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« Au commencement, un élan, le début d’un voyage, d’une fuite… On sait ce qu’on quitte, mais on ne peut jamais être certain de ce qu’on trouvera à l’arrivée. On ne sait pas davantage quand on arrivera, ni, parfois, où. » Le trio Degré 41, composé de musiciens venus de l’Est, offre une expérience unique mêlant musique, littérature et cinéma. Leur spectacle "Notes de Départs" est un voyage musical et poétique en terres slaves, sur les routes de la Mitteleuropa, des Balkans et du Caucase. Dimitri Artemenko et Vadim Sher, originaires d'Estonie, ainsi que Yuri Shraibman, Ukrainien, ont été formés dans la rigueur de l'enseignement musical classique de l'ex-URSS. Cette formation exigeante est le fondement de leur sonorité particulière. Le trio est un melting-pot de genres musicaux, alliant les traditions tziganes, klezmer, balkaniques, caucasiennes et slaves. Chaque membre du groupe apporte sa touche personnelle : les sonorités contemporaines de Dimitri, l'improvisation jazz de Yuri et l'écriture musicale structurée de Vadim, enrichie par son amour pour la littérature et le cinéma. Le nom "Degré 41" fait référence à un groupe poétique avant-gardiste fondé par des exilés russes à Tbilissi en 1918, ainsi qu'à la latitude balkanique et caucasienne. Leur premier spectacle est un kaléidoscope d'émotions. Il explore les sentiments variés évoqués par les départs : joie, tristesse, précipitation, recul, assurance, doute, raison ou folie. Comme le souligne un personnage d'Anton Tchékhov, ce spectacle est une quête pour comprendre le sens de la vie et de la souffrance. « Rester là ou être de l’autre côté » Avec "Notes de Départ", Degré 41 nous invite à un voyage où l'humour slave et l'énergie klezmer se marient à la mélancolie balte. C'est une traversée originale où la musique, la littérature et le cinéma s'entremêlent pour créer un départ unique à chaque représentation. Nous sommes alors invités à réfléchir sur nos propre expérience de voyage, qu'elle soit physique ou émotionnelle, et à découvrir la richesse des cultures de l'Europe de l'Est à travers le prisme artistique de ce trio talentueux…car, après tout, il n’y a aucun moyen d’échapper à son destin. NOTES DE DEPARTS Avec le trio Degré 41 Vadim SHER - piano, Dimitri ARTEMENKO - violon, Yuri SHRAIBMAN- clarinette / sax Mise en scène Carolina PECHENY Création lumière Alireza KISHIPOUR • Musiques Valéri GAVRILINE, Alfred SCHNITTKE, Vadim SHER, Dimitri ARTEMENKO • Extraits de textes Valérie ALANE, Charles BAUDELAIRE, Daniil HARMS, Irène NÉMIROVSKY, Franz KAFKA, Viktor PÉLÉVINE, Vadim SHER, Anton TCHÉKHOV • Images Igor MINAÉV THEATRE DE POCHE MONTPARNASSE 4 REPRÉSENTATIONS EXCEPTIONNELLES • Les vendredis 29 décembre et 5 janvier à 19h • Les samedis 30 décembre et 6 janvier à 19h • Durée 1h15 PROGRAMME MUSICAL Vadim SHER – La fuite Dimitri ARTEMENKO et Vadim SHER – La coupe écrasée Vadim SHER – Au Kabak / Musique Valeri GAVRILINE – Tarentelle (ballet Aniouta) Vadim SHER – Sur la couchette du bas Vadim SHER – La fête discrète Dimitri ARTEMENKO – Dooms Hora Alfred SCHNITTKE – Le Manteau (Gogol - suite) Vadim SHER – Rencontre dans la neige Vadim SHER – La route caucasienne Vadim SHER – Lovi (sur le thème d’un freilach klezmer)

La Profondeur de l'Expérience Humaine "Orphelins" n'est pas une pièce de théâtre ordinaire ; c'est une fenêtre ouverte sur les abysses de l'âme humaine, un miroir qui reflète les nuances complexes de notre nature. Dans ce huis-clos à suspense, ce thriller social, chaque personnage devient un symbole de nos luttes internes, de nos contradictions, et de notre quête incessante de vérité au sein du labyrinthe des relations humaines. La pièce de Dennis Kelly, mise en scène par Sophie Lebrun et Martin Legros, nous transporte dans un univers où les frontières entre compréhension et jugement, entre empathie et répulsion, sont constamment remises en question. "Orphelins" est un voyage au cœur des dynamiques familiales, des secrets enfouis et des mensonges qui, tels un fil rouge, tissent le tissu de nos vies. C'est une exploration audacieuse de ce qui nous rend humains, dans toute notre splendeur et notre laideur. Une soirée est perturbée par l'arrivée inattendue de Liam, couvert de sang, chez sa sœur et son beau-frère. Ce moment déclencheur plonge les personnages, et par extension les spectateurs, dans un tourbillon de révélations et de tensions familiales. Le récit, intentionnellement confus, ébranle les certitudes et révèle les fissures d’une famille construite sur des non-dits et des demi-vérités. Humanité et Monstruosité « Nous cherchons toujours à comprendre l’autre, car l’autre est notre semblable. » - Sophie Lebrun et Martin Legros explorent l'humanité dans ses aspects les plus sombres et les plus lumineux. Ils cherchent à démontrer que même les "monstres" sont humains, animés par des conflits internes entre morale et passion, réalité et aspiration. Ils remettent en question la dichotomie simpliste entre comprendre et excuser, plaidant pour une exploration profonde de la complexité humaine. « Dans Orphelins, les personnages sont simultanément beaux et laids, ils portent en eux les tiraillements entre la morale et la passion, entre ce que l’on veut être et ce que l’on peut être. » La Solitude Derrière les Mensonges « La question d’excuser ou non paraît alors obsolète. » Lorsque tous les rapports se sont construits au fil du temps sur des mensonges et des petites lâchetés, et qu’un événement inévitable vient tout briser, alors la cohésion laisse place à la solitude. Proximité et Immersion La mise en scène innovante, avec un dispositif tri-frontal et une narratrice/régisseuse, crée une proximité intime entre les acteurs et le public. Cette approche permet de s'immerger dans l'univers de la pièce, nous rendant témoins directs des conflits et des dynamiques familiales. Un Laboratoire de la Nature Humaine L'approche de Lebrun et Legros dans "Orphelins" est avant tout une exploration de la nature humaine. Ils envisagent le théâtre non pas comme une simple représentation, mais comme un laboratoire où la fiction interroge le réel. En jouant dans des espaces non conventionnels, ils cherchent à briser les barrières entre la scène et la vie quotidienne, impliquant le public dans une réflexion sur la nécessité et la nature du théâtre. Des Performances Captivantes Dans cette œuvre saisissante, Dennis Kelly, avec son talent unique et son style caractérisé par un rythme haché et un réalisme brut, sert de catalyseur aux performances des acteurs. Martin Legros, en particulier, brille dans le rôle de Liam, capturant avec brio la complexité et la vulnérabilité de son personnage. Au-delà du Théâtre "Orphelins" est plus qu'une pièce de théâtre ; c'est une expérience viscérale qui questionne, dérange et émeut. C'est une invitation à regarder au-delà des apparences, à explorer les abysses de l'âme humaine et à reconnaître la complexité de nos propres vérités. Ce voyage à travers les émotions et les conflits internes offre une perspective unique sur les dilemmes moraux et les choix difficiles qui façonnent notre existence. En défiant les conventions théâtrales, "Orphelins" nous pousse à réfléchir sur le pouvoir de la fiction pour révéler des vérités profondes sur nous-mêmes et sur la société. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 ORPHELINS Texte Dennis Kelly Traduction Philippe Le Moine et Patrick Lerch © L’Arche éditeur Mise en scène Martin Legros & Sophie Lebrun Avec Julien Girard, Sophie Lebrun ou Céline Ohrel, Martin Legros, Loreleï Vauclin Crédit photo © Virginie Meigne Théâtre de Belleville Du 3 au 28 décembre 2023 • Lun. 19h, Mar. 21h15, Dim. 17h30 & le Mar. 26, Mer. 27 & Jeu. 28 à 19h • Durée 1h25 • À partir de 14 ans Tournée 6 février 2024 Théâtre Charles Dullin – Grand Quevilly

En 2023, les Folies Gruss, un spectacle emblématique de la Compagnie Alexis Gruss, célèbrent un jalon impressionnant : 50 ans de présence artistique à Paris. Du 21 octobre 2023 au 31 mars 2024, nous auront la chance de découvrir un nouveau spectacle équestre, musical et aérien sous le célèbre chapiteau au cœur du Bois de Boulogne. Pour marquer ce demi-siècle d'histoire, la Compagnie Alexis Gruss propose une immersion dans l'univers du spectacle équestre, combinant les talents artistiques de trois générations. L'événement comprend un pré-show gastronomique, le spectacle principal et un after-show pour prolonger l'enchantement. Dirigé artistiquement par Stephan Gruss, avec une scénographie de Grégory Antoine et une musique originale de Grégory Garell, ce spectacle raconte l'histoire de Louise, une chanteuse aspirante, et de Piotr, un technicien dévoué, explorant les talents équestres de la famille Gruss. Entre Evolution et Préservation du Patrimoine Équestre La Compagnie Alexis Gruss, fondée en 1974 a su évolué et se réinventer tout en restant fidèle à ses racines, avec un engagement envers l'art équestre et les traditions familiales. Sous la direction de la cinquième génération Gruss, représentée par Stephan, Firmin et Maud, elle continue d'innover, préparant la voie pour la sixième génération. Le spectacle de cette année, avec sa cavalerie de 50 chevaux et 25 artistes, est une expérience artistique mémorable. Nous pouvons admirer des prouesses équestres et acrobatiques, des performances musicales, et vivre une belle expérience immersive. Les Folies Gruss, c'est une célébration de l'art équestre, de la tradition et de l'innovation. C'est un rendez-vous incontournable pour tous ceux qui souhaitent vivre une expérience magique et enrichissante, témoignant de l'engagement indéfectible de la famille Gruss envers l'excellence artistique. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 LES FOLIES GRUSS NOUVEAU SPECTACLE 50è CRÉATION ANS À PARIS Du 21 octobre 2023 au 31 mars 2024 Avec Alexis Gruss, Maud Florees Gruss, Olivia Gruss, Celestine Gruss, Gipsy Gruss, Svetlana Gruss, Kaylie Griffiths, Venecia Florees, Stephan Gruss, Charles Gruss, Jeanne Gruss, Xavier Ducrocq, Firmin Gruss, Alexandre Gruss, Gloria Florees, Candice Parise Direction Artistique Stephan Gruss • Mise en scène Stephan Gruss. • Chansons originales Grégory Garell • Musiques Originales Grégory Garell, Sylvain Rolland, Pascal Balzano, Cyril Moret, Massimo Murgia • Création lumière, scénographie Grégory Antoine • Costumes Bruno Fatalot et Maud Florees Crédits photos Olivier Brajon, Serge Fleury, Eloïse Vene, Karim El Dib, Gregory Antoine

"Oh là là - de Paris à Broadway", mené par la talentueuse Isabelle Georges, est un spectacle de cabaret étincelant qui fusionne l'élégance intemporelle de Paris avec l'exubérance effervescente de Broadway. Se déroulant du 19 au 30 décembre 2023 au Publicisdrugstore des Champs-Élysées, Isabelle Georges, une artiste aux multiples talents, y offre une performance mémorable, faisant suite à ses succès au Théâtre des Champs-Élysées et au Feinstein’s 54 Below de New York. Dans ce spectacle, Isabelle, reconnue pour son "Personality Show" à l'américaine, captive par sa voix suave, alternant puissance et émotion, ainsi que par son style théâtral envoûtant. Elle nous entraîne dans un voyage musical où les classiques de la chanson française et de la comédie musicale s'entremêlent harmonieusement, avec des œuvres d'Aznavour, Bécaud, Brel, Nougaro, Piaf, Nino Rota, et Cole Porter. Accompagnée par des musiciens exceptionnels, tels que Frederik Steenbrink au piano et au chant, Basile Mouton à la contrebasse, Adrien Sanchez au saxophone et à la clarinette, et Nicolas Grupp à la batterie, Isabelle Georges interprète des titres emblématiques comme "My Heart Belongs to Daddy", "Ne me quitte pas", "Close to You", "Le Poinçonneur des Lilas", et bien d'autres. Ces performances constituent un hommage vibrant à la vie, à l'amour et aux rêves, transmises avec une énergie contagieuse et une passion indéniable. En tant qu'artiste complète, danseuse de claquettes et musicienne, Isabelle Georges apporte une dimension multidimensionnelle à ses spectacles. Son héritage artistique et culturel, enrichi par des rencontres avec des mentors comme Jean Salamero, Frederik Steenbrink et Maury Yeston, se reflète dans sa discographie variée, comprenant "Une étoile et moi", "Broadway en chanté", et "Hâte-toi lentement". Un Voyage Musical Inoubliable "Oh là là - de Paris à Broadway" est bien plus qu'une simple représentation : c'est un kaléidoscope musical captivant. Ce voyage inédit est une invitation à plonger dans un monde où la magie de la chanson et de la danse tisse des liens indissolubles entre Paris et Broadway. Vivez une expérience exaltante où la musique et la vie s'entremêlent, vous faisant vibrer au rythme des émotions, sourire de joie et peut-être même laisser échapper une larme de nostalgie. ‘Oh là là - de Paris à Broadway’ est un événement incontournable pour les passionnés de spectacle et de mélodies envoûtantes. Préparez-vous à être transportés par des classiques immortels tels que ‘La Vie en Rose’ d'Édith Piaf, ‘I Love Paris’ de Cole Porter, et ‘What a Wonderful World’. Ce spectacle est un mélange subtil de passion, de nostalgie et de joie, célébrant l'union unique de la musique et de la danse. Une expérience à ne pas manquer, qui promet d'enchanter tous ceux qui y assistent. Alors n'hésitez plus, venez découvrir ‘Oh là là - de Paris à Broadway’, une aventure musicale inoubliable que vous allez adorer ! Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 Isabelle Georges chante "Oh là là - de Paris à Broadway" Avec Isabelle Georges - Chant, Frederik Steenbrink - Direction musicale, piano & chant, Basile Mouton - Contrebasse, Adrien Sanchez - Saxophone & clarinette, Nicolas Grupp - Batterie & percussions Crédit Photo Renaud Corlouer Publicisdrugstore - Champs Élysée Dans la salle du cinéma du Drugstore transformée en salle de spectacle pour la première fois. Du 19 au 30 décembre • Du lundi au samedi • plusieurs horaires Programme de chanson (Susceptible d’être modifié) La grande évasion - Paroles I. Georges & Musique I. Georges & P. Maniez My Heart Belongs to Daddy - Paroles & Musique C. Porter Je t'attends - Paroles C. Aznavour & Musique G. Bécaud Ne me quitte pas - Paroles & Musique J. Brel - Adaptation yiddish M. Cahan Paris sera toujours Paris - Paroles A. Willemetz & Musique C. Oberfeld Next - Paroles & Musique J. Brel - Adaptation anglaise M. Shuman Close To You - Paroles H. David & Musique B. Bacharach Mon émouvant amour - Paroles & Musique C. Aznavour Le poinçonneur des Lilas - Paroles & Musique S. Gainsbourg 'Round Midnight - Musique T. Monk Une petite fille en pleurs - Paroles C. Nougaro & Musique J. Datin Rhythm Is My Business - Paroles J. Lunceford & S. Cahn & Musique S. Chaplin How Do You Keep the Music Playing - Paroles A. & M. Bergman, Musique M. Legrand Si vous aimez les poitrines - Paroles & Musique C. Porter Over the Rainbow - Paroles Y. Harburg & Musique H. Arlen Minor Swing - Musique D. Reinhardt & S. Grapelli Quand tu danses - Paroles P. Delanoë & Musique G. Bécaud & Gérald I’ve Got You Under My Skin - Paroles & Musique C. Porter I Love Paris - Paroles & Musique C. Porter La vie en rose - Paroles de E. Piaf & Musique Louiguy Le temps - Paroles C. Aznavour & Musique J. Davis Padam, padam - Paroles H. Contet & Musique N. Glanzberg What a Wonderful World - Paroles G. Weiss & Musique B. Thiele Que reste-t-il de nos amours ? - Paroles C. Trenet & Musique L. Chauliac Isabelle Georges Une Étoile Scintillante entre Paris et Broadway

Dans un éblouissant mélange de générations, de cultures et de disciplines artistiques, "Identités" offre une alliance inattendue entre la violoniste renommée Catherine Lara et la dynamique Compagnie Kumo. Ce spectacle incarne une rencontre singulière, transformant des différences en atouts pour une expérience scénique à la fois rythmée et onirique. Une Synergie Inattendue Au cœur de "Identités" se trouve l'étonnante rencontre entre Catherine Lara et les danseurs éclectiques de la Compagnie Kumo. Ensemble, ils transcendent les clivages des générations, des cultures et des disciplines artistiques, transformant leurs différences en forces unifiantes. Ce spectacle vibrant allie harmonieusement rythmes et mouvements, explorant les multiples facettes de l'identité humaine à travers des performances musicales et chorégraphiques exceptionnelles. Un Voyage au Cœur de l'Identité Le spectacle plonge dans l'exploration de thèmes contemporains, comme notre relation complexe avec les réseaux sociaux, notre quête de place dans la société, et notre rapport aux autres, éclairé par le prisme de la tolérance. La musique, la danse, l'art de la lumière et la vidéo s'entremêlent pour créer un espace où ces sujets sont abordés avec profondeur et sensibilité. Fusion de Musiques et de Danses "Identités" propose un mélange captivant de world music, d'électro-pop et de musiques cinématographiques, fusionné avec des styles de danse contemporains comme le break dance et le hip-hop. Cette alliance crée une expérience immersive et émotionnellement riche, reflétant la complexité et la diversité de nos identités. Trois Actes, Trois Réflexions Le spectacle se déploie en trois actes, chacun abordant un aspect différent de l'identité. Du monde virtuel à la réflexion sur notre place dans la société, jusqu'à la célébration de la diversité, chaque acte offre une perspective unique sur les défis et les joies de l'existence humaine. La Compagnie Kumo: Un Ensemble Unique La Compagnie Kumo, avec ses danseurs de divers horizons, apporte une énergie et une identité artistique singulières. Leur riche expérience dans diverses compétitions et performances enrichit le spectacle d'une dimension chorégraphique captivante. Un Message d'Union et d'Espoir "Identités" est plus qu'un spectacle; c'est une célébration de l'amour, de la créativité et de l'union. Catherine Lara souligne l'importance de l'harmonie et de l'acceptation dans ce monde en constante évolution, offrant une expérience mémorable qui incite à la réflexion et à l'émotion. "Identités" invite à un voyage introspectif et édifiant. C'est une exploration artistique où musique et danse se rencontrent pour révéler la richesse de nos identités multiples, dans un monde où les plus beaux voyages commencent souvent par les rencontres les plus inattendues. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 IDENTITÉS Mise en scène et chorégraphies Jamson, assisté de Chichii Compositions originales Catherine Lara Aphorismes Jean-Jacques Thibaud Avec la violoniste Catherine Lara et la Compagnie Kumo (Jamson, Chichii, Corey, Viny) Direction artistique Florian Blache  • Lumières Kevin Hermen • Illustrations vidéos Théo Martin • Courts-métrages Cédric Azerot  • Son Xavier Robin • Stylisme Viny Colbeaux Crédit photos Eric Bongrand / www.ebgd.fr LA SCALA PARIS Les Mercredis 20, jeudis 21, vendredis 22 décembre 2024 - COMPLETS • Mardi 30 janvier 2025 à 20h30 • Spectacle Tout public • Durée 1h20 EN TOURNÉE EN 24/25 (Dates prochainement)

Le spectacle révolutionnaire "STOMP", porteur d'une énergie contagieuse et d'une créativité hors normes, revient éblouir Paris à La Cigale, du 19 décembre 2023 au 14 janvier 2024. Un événement incontournable pour finir l'année en beauté et commencer 2024 avec un dynamisme explosif. Mais qu'est-ce qui rend "STOMP" si spécial et si captivant ? C'est la fusion magistrale des percussions corporelles et des objets du quotidien, transformés en instruments d'une symphonie urbaine. Balais, bidons et bien d'autres objets deviennent les acteurs d'une expérience musicale intense qui a déjà conquis le cœur de plus de 15 millions de spectateurs à travers le monde. Dès que le spectacle commence, la magie opère. Les neuf artistes de STOMP (composés de deux femmes et sept hommes) prennent possession de la scène avec une énergie débordante. Leurs balais qui ne sont plus de simples outils de nettoyage deviennent des baguettes magiques dans une chorégraphie fascinante. Ils balayent, frappent, et caressent le sol, créant sous leurs gestes synchronisés un rythme envoûtant. Ce début annonce un spectacle de plus de deux heures qui va vous captiver jusqu'à la dernière note. Sur scène, chaque artiste apporte sa touche unique, transformant des objets ordinaires en une orchestration visuelle impressionnante. Des balais aux casseroles, en passant par des couvercles de poubelles, des briquets et même un évier, tous se fondent dans une alchimie parfaite. Chaque mouvement, chaque objet, contribue à un rythme et un émerveillement uniques, plongeant les spectateurs dans un tourbillon de sensations. Sous la houlette inspirée de Luke Cresswell, le spectacle se mue en un tour de force mélangeant percussions, danse et humour. Il ne se contente pas de divertir ; il invite le public à devenir une part active de l'expérience, brisant la barrière traditionnelle entre la scène et les spectateurs. "STOMP" est également un chef-d'œuvre de synchronisation, où les gestes précis des artistes s'harmonisent dans une perfection rare, entrelaçant les sons dans un équilibre sublime. Cette maîtrise crée une ambiance captivante, où chaque note et chaque battement de cœur résonnent avec le public. La Cigale, avec son atmosphère intime et son acoustique remarquable, est l'écrin parfait pour ce spectacle vibrant. Dans cet espace, la performance de "STOMP" prend une dimension supplémentaire, combinant l'ampleur de sa mise en scène à une proximité avec le public qui rend chaque moment encore plus magique. "STOMP" à La Cigale est une expérience incontournable, une célébration vibrante de la créativité et de la vie. Chaque représentation est une invitation à voir le monde sous un jour nouveau, à trouver la beauté dans l'ordinaire et à vivre un moment de joie pure et d'humour entraînant. Que ce soit votre première visite ou une redécouverte, "STOMP" promet une expérience renouvelée, pleine de surprises et d'originalité. C'est un événement à ne pas manquer pour tous ceux qui se trouvent à Paris pendant les fêtes de fin d'année, une véritable symphonie de la vie urbaine qui résonnera longtemps dans les cœurs et les esprits. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 STOMP La Cigale Jusqu'au 14 janvier 2024 • plusieurs horaires possibles

« Vous pensez que vos choix sont libres ? Que vos secrets sont bien gardés dans votre esprit ? Que vous êtes peut-être imprévisible ? »... Et si ce n’était pas complètement vrai ? Et si tout partait de vous ? Voici la question un peu provocatrice que pose Taha Mansour, mentaliste renommé, dans son spectacle captivant, "L’Effet Papillon". Découvert en 1961, l'Effet Papillon est un phénomène qui suggère que de petits événements peuvent déclencher des chaînes de conséquences imprévisibles et importantes. Ce concept est brillamment exploité par Mansour pour questionner l'illusion de la liberté de nos choix. Un Voyage Mental Éblouissant Le spectacle de Mansour est une invitation à un périple mental, où lecture de pensées, influence et voyance se mêlent pour défier notre perception du réel. Sa performance, saluée par le prix du Meilleur spectacle de magie-mentaliste en 2020, est une démonstration de son habileté à décoder le comportement humain sans prétendre à des dons surnaturels. La Magie de la Science et de l'Observation Ingénieur de formation, Mansour combine magie, hypnose, analyse comportementale et morphopsychologie. Il révèle comment une observation aiguisée peut simuler de la voyance, démontrant ainsi le pouvoir de la science et de l’analyse dans la compréhension de l’esprit humain. Interactivité et Émerveillement La force du spectacle réside dans son interaction avec le public, où Mansour, avec son charme et son humour, crée un lien intime avec les spectateurs. Son talent pour la mise en scène et l'orchestration musicale renforce l'atmosphère poétique et immersive de son spectacle. Questionner Nos Perceptions À partir de là, le spectacle envoûtant de Taha Mansour nous invite à envisager le monde d'une manière nouvelle, soulignant notre interconnexion avec l'environnement et les autres. Il interroge nos perceptions et capacités de décision, suggérant que, comme dans l'Effet Papillon, de petites actions peuvent avoir de grandes répercussions. Son approche unique alliant théâtre, science, et mentalisme crée un spectacle inoubliable. Avec une scénographie très simple, Taha Mansour nous entraîne dans un voyage émouvant fait de révélations et de prises de conscience qui remettent en question nos convictions et nous font redécouvrir la beauté de l'inattendu. "Laissez-vous émerveiller" "L’Effet Papillon", au-delà d’un simple spectacle, est une expérience enivrante qui rappelle que, parfois, les réponses à nos questions les plus profondes se trouvent dans les détails les plus infimes de notre quotidien, nous invitant à envisager la possibilité que tout soit, en effet, interconnecté. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 L’Effet Papillon Et si tout partait de vous ? Un spectacle de Taha Mansour Avec Taha Mansour Musique Antoine Piolé Crédit photos Monsieur le photographe STUDIO HÉBERTOT Du 10 septembre 2023 au 31 mars 2024 • Les dimanches à 19 h en janvier • Les mercredis et dimanches à 19 h, à partir de février • Durée 1h20

Le renouveau du cirque acrobatique, porté par une troupe australienne audacieuse Depuis sa création à Adélaïde en 2009, la compagnie australienne Gravity & Other Myths, rapidement devenue un nom incontournable sur la scène internationale, a redéfini l'univers du cirque contemporain. Le spectacle "A Simple Space", présenté pour la première fois à La Villette après le succès de "Backbone" en 2019, est une preuve éclatante de cette renommée. Dans "A Simple Space", Gravity & Other Myths atteint l'essence même de l'acrobatie. Ce spectacle, éloigné des artifices habituels, met en scène sept acrobates exceptionnels et un percussionniste, qui ensemble créent une expérience captivante. Ils évoluent dans un espace minimaliste, éclairé simplement par deux colonnes de lumière blanche. Sans costumes extravagants ni décors sophistiqués, "A Simple Space" séduit par sa simplicité et son authenticité. La force de ce spectacle réside dans son approche brute et directe. Les acrobates, dans une proximité intense avec le public, déploient une énergie communicative, mêlant force, risque, émotion et humour. Leurs performances, exécutées avec une maîtrise impressionnante, illustrent non seulement leur talent physique mais aussi l'étroite complicité qui les unit. La musique joue un rôle crucial, le percussionniste amplifiant le rythme déjà soutenu des performances. Ensemble, ils créent un lien vibrant entre eux et avec le public, transformant chaque mouvement, chaque souffle en un moment de partage unique. "A Simple Space" illustre magnifiquement qu'à travers la simplicité se trouve une puissance émotionnelle inattendue. Avec des performances acrobatiques dépouillées de tout artifice, ce spectacle capture l'essence de l'humanité - ses défis, ses échecs et sa résilience. Chaque mouvement et interaction sur scène devient un récit poignant, offrant une vision rafraîchissante de la beauté et de la force de l'art du cirque. Cette œuvre est un témoignage éclatant que la magie de l'art ne réside pas dans la complexité, mais dans la capacité à toucher le cœur de son public par la pureté et l'authenticité de son expression. "A Simple Space" est une ode à la simplicité, une source d'inspiration pour le cirque moderne et un rappel puissant que les histoires les plus touchantes sont souvent les plus simples. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 Gravity & Other Myths A Simple Space Création Triton Tunis-Mitchell, Jascha Boyce, Lachlan Binns, Jacob Randell, Martin Schreiber Composition Elliot Zoerner Avec Alyssa Moore, Annalise Moore, Axel Osborne, André Augustus, Jacob Randell, Kevin Beverley, Lachlan Harper, Nick Martyn LA VILLETTE - Espace Chapiteaux Jusqu’au 31 décembre • Mardi, vendredi à 20h • Samedi à 18h • Dimanche à 16h • Tout public dès 5 ans • durée 1h

En 2024, Greta Gerwig, réalisatrice, scénariste et actrice de renom, prendra la présidence du Jury du 77e Festival de Cannes, du 14 au 25 mai. Après le succès phénoménal de son film "Barbie" en 2023, Gerwig continue de marquer l'industrie cinématographique par son approche novatrice et son amour profond pour le cinéma. Gerwig, née à Sacramento et établie à New York, a rapidement gravi les échelons de la notoriété. Elle a débuté dans le cinéma indépendant américain avant de conquérir le box-office mondial. Sa capacité à fusionner l'art et l'industrie tout en explorant des thématiques complexes et actuelles, démontre son talent exceptionnel. Ses œuvres traitent souvent de sujets comme les conflits familiaux, l'adolescence, la peur du déclassement social, et l'émergence de vocations artistiques. Ses personnages sont libres, parfois fragiles et marginaux, mais toujours déterminés. En plus de jouer, Gerwig a coécrit plusieurs films marquants, tels que "Hannah Takes the Stairs" et "Frances Ha", et a réalisé le célèbre "Lady Bird", qui a reçu cinq nominations aux Oscars. Avec "Les Quatre Filles du docteur March", elle a revisité un classique de la littérature américaine, apportant une perspective moderne sur l'émancipation des femmes. Son dernier film, "Barbie", est une satire audacieuse qui critique le sexisme et les stéréotypes, devenant un succès mondial et établissant Gerwig comme la première réalisatrice à franchir le milliard de dollars au box-office. À 40 ans, Gerwig est la première cinéaste américaine et la plus jeune personnalité à présider le Jury de Cannes, suivant les pas de Sofia Loren et Jane Campion. Sa nomination reflète son rôle de pionnière dans un cinéma mondial en constante évolution, un cinéma qui défie les frontières et privilégie l'intelligence et l'humanisme. Le Festival de Cannes 2024 promet d'être un événement exceptionnel sous la direction de Gerwig, avec la sélection officielle attendue pour mi-avril. Son parcours illustre parfaitement l'esprit du Festival, qui chaque année célèbre le renouveau et la diversité du cinéma mondial.

Dans les méandres de la petite ville texane de Wylie, se déroule l'histoire de Candy Montgomery, une figure centrale de la communauté méthodiste et mère dévouée, qui se transforme en une protagoniste de crime dans la mini-série captivante "Love & Death". La série, produite par le renommé David E. Kelley, explore l'histoire vraie du meurtre brutal de Betty Gore par Candace Montgomery dans les années 1980, un événement qui a choqué et captivé l'Amérique. Elizabeth Olsen, dans le rôle de Candy, offre une performance remarquable, incarnant avec brio une femme au foyer stéréotypique de l'Amérique profonde, dont la vie bascule dans l'horreur. La série dépeint Candy comme une femme apparemment satisfaite, engagée dans sa paroisse et dans sa vie familiale, jusqu'à ce qu'une liaison extraconjugale avec Allan Gore, le mari de sa meilleure amie, entraîne des conséquences tragiques et imprévues. "Love & Death" ne se contente pas de narrer le crime lui-même, mais plonge profondément dans le contexte social et psychologique de l'époque. La série illustre la complexité des relations humaines et les pressions sous-jacentes au sein d'une communauté apparemment pieuse. L'accent est mis sur la dualité des personnages, en particulier sur Candy, dont le masque de bonne humeur cache un profond ennui conjugal et un désir de reconnaissance. La série ne tente pas de percer le mystère du crime, mais plutôt d'explorer la dynamique des personnages impliqués et de leur environnement. Ce choix narratif permet une immersion plus profonde dans l'ambiance de l'époque et dans la psychologie des personnages, notamment dans la relation complexe entre Candy et Betty, interprétée par Lily Rabe. Bien que "Love & Death" ne réinvente pas le genre du true crime, elle se distingue par son attention méticuleuse aux détails et son approche intimiste. La série offre un portrait vivant de la communauté méthodiste et pose un regard critique sur les apparences trompeuses et les secrets dissimulés derrière les façades de la vie quotidienne. "Love & Death" est une série qui marie habilement drame, suspense et étude de caractères. Elle offre une perspective riche et nuancée sur un fait divers qui continue de fasciner, tout en présentant une réflexion profonde sur les thèmes de la moralité, de la famille et du crime. C'est une série incontournable pour les amateurs du genre, promettant de tenir les spectateurs en haleine jusqu'à son dénouement surprenant. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 Love & Death De Lesli Linka Glatter, Clark Johnson Avec Elizabeth Olsen, Jesse Plemons, Lily Rabe, Patrick Fugit, Krysten Ritter, Tom Pelphrey ACTUELLEMENT • Série policière • Etats-Unis • Produite par David E. Kelley • Une série HBO MAX présentée sur CANAL +

Derrière le titre intriguant "Gilles ou Qu’est-ce qu’un Samouraï ?", se cache une célébration de l'art, orchestrée par Margaux Eskenazi. Cette pièce, à la fois intime et sensible, nous plonge dans une conversation fascinante, entrelaçant les réflexions de Gilles Deleuze, François Villon, Shakespeare, ainsi que des images du film "Les Sept Samouraïs" de Kurosawa. Créé à partir d'extraits de la conférence de Gilles Deleuze intitulée « Qu'est-ce que l'acte de création ? », prononcée en 1987 à la Fémis, ce spectacle s'inspire des idées du philosophe publiées dans "Deux régimes de fous et autres textes" aux Éditions de Minuit. Face à la crise sanitaire de 2020, Eskenazi revisite ces concepts, confrontée à une « crise de foi artistique » et en quête d'une nouvelle essence dans l'acte de créer. Elle partage ses interrogations : « J'ai toujours cru que l'acte théâtral était un acte de résistance, un moyen d'exister dans le monde. Or, face à la pandémie mondiale de 2020, je ne trouvais plus de sens à ce geste créatif en tant qu'acte de résistance. C'était comme un abîme insondable. » Nous sommes conviés à une discussion captivante entre la metteuse en scène Margaux Eskenazi et le philosophe, explorant la nature de la création artistique. Eskenazi utilise l'image du jeune samouraï comme symbole de l'artiste en quête de compréhension et de signification, inspirée par les pensées de Gilles Deleuze. Elle présente la pièce comme un périple vers la compréhension, examinant en profondeur l'acte de création et expliquant comment cette métaphore l'a guidée à travers les défis mondiaux et ses propres crises de foi envers son art. L'espace scénique devient ainsi un carrefour entre la conférence de Deleuze, des extraits du film "Les Sept Samouraïs" et le théâtre contemporain. Le spectacle interroge la nature de l'art en tant qu'acte de résistance, s'inspirant de la pensée de Malraux selon laquelle "l'art est la seule chose qui résiste à la mort". Il crée un dialogue transdisciplinaire, mêlant théâtre, cinéma et musique live, pour susciter une réflexion sur le sens de nos engagements personnels et artistiques. Avec son bagage du Conservatoire national supérieur d'Art dramatique de Paris, Margaux Eskenazi enrichit le spectacle de son expertise théâtrale et cinématographique. "Gilles ou Qu’est-ce qu’un Samouraï ?" se présente alors comme un espace de méditation sur la valeur et le pouvoir de l'art, sur son rôle en tant que forme de résistance et sur sa capacité à transcender le temps et la mort. Le décor, imprégné d'éléments en bois et accentué par la présence de Malik Soarès en kimono, jouant de la guitare, crée une atmosphère à la fois intime et contemplative. La performance de Lazare Herson-Macarel en Gilles Deleuze enrichit l'expérience, nous transformant en disciples du philosophe. "Gilles ou Qu’est-ce qu’un Samouraï ?" représente une célébration de la création artistique, alliant intelligence, émotion et profondeur. Cette pièce offre une réflexion sur le rôle de l'art dans notre société et souligne l'importance de continuer à créer, résister et rêver, même dans les moments les plus sombres. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 GILLES OU QU’EST-CE QU’UN SAMOURAÏ ? D’après Gilles Deleuze Conception et mise en scène Margaux Eskenazi Avec Margaux Eskenazi, Lazare Herson-Macarel et le musicien Malik Soarès Dramaturgie Chloé Bonifay, Guillaume Clayssen • Espace Julie Boillot-Savarin • Vidéo Jonathan Martin • Lumières Marine Flores • Costumes Sarah Lazaro Visuel ©Loïc Nys Théâtre de la Tempête Du 8 au 17 décembre 2023 • Du mardi au samedi 20 h 30 dimanche 16 h 30 • Durée 1h10

Le festival Impatience, consacré au théâtre émergent, fête cette année sa 15e édition. Du 8 au 18 décembre 2023, neuf spectacles seront présentés dans cinq lieux prestigieux en Île-de-France, offrant une vitrine à la créativité et à l'engagement de la nouvelle génération théâtrale. Ce festival est devenu un événement incontournable, distinguant les approches innovantes et la curiosité de jeunes artistes audacieux. Ces derniers repoussent les limites de la scène, mêlant divers récits et formes, souvent dans une démarche d'hybridation. Les spectacles abordent des thématiques variées, allant du personnel au politique, souvent en intégrant d'autres disciplines artistiques. Le public est invité à participer activement, notamment en votant pour le Prix du public. Le festival est également marqué par la présence de trois jurys - professionnel, lycéen et SACD - qui décerneront leurs prix respectifs. Pour célébrer son 15e anniversaire, Impatience met également en lumière les lauréats des éditions précédentes. Quatre anciens gagnants présenteront leurs nouveaux projets lors du festival Les Singulières en 2024. Le Beau Monde, récompensé en 2022, sera également à l'affiche. Les récompenses du festival incluent le Prix du Jury, présidé cette année par Éric Ruf, offrant au gagnant une diffusion élargie dans plusieurs théâtres de renom. Le Prix Lycéen, décerné par un groupe de lycéens formés à la critique, et le Prix SACD, récompensant une vision contemporaine du théâtre, soulignent l'engagement du festival à encourager la nouvelle génération de théâtre. Enfin, le calendrier détaillé du festival présente une gamme variée de spectacles, dont La Taiga Court / Bleu Béton, La Fracture, Grand Crié, FORTUNE - Récits de littoral #2 , et bien d'autres, répartis sur divers sites tels que le CENTQUATRE-PARIS, le Théâtre Louis Aragon, et le Jeune Théâtre National, Les Plateaux Sauvages, Theatre 13 / Bibliothèque Avec son mélange d'innovation, de célébration et d'engagement, Impatience 2023 promet d'être un événement mémorable, mettant en avant les talents théâtraux de demain. Calendrier Vendredi 08 décembre CENTQUATRE PARIS 18h30 La Taiga Court / Bleu Béton Théâtre Louis Aragon 20h30 La Fracture Samedi 09 décembre CENTQUATRE PARIS 17h Grand Crié 18h30 La Taiga Court / Bleu Béton Théâtre Louis Aragon 20h30 La Fracture Dimanche 10 décembre CENTQUATRE PARIS 18h Grand Crie Mercredi 13 et jeudi 14 décembre Théâtre 13 / Bibliothèque 18h30 FORTUNE - Récits de littoral #2 CENTQUATRE-PARIS 20h30 Les Septs Colis sans Destination de Nestor Crévelong Vendredi 15 décembre Les Plateaux Sauvages 18h30 Entre ses mains 20h30 En une nuit - Notes pour un spectacle Samedi 16 décembre Les Plateaux Sauvages 18h30 En une nuit - Notes pour un spectacle 20h30 Entre ses mains Dimanche 17 décembre Jeune Théâtre National 14h30 Sirènes 18h30 Sirènes CENTQUATRE PARIS 16h30 ABRI ou les casanier-es de l'apocalypse Lundi 18 décembre Jeune Théâtre National 18h30 Sirenes CENTQUATRE-PARIS 20h30 ABRI ou les casanier-es de l'apocalypse 22h Remise des prix LES LAURÉAT.E.S 2022 Prix du Jury Le Beau Monde Arthur Amard, Rémi Fortin, Simon Gauchet et Blanche Ripoche Prix du Public Sola Gratia Yacine Sif El Islam Prix Lycéen et Prix SACD Koulounisation Salim Djaferi