à apprendre de nos aînés, à reconnaître leur humanité et à célébrer la beauté de leurs histoires. Parce que l’amour, comme la vie, ne vieillit jamais. Avis Foudart 🅵🅵🅵🅵 LA VIE SECRÈTE DES VIEUX Conception et réalisation Mohamed El Khatib Avec en alternance selon leur longévité Annie Boisdenghien, Micheline Boussaingault, Marie-Louise Carlier, Chille Deman, Martine Devries, Jean-Pierre Dupuy, Jacqueline Juin, Jean Paul Sidolle, Yasmine Hadj Ali... (distribution en cours) Dramaturgie et coordination artistique Camille Nauffray Scénographie et collaboration artistique Fred Hocké Vidéo Emmanuel Manzano Son Arnaud Léger Crédit photo © Christophe Raynaud de Lage / Festival d'Avignon THÉÂTRE DES ABBESSES Du 12 au 26 septembre 2024 • Durée 1h20 TOURNEE 2024-2025 (EN COURS) Du 28 mai au 1er juin 2024 : Kunstenfestivaldesarts - Théâtre National Wallonie-Bruxelles Du 4 au 19 juillet 2024 : Festival d’Avignon - Circa La Chartreuse Du 12 au 26 septembre 2024 : Festival d’Automne - Théâtre de la Ville, Paris 8 et 9 octobre 2024 : Espace 1789 – St Ouen 11 octobre 2024 : Théâtre de Choisy-le-Roi 9 et 10 novembre 2024 : Festival RomaEuropa, Rome Du 20 au 23 novembre 2024 : Comédie de Clermont-Ferrand Du 27 au 29 novembre 2024 : CDN Orléans Du 12 au 15 décembre 2024 : Comédie de Genève 18 et 19 décembre 2024 : Points Communs – Cergy Du 8 au 10 janvier 2025 : Théâtre du Bois de l’aune – Aix-en-Provence Du 13 au 15 janvier 2025 : Tandem – Arras 17 et 18 janvier 2025 : Le Channel – Calais 28 janvier 2025 : Equinoxe – Châteauroux 30 janvier 2025 : La Halle aux Grains – Blois Du 11 au 15 mars 2025 : TNB – Rennes 28 et 29 mars 2025 : Bonlieu – Scène nationale Annecy 8 et 9 avril 2025 : Malraux – Scène nationale Chambéry Du 15 au 17 avril 2025 : MC2 – Grenoble 27 et 28 mai 2025 : L’Espal - Le Mans

« La vérité faut que tu fasses un spectacle tout seul, mon fils, une sorte de ouane manne chaud, t’y es trop gracieux. » La mère de Soulal Bouloudnine La vérité, on est d’accord, Madame Bouloudnine. On est tous d’accord ! Solal Bouloudnine n’oubliera jamais le 2 août 1992. il avait six ans onze mois et vingt jours quand Michel Berger est mort, terrassé par une crise cardiaque dans sa villa de Ramatuelle , après une partie de tennis. Solal passait ses vacances dans une maison, juste à côté, et… c’est ce jour-là qu’il a pris conscience de la mort. Aujourd’hui, Solal , à travers une galerie de personnages un peu fous et particulièrement attachants, nous fait pleurer de rire, nous fait mourir de bonheur. Un spectacle qui parle de vie, de mort, de vie… Mais aussi, pêle-mêle, d’amour, de théâtre, des parents, de l’enfance, de tennis, d’une bouchère bourguignonne, de Michel Berger, de France Gall… et des variétés. « Un spectacle de variété qui se vit comme une chanson épique, ou l’inverse ». Nous sommes un mercredi après-midi, dans une chambre d’enfant. Au son des chansons de Michel Berger, les jouets activent les histoires les plus folles. Il est libre Solal Solal chante, Solal roule, saute, change de voix, d’accent et nous propose toute une galerie de personnages complètement fantaisistes avec ce spectacle aussi tendre qu’émouvant, aussi émouvant que drôle, aussi drôle que surprenant. « Les chansons sont des alliées, un remède à la solitude » On sera tous là… car Quelque chose de beau doit nous arriver . Quelque chose de fort doit nous emporter ... U ne comédie magnifique et effrénée. Un spectacle fou, créatif et merveilleux… à voir absolument. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 La fin du début Jeu et conception Solal Bouloudnine Texte Solal Bouloudnine et Maxime Mikolajczak Mise en scène Maxime Mikolajczak et Olivier Veillon Création lumière et son, régie générale François Duguest Musique Michel Berger Costumes et accessoires Elisabeth Cerqueira et François Gauthier-Lafaye Théâtre Lepic À partir du 23 septembre •Tous les lundis et mardis à 21h

La légende de Sarah Bernhardt, surnommée « la divine », « le monstre sacré » ou encore « la voix d’or », ne cesse de fasciner les générations. Cette icône du théâtre, première véritable star internationale, a marqué l’histoire non seulement par ses talents d’actrice, mais aussi par une vie vécue avec une intensité et une excentricité hors du commun. La vie de Sarah Bernhardt est celle d’une femme qui a refusé d’être enfermée dans les conventions de son époque, forgeant sa propre légende avec une audace et une détermination sans pareilles. Aujourd’hui, cette figure flamboyante renaît sur les planches du Palais Royal, grâce à la pièce « L’Extraordinaire Destinée de Sarah Bernhardt » signée Géraldine Martineau. Sarah Bernhardt : Une Vie de Passion et de Scandale Sarah Bernhardt n’était pas simplement une actrice, elle était une force de la nature, une pionnière qui a repoussé les limites du possible. Sa devise, « Quand même ! », résonne encore comme un cri de défi face aux obstacles qu’elle a surmontés. De ses débuts sur les planches à sa carrière internationale, Bernhardt a incarné la liberté, l’ambition et une soif insatiable de grandeur. Son existence était un tourbillon d’excès et de scandales : elle dormait dans un cercueil, collectionnait les animaux exotiques, fréquentait les plus grandes figures de son temps, et traversait les continents pour jouer… et mourir, devant des publics en extase. Sarah Bernhardt n’a jamais cessé de se réinventer, même après l’amputation de sa jambe, elle a continué à monter sur scène, défiant les conventions avec une résilience inébranlable. Géraldine Martineau : Un Regard Moderne sur un Mythe Intemporel La metteuse en scène Géraldine Martineau ne s’est pas contentée de raconter la vie de Sarah Bernhardt. Elle a voulu entrer dans l’âme de cette femme exceptionnelle, nous la faire ressentir dans toute sa complexité et son exubérance. « J’ai voulu écrire une pièce, à l’image de son personnage principal, fantasque, drôle et flamboyant », explique Martineau. La pièce n’est pas un simple biopic, mais un hommage vibrant à une femme qui a bouleversé le théâtre et dont les échos résonnent encore aujourd’hui. Martineau s’appuie sur une distribution remarquable de dix artistes qui incarnent avec brio trente-cinq personnages différents. Au centre de cette fresque théâtrale, Estelle Meyer brille par sa modernité et la profondeur de son interprétation. Sa voix unique et sa diction étonnante rendent hommage à l’héritage de Bernhardt, tout en apportant une touche contemporaine qui transcende le temps. Meyer incarne une ode à la liberté, à la prise de risque et à la détermination, traits qui définissaient si bien Sarah Bernhardt. Un Spectacle Hors du Commun « L’Extraordinaire Destinée de Sarah Bernhardt » dépasse la simple biographie pour explorer le théâtre, cet art populaire qui captivait les foules bien avant l’avènement du cinéma. Sarah Bernhardt, avec son charisme unique, incarnait cette passion théâtrale, subjuguant le public comme peu l’ont fait avant ou après elle. En montant cette pièce, Géraldine Martineau rend un hommage non seulement à Bernhardt, mais aussi à l’art dramatique lui-même. C’est un rappel de l’importance de la scène, de son pouvoir à transcender les époques et à capturer l’essence de l’humanité dans toute sa splendeur et ses contradictions. Un Héritage Incomparable Le spectacle de Martineau nous transporte dans une époque où le théâtre était roi et où Sarah Bernhardt, icône vivante, incarnait la liberté et l’audace. Pionnière en mise en scène, en tournées internationales et créatrice de son propre théâtre, Bernhardt a fait du théâtre son royaume, devenant elle-même l’incarnation de cet art. « L’Extraordinaire Destinée de Sarah Bernhardt » est une célébration de cette femme qui a osé aller « quand même » au-delà de l’impossible. En revisitant son héritage, Géraldine Martineau et son équipe rappellent au monde l’importance de ces modèles féminins puissants et inspirants, qui continuent de briller bien après leur époque. Un hommage nécessaire et passionné à celle qui fut, et reste, la Divine Sarah. Avis Foudart 🅵🅵🅵🅵 L’Extraordinaire Destinée de Sarah Bernhardt Texte et mise en scène Géraldine Martineau Avec Estelle Meyer , Marie-Christine Letort , Isabelle Gardien , Priscilla Bescond , Blanche Leleu , Sylvain Dieuaide , Antoine Cholet , Adrien Melin , Florence Hennequin et Bastien Dollinger Scénographie Salma Bordes • Costumes Cindy Lombardi • Lumière/vidéo Bertrand Couderc • Son Antoine Reibre • Chorégraphe Caroline Marcadé • Perruquière Judith Scotto • Composition musicale Simon Dalmais et Estelle Meyer Crédit / Copyright © Fabienne Rappeneau THÉÂTRE DU PALAIS ROYAL Du 27 août au 31 décembre 2024 • Du mardi au samedi à 20h30 jusqu'au 6 octobre (Puis en alternance avec la pièce Edmond à partir du 8 octobre) • Durée 1h45

Après le succès remarqué de "No Limit", Robin Goupil, fasciné par les États-Unis,  nous revient avec "The Loop", une comédie qui s'inscrit dans la veine de son précédent travail, avec une prédilection pour les situations extravagantes et l'humour potache. Si cette nouvelle pièce parvient sans aucun doute à divertir, elle laisse parfois le spectateur sur sa faim en termes de profondeur narrative. Une Belle Comédie Potache Qui Manque de Fond "The Loop" s'articule autour d'une enquête policière dans une petite ville américaine, avec des personnages hauts en couleur et des situations absurdes. La pièce repose sur un concept de répétition de la même scène, une idée qui, si elle est bien exploitée, peut être efficace pour générer du rire. Cependant, cet humour de répétition, bien que familier et apprécié par certains, peut aussi paraître lassant pour d'autres. On oscille entre une fascination pour le ressort comique bien rodé et une certaine irritation face à son insistance. Un Humour Qui Divise L'humour de "The Loop" est clairement destiné à provoquer des rires francs, grâce à un esprit potache et des dialogues vifs. Mais cet humour, aussi efficace soit-il, semble parfois se faire au détriment d'un propos plus substantiel. La pièce, avec son rythme effréné et ses punchlines, se concentre davantage sur le divertissement que sur la critique sociale. Pour ceux qui apprécient ce genre de comédie, c'est un régal, mais pour ceux qui recherchent une satire plus profonde, le manque de fond peut être décevant. Une Mise en Scène Dynamique Mais Sans Surprise La mise en scène, bien que dynamique et inventive, reste dans le registre du déjà-vu. Les effets sonores et visuels sont bien exécutés, mais ils ne parviennent pas à compenser l'impression de déjà-entendu dans le schéma comique. Si le spectacle est techniquement réussi, il ne renouvelle pas suffisamment le genre pour surprendre. Une Comédie Qui Divertit Mais Ne Marque Pas "The Loop" est une comédie efficace pour ceux qui apprécient l'humour potache et les ressorts comiques éprouvés de la répétition. Elle divertit sans aucun doute, mais elle peut aussi nous laisser un peu sur leur faim. Un spectacle à voir pour passer un bon moment, à condition de ne pas en attendre davantage qu'une bonne dose de rigolade. Avis Foudart 🅵 THE LOOP Une comédie écrite et mise en scène par Robin Goupil Assisté de Théo Comby Avec Aurélie Boquien, Tristan Cottin, Juliette Damy, Stanislas Perrin Lumières François Leneveu • Costume Bérengère Roland • Scénographie Capucine Grou-Radenez • Musique Robin Goupil et Thomas Gendronneau Crédit photo B.Buchmann-Cotterot THÉÂTRE DES BÉLIERS Du mardi au samedi à 21h00 • Dimanche à 15h00 • Durée 1h20

Dans les années sombres de l'Occupation en France, la famille Martineau, une famille ordinaire, se retrouve plongée au cœur d'une réalité impitoyable. Ni résistants ni collabos, ils cherchent à mener une vie normale malgré les lois de plus en plus restrictives imposées aux Juifs. Au milieu de cette période troublée, leur moyen de subsistance consiste à fournir les étoiles jaunes aux Juifs à travers toute l'Europe. C'est dans ce contexte que la pièce de théâtre " Les Marchands d'étoiles " prend vie. Écrite par Anthony Michineau et mise en scène par Julien Alluguette , un metteur en scène passionné, cette pièce explore le devoir de mémoire et souligne l'importance de se souvenir des horreurs passées afin de prévenir les dangers du nationalisme et du populisme radical. " Les Marchands d'étoiles " nous rappelle l'importance de ne jamais oublier les atrocités du passé et de prendre conscience des conséquences tragiques que peuvent engendrer les discours et les actes violents d'aujourd'hui. En racontant des histoires, en dénonçant et en prévenant, nous espérons maintenir vivante la flamme du souvenir afin d'éviter que les horreurs du passé ne se répètent demain. Dans cette pièce, la tension monte progressivement au fur et à mesure que l'histoire se déroule. Alors que les Martineau tentent de maintenir un semblant d'équilibre dans leur vie malgré l'occupation allemande, l'arrivée d'un inconnu va bouleverser leur existence précaire. Ce personnage incarne le sombre visage de la collaboration et soulève des questions morales déchirantes. Doivent-ils continuer à fournir les étoiles jaunes pour assurer leur survie, ou doivent-ils prendre position et risquer tout ce qu'ils ont ? La pièce explore les dilemmes éthiques auxquels les personnages sont confrontés Elle met en lumière les choix impossibles et les compromis que certains ont dû faire pour survivre dans une période aussi troublée. Les Martineau, tout comme de nombreux autres individus de cette époque, sont pris dans un tourbillon de peur, de souffrance et de profondes remises en question. Et peu à peu, de façon presque indescriptible, la comédie initiale laisse place à un drame poignant Les rapports de force, les dilemmes moraux et les choix difficiles s'entremêlent avec un humour corrosif pour créer une expérience théâtrale intense et émotionnelle, nous confrontant à la réalité de la guerre et à ses conséquences dévastatrices sur la vie des personnes ordinaires. Ce qui rend cette pièce particulièrement puissante, c'est son refus de catégoriser les personnages en bons ou mauvais. Chacun d'entre eux est confronté à sa propre lutte intérieure face au danger et à la mort imminente. Ils essaient tous de " continuer à vivre " malgré l'hostilité extérieure et la peur qui les entoure. Les performances des acteurs sont remarquables, notamment celle de Guillaume Bouchède qui transmet avec humour et tendresse une profonde humanité. Il est entouré d'une équipe de comédiens intenses et investis, parmi lesquels la merveilleuse Stéphanie Caillol , qui nous réserve une surprise lumineuse au cours de la pièce et de très beaux moments d’émotions. Julien Alluguette a été séduit par la poésie du titre et la profonde humanité de la pièce. Son objectif est que le public puisse rire de cette époque sombre pour échapper à la tristesse, tout en ressentant le malaise et la tension qui en découlent. L'esthétique scénographique de Georges Vauraz apporte une dimension visuelle unique à la pièce, renforçant ainsi l'immersion dans cet univers tourmenté. Même si le sujet a été abordé à de nombreuses reprises, " Les Marchands d'étoiles " réussit à captiver le public en offrant une perspective nouvelle et émouvante sur cette période sombre de l'histoire. La pièce rappelle que la mémoire et la prise de conscience sont des armes essentielles dans la lutte contre l'intolérance et la haine. Comme l'a si bien résumé Anthony Michineau , " C'est en racontant ces histoires, en les mettant en scène et en les partageant avec le public que nous pouvons espérer éviter les tragédies du passé et construire un avenir basé sur la compassion, le respect et la compréhension mutuelle. " " Les Marchands d'étoiles " est une œuvre théâtrale puissante qui nous rappelle la capacité de l'humanité à trouver de la lumière au cœur des ténèbres, et à résister face à l'inhumanité. C'est une invitation à la réflexion et à l'action, nous rappelant que chaque individu a le pouvoir de faire la différence et de construire un monde meilleur. En s'engageant dans une telle pièce, nous sommes encouragés à préserver le souvenir de l'histoire et à œuvrer pour un avenir empreint de compassion, de tolérance et de paix. Avis Foudart 🅵🅵🅵 LES MARCHANDS D’ÉTOILES Une pièce d’Anthony Michineau Mise en scène Julien Alluguette Avec  Guillaume Bouchède, Nicolas Martinez, Stéphanie Caillol, Axelle dodier, Julien Crampon et Anthony Michineau Assistante mise en scène Blandine Guimard Scénographe Georges Vauraz THEATRE DU SPLENDID À partir du 23 août 2024 • Du mercredi au samedi à 21h00 • samedi 16h30 • dimanche 17h00

Paris, 2024 - La ville des lumières s'apprête à accueillir les Jeux Olympiques d'été. Cependant, avant même le coup d'envoi de cette grande manifestation sportive, une autre célébration se prépare. Une pièce de théâtre unique en son genre, intitulée " Vole Eddie, vole ! ", a été choisie pour recevoir le prestigieux label " Olympiade Culturelle ". « Les derniers seront les premiers » Cette pièce raconte l'histoire incroyable et méconnue en France d'un homme devenu une légende : Michael Eddie Edwards , surnommé Eddie l'Aigle. Nous sommes dans une petite ville anglaise. À l'âge tendre de treize ans, Michael Eddie Edwards est destiné à suivre les pas de son père et de son grand-père en devenant plâtrier. Mais un soir, le destin frappe à sa porte grâce à quelques minutes de télévision. Animé par un rêve fou, Eddie jure alors qu'un jour, il représentera fièrement son pays aux Jeux Olympiques d'hiver. Peu importe qu'il n'ait jamais skié de sa vie, il est prêt à tout pour accomplir son rêve! Dès les premières minutes du spectacle, le public est captivé par l'histoire de ce perdant magnifique, sans jamais tomber dans le pathos et avec une subtilité déconcertante. Les rires fusent, les émotions se dévoilent, et le public est emporté dans un tourbillon de sensations. Les trois comédiens talentueux et généreux se transforment en vingt personnages différents et racontent avec humour et émotion le destin hors du commun de cet homme devenu une véritable légende. La mise en scène habile et astucieuse de Sophie Accard nous transporte dans un voyage à la fois captivant et touchant. Chaque instant est savamment orchestré et nous nous laissons emporter par cette incroyable épopée. Quel défi artistique ! La scénographie de Blandine Vieillot est d'une ingéniosité exceptionnelle. Avec quelques bouts de ficelle (c'est très relatif), nous sommes transportés vers les sommets. On peut dire que le pari est véritablement réussi !... et nous sortons de la salle avec le cœur rempli de joie et d'inspiration. "Vole Eddie, vole !" rappelle à chacun que croire en sa bonne étoile est souvent la meilleure façon d'accomplir ses rêves. Alors, si vous êtes prêts à vivre une expérience théâtrale unique, laissez-vous emporter par la magie de cette incroyable histoire vraie. Une chose est certaine... vous en ressortirez avec des étoiles plein les yeux et le sourire aux lèvres ! Avis Foudart 🅵🅵🅵🅵 « Vole Eddie, vole ! » Un spectacle de Léonard PRAIN Avec Benjamin LHOMMAS, Sophie ACCARD, Léonard PRAIN Mise en scène Sophie ACCARD Musique CASCADEUR Scénographie Blandine VIEILLOT Lumières Simon CORNEVIN Costumes ATOSSA   THEATRE MONTPARNASSE À partir du 20 septembre 2024 • Du mardi au samedi 19h00 dimanche 17h30 • À partir de 8 ans Spectacle vu au FESTIVAL OFF AVIGNON Théâtre des Gémeaux

« Un club de striptease est un lieu qui génère de nombreux fantasmes. Mais on ne se doute pas que c’est en premier lieu, un monde où hommes et femmes se découvrent et se rencontrent » Au départ, ce fût une belle rencontre entre deux comédiennes très différentes Julie Benegmos et Marion Coutarel lors d’une résidence au 104, à Paris, dans le but de travailler sur leur nouveau spectacle « Après l’oubli » . Puis une expérience étonnante et bouleversante de Julie Benegmos au Théâtre Chochotte a été suivi par de longs entretiens avec des filles rencontrées sur place. Aujourd’hui, le Théâtre 11•Avignon propose un spectacle immersif entre fiction, documentaire et théâtre érotique, afin de restituer la complexité de l’acte de striptease chez ceux qui regardent et chez celles qui le pratique. « Une façon de faire découvrir une réalité sous un angle de vue qu’il est impossible de vivre dans la réalité de nos vies quotidiennes » Julie Benegmos En passant par les loges, en assistant à une performance théâtrale créée à partir de cinq portraits de stripteaseuses puis en se laissant entraîner dans une immersion virtuelle au cœur des cabines privés d’un strip-club… en 5 chapitres – actes nous allons explorer le scandale, risquer la jouissance, peut-être perdre son âme et certainement rencontrer la beauté. « Strip : Au risque d’aimer-ça », c’est bel et bien à l’endroit de l’amour que ce projet sorti des sentiers battus, vient déranger l’ordre social et sexuel de notre société. Strip est un spectacle d'une grande intelligence, avec une vraie créativité et une belle élégance, plein d’amour, d’humour et de sensualité, à la rencontre de l'intimité d’un bar à striptease. Les tableaux s’enchaînent, les chapitres défilent et nous permettent de découvrir un univers fantasmé très codifié et finalement si méconnu. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 STRIP AU RISQUE D'AIMER - ÇA Performance / Expérience immersive / Réalité Virtuelle Texte, mise en scène et jeu Julie Benegmos et Marion Coutarel Scénographie et costumes Aneymone Wilhelm Festival OFF Avignon Le 11 · Avignon Du 2 au 21/7 à 20h40 • Durée 1h15 • Dès 16 ans