L’art est libre, éhonté et irresponsable, une maxime chère à Ingmar Bergman, et parfaitement incarnée par Angélica Liddell dans son œuvre "DÄMON : El Funeral de Bergman". Présentée lors de l’ouverture de la 78e édition du Festival d’Avignon, cette pièce sulfureuse de Liddell, née à Figueras, s’inscrit comme le deuxième volet d’une trilogie sur la mort, succédant à "VUDÚ" et précédant "EÓN". Dès les premiers instants, Liddell captive et choque le public de la Cour d’honneur du Palais des papes, une performance à la hauteur de sa réputation punk et outrancière. Décapant, son spectacle n’est pas pour les âmes sensibles. Il provoque, nettoie et bouleverse, tout en restant gravé dans la mémoire. Une Artiste Sans Concession Angélica Liddell est connue pour son intensité démentielle sur scène. Elle n’hésite pas à se laver de manière provocatrice devant 2 000 spectateurs, à insulter les critiques ou à imiter des actes sexuels en pleine représentation. Son théâtre, résolument cathartique, est une purge pour elle-même et pour son public. Liddell explore et expose ses angoisses avec une honnêteté brutale, transformant ses obsessions personnelles en une expérience universelle. Les Démons de Liddell Le titre "DÄMON" évoque les démons, en écho à ceux qu’Ingmar Bergman affrontait dans ses œuvres. Liddell, influencée par le maître suédois, met en scène ses propres peurs : la vieillesse, la solitude, la vanité du sexe, la mort. Elle offre au public des images frappantes de personnes âgées en fauteuil roulant face à des jeunes femmes nues, ou de figures d’hommes-araignées escaladant les murs du Palais des papes. Un Hommage à Bergman Liddell ne s’arrête pas à l’évocation des thèmes bergmaniens. Elle intègre le dramaturge suédois dans une cérémonie funéraire théâtrale. À travers cette mise en scène, elle célèbre et exorcise les démons de Bergman, tout en invoquant sa propre lutte contre la peur de la mort. Cette approche résonne avec le "Songe" de Strindberg, autre influence notable, où les misères humaines sont exposées avec une compassion teintée d’horreur. La Collaboration avec le Dramaten La collaboration avec des comédiens du Théâtre royal de Suède (Dramaten) renforce l’hommage à Bergman. Utilisant des costumes et accessoires de productions bergmaniennes, Liddell transforme la scène en un espace cérémoniel, une église théâtrale où le public devient paroissien. La présence d’acteurs ayant des liens personnels avec Bergman ajoute une dimension de continuité et de mémoire à la performance. Réflexions sur la Mort et la Jeunesse Dans "DÄMON", la juxtaposition de la jeunesse des interprètes avec les thèmes de la vieillesse et de la mort crée un contraste poignant. Liddell exprime une compassion profonde pour la jeunesse confrontée à son avenir incertain. En intégrant des scènes du "Songe" de Strindberg, elle rappelle les préoccupations tragiques de la condition humaine, chères à Bergman. "DÄMON : El Funeral de Bergman" est une expérience cathartique, une réflexion intense sur la vie, la mort et l’art. Angélica Liddell, avec son style provocateur et sa sincérité brutale, offre au Festival d’Avignon une ouverture mémorable, où les spectateurs sont confrontés à leurs propres démons et à la profonde humanité de Bergman. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 DÄMON : El Funeral de Bergman Un spectacle performance de Angélica Liddell Avec Ahimsa, Yuri Ananiev, Nicolas Chevallier, Guillaume Costanza, Electra Hallman, Elin Klinga, Angélica Liddell, Borja López, Sindo Puche, Daniel Richard, Joel Valois et la participation d’Erika Hagberg (habilleuse du Dramaten), David Abad (Multicapacitats) et de figurants Ayena Adjido, Julie Benoit, Francine Billard, Alain Bressand, Paule Coste, Maylis Calvet, Léa Delaporte, Adam Dupuis, Annette Ecckhout, Christian Ecckhout, Bernadette Fredonnet, Marion Gassin, Pierre Hoffmann, Dominique Houdart, Jeanne Houdart- Heuclin, Manon Hugny, Françoise Pellevillain, Gael Maryn, Daphné Lanne, Elisa Morice, Julia Pal, Alain Sperta, Sabino Tatulli, Victor Van Kuijk Saytour, Kenza Vannoni, Coralie Zaninotti et en alternance Timothée Bosc, Odin Darlix, Victor Van Kuijk Saytour et la voix de Jonas Bergström et Laura Meilland (violoncelle)   Festival INN d’Avignon Cours d’honneur du Palais des Papes Jusqu’au 5 juillet 2024 • Durée 2H • DÉCONSEILLÉ AUX MOINS DE 16 ANS Crédit photo Christophe Raynaud de Lage / Festival d'Avignon

Gretel et Hansel est une adaptation du conte des frères Grimm par l’auteur québécoise mondialement connue, Suzanne Lebeau. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 Ici, tout est beau, recherché et réfléchi Aude Ollier, la metteuse en scène a monté un spectacle jeune public, exigeant et intelligent. Une Initiation théâtrale pour enfant, en quelque sorte. Le texte qui n’est pas si facile, est magnifique. Le décor ingénieux est très beau et les comédiens excellents En plus d’être un très bon spectacle. Tous les codes des contes sont parfaitement respectés, les thèmes abordés sont profonds et émouvants et la morale de toutes les péripéties de ces enfants est finalement l’acceptation du petit frère aussi bien dans l´équilibre familial que dans la fratrie. Cette pièce est superbe. C’est un de mes coups de cœur de cette saison. Gretel et Hansel De Suzanne Lebeau Mise en scène Aude Ollier Avec Anthony Legal, Aude Ollier, Hélène Rossignol, Charlenry Tricoire Festival OFF Avignon Théâtre des Corps Saints Du 3 au 21 juillet 2024 • Tous les jours à 10h05 • Spectacle Jeune Public à partir de 5 ans

À en mourir de désir Le désir peut évoqué l’envie… de plaire, d’aimer ou de savoir mais aussi de dominer, d’avilir ou de violenter. Les perversions du désir Dans notre culture, la notion de désir incontrôlable est une idée romanesque bien ancrée et même parfois acceptée ou excusée. Un désir si fort qu’il rendrait l’homme incontrôlable au point qu’il se transforme en bête. Mais de plus en plus souvent, on commence à reconnaitre que les débordements du désir ne sont pas de l’amour mais bien de la violence. On commence à clamer haut et fort qu’un désir qui menace et blesse n’est qu’un désir de possession égoïste et destructeur et non une preuve de passion romantique. Cette affirmation est assez récente bien que présente dans les textes anciens comme dans Les Métamorphoses d’Ovide . Philippe Minyana, ce poète du sensible, cet auteur qui a toujours su manier comme personne l’art du grotesque et du tragique, s'est emparé des personnages de Procné et Philomèle pour en faire une adaptation contemporaine et il le fait « à hauteur d’humain», en s’éloignant du grandiose et de la poésie lyrique du texte d’Ovide. Un jeune roi et sa petite belle-soeur arrivent dans son pays. Avant d’aller rejoindre son épouse au palais, ils feront une halte dans une bergerie. C’est un stratagème. Le jeune Roi veut la petite, mais elle l’ignore. Un désir brûlant qui finira de la plus abjecte des façons. « Tu dis que c’est un havre de paix ? Demande la petite Oh oui Dit le jeune roi C’est un beau bâtiment ? Demande-t-elle encore ? Oh oui Dit-il et il ajoute Viens » EXTRAIT Aujourd’hui, c’est au tour d’un jeune metteur en scène Alexandre Horréard, accompagné de deux jeunes comédiennes Louise Ferry et Clémence Josseau bruiteuses, chanteuses de nous conter cette folle histoire. « Le but de la mise en scène n’était pas de noyer le formalisme de Minyana sous d’autres couches de formalisme, mais de faire entendre la poésie, les mots, et bien sûr le fond. Restituer la violence par le récit. Nous voulions nous servir de la douceur du conte, sans grands cris ni déchaînements pour explorer l’insoutenable » Les deux comédiennes sont les conteuses, à la fois à l'intérieur et en dehors du récit mais également Philomèle et Procné. La parole du roi, la parole de la violence, est donc toujours rapportée par ces deux femmes, ses victimes, la petite et la reine. Elles content avec leur voix timide, mutine ou effrayante et, à l’aide d’un micro, de bruitages et de chants, dans un chuchotement qui peut faire pensée à la méthode ASMR, créent l’ambiance sonore au plateau. Après quelques minutes d'adaptation indispensable à ce type de spectacle très différent, très inhabituel et très créatif, on se laisse complètement porter par ce conte morbide et... presque malicieux. Cet étrange et merveilleux objet théâtral. Avis de Foudart 🅵🅵🅵    La petite dans la forêt profonde Texte Philippe Minyana , publié à l’Arche Editeur Mise en scène Alexandre Horéard Avec Louise Ferry et Clémence Josseau Lumières Alexandre Horréard Crédit / photos Marie Hamel Festival OFF Avignon La Chapelle des Italiens Du 29 juin au 21 juillet à 15h40 • À partir de 14 ans Spectacle vu au Théâtre les Déchargeurs

« Lorsque ma mère entre en salle d’accouchement et commence le travail, il reste 19 minutes. Nous serons champions dans dix-neuf minutes…. Au moment où Petit s’empare du ballon, à la 3ème seconde de la 47ème minute de la seconde mi-temps, On a vu mes pieds. Au moment où il marque, à cette minute ultime, ma mère pousse le cri final… Au moment même où l’Équipe de France est sacrée Championne du Monde ; Je suis venu au monde. » L'auteur Alexandre Cordier et le metteur en scène Barthélémy Fortier se sont associés au comédien Hugo Randrianatoavina pour créer une pièce inspirée de l'histoire de Diego , ainsi que de sa passion pour le théâtre et le football. Hugo Randrianatoavina incarne Diego de l'âge de six ans jusqu'à ses vingt ans, ainsi que tous les autres personnages qu'il rencontre au cours de sa vie. La pièce commence par une vidéo de football et se termine par une autre… Diego est un bel hommage au dieu Maradona qui est devenu au fil des temps et de ses victoires, un modèle et un guide pour des milliers de jeunes à travers le monde. En explorant des thèmes tels que l'identité, la famille, la réussite, la virilité, le libre arbitre… Diego raconte l'histoire d'un jeune homme hanté par les désirs de sa famille. Le père de Diego voit pour son fils un destin similaire à celui de son idole Maradona . Cependant, malgré ses aspirations, Diego peine à trouver sa place sur le terrain, mais finit par réaliser qu'il peut être plus qu'un simple spectateur. La pièce ne se limite pas seulement au football - bien que son pouvoir poétique et unificateur soit indéniable - à Maradona ou au théâtre. Elle évoque les spectres qui nous hantent et qui influencent notre destinée, ainsi que l'histoire universelle de la lutte d'un jeune pour trouver sa place dans le monde. La performance de Randrianatoavina est à la fois athlétique et théâtrale, comme celle d'un attaquant en pleine action, qui court après le destin de son personnage. « À travers une syntaxe parfois brisée, des répétitions ou des balbutiements, j'ai voulu que ce texte soit en lui-même un match », explique Alexandre Cordier . « Le théâtre n'est pas coincé dans l’obligation du réalisme : c’est le lieu des fantômes, et des mémoires » Ce spectacle, loin d'être un simple biopic, est plutôt une performance poétique où plane le fantôme de Diego Maradona. Il s'agit d'une célébration de la vie et de la capacité de chacun à réaliser ses rêves. La pièce Diego offre au public une expérience émouvante et inspirante grâce à ses scènes dynamiques, touchantes et parfois drôles, ainsi qu'à son personnage attachant. Le fait que la pièce associe l'histoire de Diego à la victoire de l'équipe de France de football en Coupe du monde, rappelle de manière poignante les répercussions réelles de la façon dont ce sport peut inspirer et unir les gens. Diego est une pièce qui allie avec brio la passion pour le sport et le théâtre, offrant ainsi une expérience émouvante et inspirante pour les spectateurs. Avis Foudart 🅵🅵🅵 DIEGO Seul en scène sportif Sur une idée originale de Barthélémy Fortier et Hugo Randrianatoavina Écriture ALEXANDRE CORDIER Mis en scène par BARTHÉLÉMY FORTIER Avec HUGO RANDRIANATOAVINA Composition et création musicale EMMANUEL LAGARRIGUE Scénographie TOMMY HAULLARD Création lumière NICOLAS DE CASTRO Création sonore CLÉMENT VALLON Spectacle vu au théâtre Le Cresco Saint-Mandé FESTIVAL OFF AVIGNON La Luna Du 29 Juin au 21 Juillet à 20H05 • Durée 1H10

...Lorsque le théâtre dépasse toutes les attentes. Au cœur de la chaleur estivale d'Avignon, une pièce de théâtre apporte une bouffée de fraîcheur et d'originalité : "Agathe Royale". Catherine Jacob, talentueuse actrice, incarne brillamment le rôle d'Agathe, une grande diva du théâtre. Brice Hillairet, dans le rôle de Quentin, son partenaire, livre une performance sensible en tant que jeune comédien débutant. « Chaque représentation théâtrale est unique, mais celle-ci se démarquera de toutes les autres. » Agathe Royale, une éminente diva du théâtre, se retrouve ce soir face à une série d'imprévus ! Sans filtre et avec un humour cinglant, cette célèbre comédienne dévoilera la face cachée de son monde. Cependant, derrière cette façade comique, se cachent les blessures et les déceptions qui ont marqué sa carrière. Comment abandonner ce que l'on a tant aimé sans souffrir ? Agathe Royale est une pièce au comique décapant qui offre une plongée émouvante dans l'univers intérieur d'une star du théâtre, abolissant la frontière entre sa vie et la nôtre. Catherine Jacob livre une performance époustouflante dans le rôle d'Agathe . Son talent et son énergie se conjuguent parfaitement avec le personnage de cette diva excentrique. Parallèlement, Brice Hillairet (le merveilleux interprète d'Hedwig and the Angry Inch ) apporte toute sa sensibilité pour incarner Quentin . Mais Agathe Royale ne se limite pas à son aspect comique. L'auteur, Jean-Benoît Patricot , propose de belles réflexions sur le théâtre et dresse le portrait d'une actrice complexe, en dépit de sa renommée et de ses succès. Les répliques soigneusement travaillées de Catherine Jacob oscillent entre malice et vulnérabilité, rendant hommage aux grandes comédiennes qui ont marqué l'histoire des planches. L'auteur exploite habilement les caprices des stars pour offrir à Catherine Jacob une mise en abyme vertigineuse qui interroge le sens de son propre travail et sa reconnaissance en tant qu'actrice. Dans un festival regorgeant de propositions, Agathe Royale apporte une légèreté bienvenue. Cette pièce théâtrale est un véritable bijou qui séduit par son authenticité et son originalité. Elle rappelle avec force que le théâtre a le pouvoir de dépasser les attentes et de toucher l'âme du public. Avec des acteurs aussi talentueux que Catherine Jacob et Brice Hillairet, et une mise en scène soignée de Christophe Lidon, Agathe Royale est un chef-d'œuvre à ne surtout pas manquer. Avis Foudart 🅵🅵🅵🅵 AGATHE ROYALE  de Jean-Benoît Patricot   mise en scène de Christophe Lidon avec Catherine Jacob et Brice Hillairet Crédit photo Cyrille VALROFF Festival OFF Avignon Théâtre des Gémeaux Du 29 juin au 21 juillet relâches les mardis à 15h05 • Durée 1h20

Depuis 1982, la danse urbaine a révolutionné les codes de l’art contemporain. Que ce soit à travers le rap, la danse, le graffiti, le DJing, le beatmaking, le beatbox ou encore la mode, les cultures urbaines ont foisonné et influencé le monde entier. C'est dans ce contexte que François Gautret, après son exposition immersive présentée au Musée de la musique – Philharmonie de Paris en 2022, poursuit son exploration de l'univers du hip-hop avec le Hip-Hop 360 Show. Une Frise Chronologique Vivante Un spectacle en trois actes avec plus d’une vingtaine d’artistes de toutes disciplines pour présenter une frise chronologique qui promet d’être décoiffante, retraçant cinquante ans d'histoire du hip-hop. Elle célèbre, au Théâtre du Châtelet, dans le cadre des olympiades culturelles, les grands moments des cultures et sports urbains, depuis les rues du Bronx jusqu'aux Jeux Olympiques. Une Scénographie Immersive Le Hip-Hop 360 Show se distingue par sa scénographie immersive à 360 degrés. Les décors, inspirés de scènes mythiques de films, plongent le public dans les cultures urbaines passées et contemporaines. Cette immersion totale permet aux spectateurs de vivre une expérience unique, au cœur de l'authenticité et de l'évolution du hip-hop. Une Ode à l'Inventivité Le spectacle ne se contente pas de retracer l’histoire du hip-hop, il met également en lumière l’inventivité constante de ce mouvement. À l’écoute des nouvelles formes de création et de diffusion, le hip-hop continue d'innover et de se réinventer. Le Hip-Hop 360 Show est ainsi une ode à cette capacité d'adaptation et à cette créativité sans cesse renouvelée. Le Hip-Hop 360 Show est une célébration de l'impact profond et durable du hip-hop sur la culture mondiale. En transportant le public des rues du Bronx aux scènes des Jeux Olympiques, François Gautret offre une plongée fascinante dans un mouvement qui continue de façonner l'art et la culture contemporains. HIP-HOP 360 SHOW Un spectacle de François Gautret Mise en scène Leïla Sy Artistes Alain Massabova, Andy Mouigni Abdou, Anatole Rahain, Andreas Cetkovic, CJMS, Chris Fargeot, Dj Cut Killer, DJ Fly, Gloria Colston, Haiper, Jesus Gil, Jonathan Mahoto, Junior Bosila Banya, Laurence Sabas, Lamia Barka, Marlone Alvarez, Matthias Dandois, Mohamed Ech Charquaouy, Nabil Hadim, Salomon Asaro, Sando, Sarah Nait Hamoud, Sophie Tracy Montanus, Storm, Taz, Wael, Yasmine Ouadi… Chorégraphie Xavier Plutus, Saïdo Lehlouh , Marion Motin • Scénographie Julien Mairesse • Musique Niko Noki • Créations médias Studio CutBack • Stylisme Rachèle Raoult, Léa Boublil Théâtre du Châtelet Du jeudi 4 au dimanche 21 juillet 2024 • Du mardi au samedi à 20h • Le dimanche de 15h

Un Enfant au Parcours Hors du Commun L'histoire de Courgette, alias Icare, nous emmène dans un voyage émouvant et poignant à travers les yeux d'un enfant de presque 10 ans, dont la vie a été marquée par la souffrance et la résilience. Vivant avec sa mère alcoolique, Courgette se retrouve placé dans un foyer pour enfants après un tragique accident familial. Dans ce nouveau milieu, il rencontre Simon, Ahmed, et la mystérieuse Camille. Là, où le jeu, la musique et la poésie deviennent des éléments essentiels de leur quotidien, ces enfants apprennent à se reconstruire et à recoudre leur cœur ensemble. Les liens humains, la force de l'amitié et la rencontre avec l'autre deviennent des sources d'espoir. Une Adaptation Théâtrale Captivante Adaptée au théâtre par Pamela Ravassard et Garlan Le Martelot, "Autobiographie d’une Courgette" de Gilles Paris offre une perspective unique et touchante sur l'aide sociale à l'enfance. Mais ce n’est pas seulement une très bonne adaptation. Avec une mise en scène renversante et une interprétation virtuose, ce spectacle est une vraie réussite, une pépite ! Pamela Ravassard a découvert l'histoire de Courgette au cinéma avant de dévorer le roman. Pendant le confinement, inspirée par sa fille, elle a lu l'histoire aux enfants, voyant en Courgette une métaphore parfaite pour aborder le thème du confinement et de la résilience humaine. La mise en scène de la pièce, qui place les instruments de musique au cœur de la structure scénique, crée une ambiance immersive et rappelle l'élévation du mythe d'Icare. La Musique Comme Élément Central La musique joue un rôle essentiel dans cette adaptation, où chaque interprète est à la fois musicien et comédien, incarnant les personnages de la vie de Courgette et accompagnant son parcours de résilience. Les acteurs, maniant piano, batterie, guitare et harmonica, intègrent leurs harmonies vocales à leur performance théâtrale. Ils passent habilement d'un instrument à un autre, puis reviennent à des scènes purement théâtrales, ajoutant à l'intensité émotionnelle de la pièce. La qualité vocale des acteurs est impressionnante. Garlan Le Martelot, totalement investi dans le rôle de Courgette, tient la scène avec une intensité remarquable. Vanessa Cailhol, avec son mélange de notes et son jeu d'acteur impeccable, transmet chaleur et réconfort. Les autres artistes ne sont pas en reste : en plus d'incarner leurs personnages principaux, ils jouent également des rôles secondaires avec une agilité remarquable, enchaînant les changements de costumes et de perruques avec fluidité. La scénographie lumineuse et la structure en amphithéâtre renforcent encore l'intensité émotionnelle de la pièce, où les souvenirs et les rêves de Courgette s'entremêlent de manière captivante. Un Spectacle Optimiste et Humain Courgette est plus qu'une simple pièce de théâtre; c'est une réflexion sur la résilience et la capacité humaine à surmonter les épreuves. La pièce aborde des thèmes graves avec délicatesse et humanité, rendant hommage à ceux qui redonnent espoir aux enfants en difficulté. Les acteurs, excellents musiciens, apportent une dimension supplémentaire à la performance, rendant chaque scène encore plus poignante et mémorable. Un Événement Incontournable Courgette est un spectacle tout public qui enchante les petits comme les grands, touchant les cœurs avec sa simplicité et sa profondeur. C'est une célébration de l'espoir, de l'amitié et de la force intérieure. À travers les aventures de Courgette, le public est invité à redécouvrir la vie avec les yeux d'un enfant, plein de curiosité et de résilience. Ne manquez pas cette adaptation théâtrale unique qui promet de captiver et d'inspirer tous ceux qui la verront. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 COURGETTE De Gilles Paris Adaptation Pamela Ravassard et Garlan Le Martelot Mise en scène Pamela Ravassard Avec Vanessa Caillhol, Florian Choquart, Garlan Le Martelot, Lola Roskis Gingembre, Vincent Viotti Lumière Cyril Manetta • Scénographie Anouk Maugein • Son Frédéric Minière • Costumes Hanna Sjödin • Coach vocal Stéphane Corbin • Chorégraphie Johan Nus Crédit photos Fabienne Rappeneau Théâtre Tristan Bernard Du  7 juin au 6 juillet • Mardi 20h/ Mercredi – Jeudi – Vendredi 20h30 / Samedi 17h30 et 20h30 • Durée 1h25 • À partir de 9 ans 7 NOMINATIONS AUX MOLIÈRES 2024 MOLIÈRE DE LA COMÉDIENNE DE THÉÂTRE PUBLIC : VANESSA CAILHOL 3 RÉCOMPENSES AUX TROPHÉES DE LA COMÉDIE MUSICALE

Bienvenue dans l’univers de Muriel, une maman qui jongle entre des montagnes de linge, des baby-sitters insaisissables et des dictées farfelues… en somme, le quotidien de bien des parents ! Mais comment répondre à sa fille qui questionne l’absence d’un père alors qu’elle-même reste sans réponses ? Aujourd'hui, plus d'un quart des familles en France sont monoparentales. Malgré leur nombre, cette réalité reste curieusement absente des discussions publiques. Pourquoi cette situation si commune reste-t-elle dans l’ombre ? Ce paradoxe social a poussé Muriel Habrard à plonger au cœur de son vécu de maman solo pour créer "Single Mother", un spectacle drôle, profond et poétique qui donne voix à ces expériences souvent négligées. « Au départ, l’écriture de ce texte était une échappatoire personnelle, un moyen de fuir la solitude sociale, la précarité financière et le surmenage émotionnel que connaissent de nombreux parents seuls. Rapidement, cette écriture a pris une dimension plus collective. Réalisant que mes expériences résonnaient avec celles de nombreux autres, j’ai été incitée à partager mes récits au-delà de l’intime. » - Muriel Habrard Une Fresque Émotionnelle et Un Lien Intime avec Le Public "Single Mother" offre une parole sincère, souvent drôle et parfois mordante, mettant en lumière les complexités et les paradoxes de la parentalité isolée et du couple féminin. La pièce aborde des thèmes rarement explorés au théâtre, tels que les familles monoparentales et homosexuelles, apportant un éclairage nouveau et des perspectives positives sur ces sujets. Muriel Habrard signe un texte percutant, tiré de son expérience personnelle mais offrant une réflexion universelle sur la condition des parents isolés. Son approche distanciée et poétique nous permet de nous identifier facilement à son récit. À travers des situations délicates parfois décrites avec une ironie mordante, cette œuvre théâtrale se veut un miroir de la vie. "Single Mother", un manifeste qui s’adresse à tous, nous conquiert par sa poésie et son réalisme. Il dépeint avec subtilité et humour la vie quotidienne d’une mère célibataire, traitant également de l’abandon et de l’amour au sein du couple féminin. Le Tourbillon de la Vie : Entre Rires et Larmes Avec une mise en scène énergique, rythmée par la musique et la danse, le spectacle montre comment ne pas se laisser submerger par le tourbillon de la vie quotidienne. Les décors physiques, les vidéos et les interactions musicales symbolisent les défis quotidiens, chaque élément révélant sa signification au fil de la pièce. La performance de Muriel Habrard est expressive et énergique, alternant entre rires et larmes. La mise en scène, mêlant chorégraphies et une touche d’humour salvateur, est à saluer pour sa sensibilité et son efficacité à transmettre les épreuves de la vie. Ce spectacle, recommandé pour sa simplicité et son émotion, éclaire brillamment la trajectoire des familles monoparentales, offrant une vision nouvelle et touchante de leur quotidien. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 SINGLE MOTHER Un spectacle de Muriel Habrard Mis en scène Ninon Brétécher Avec Muriel Habrard Lumière Stéphanie Daniel • Musique Mia Delmaë • Chorégraphie Viola Chiarini Festival OFF Avignon 3 S Théâtre Du 30 juin au 21 juillet 2024 à 13h20 • Relâche les 1, 8, 15 juillet • Durée 1h05

Hong Kong, 23h34. Dans une chambre d’hôtel de luxe immaculée de blanc, évoquant un vaisseau spatial ou un bloc opératoire, un homme interprété par le talentueux Jacques Weber, tout de noir vêtu mais blême comme un linge, s'apprête à livrer son ultime chant d'amour avant de mourir. Il incarne cet homme puissant, anéanti par le chagrin, ayant perdu le goût de vivre depuis la disparition de son être cher. Sa voix d’acier devient douce et fragile, nous murmurant des fragments de sa mémoire, tissés de joies et de peines. Une Écriture Délicate et Sincère Pascal Rambert, explore les thèmes de l'amour éternel, de la perte et du deuil. Il a écrit pour Jacques Weber un rôle sur mesure, un monologue poignant et une déclaration d'amour au-delà de la mort où chaque geste et chaque mot sont une préparation minutieuse à une fin choisie. De façon métaphorique, l’homme range méticuleusement ses souvenirs, ses sentiments et ses amours, jette son prix littéraire à la poubelle, avale des médicaments et boit de l'alcool avant de partir. Mais juste avant, ce colosse se fait tendre et malicieux, esquissant une danse entre la vie et la mort. Une danse d’un charme fou, mêlant lascivité et désespoir, sensualité et douleur. L'Interprétation de Weber : Entre Deux Mondes L'interprétation de Jacques Weber est criante de vérité, riche en nuances émotionnelles. Il passe de la douleur à l'espièglerie, de la sagesse à l'enfance, créant un personnage à la fois vulnérable et puissant. Entre le comédien et son rôle, la frontière s'efface, laissant place à une performance bouleversante de profondeur et d'humanité. "Ranger" émeut par sa mélancolie, son humanité et l'interprétation magistrale de Jacques Weber. Pascal Rambert signe ici une œuvre sublime, à la fois intime et universelle, où l'amour et le langage se rencontrent pour offrir une réflexion profonde sur la vie, la mort et ce qui les relie. En ce sens, "Ranger" est bien plus qu'un spectacle : c'est un chant d'amour sublime, un testament théâtral vibrant de vérité et de sensibilité. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 RANGER Texte, mise en scène et scénographie Pascal Rambert Avec Jacques Weber Création lumières Yves Godin Costumes Anaïs Romand Crédit photo ©Louise Quignon THÉÂTRE DES BOUFFES PARISIENS DU 31 mai au 29 juin 2024 • Du mardi au samedi 20h, dimanche 15h • Relâche le 11 juin • Durée 1h15

Publié en 2006, King Kong Théorie de Virginie Despentes s'est imposé comme un essai autobiographique fondateur, remettant en question les stéréotypes de la féminité dans notre culture. À travers son expérience personnelle, notamment le traumatisme de son viol à l'adolescence, Despentes aborde la sexualité, la prostitution et la pornographie avec une perspective radicale et iconoclaste. Son témoignage puissant interroge l'évolution vers une société plus tolérante et juste, explorant la condition des femmes et des hommes dans un monde post-révolution sexuelle. Mise en scène par Vanessa Larré Vanessa Larré a choisi d'adapter ce texte dense pour la scène, offrant une mise en scène incisive et vivante. Interprétée par trois comédiennes, la pièce donne vie aux mots de Despentes, créant une dynamique polyphonique qui nous engage de manière directe et sans fard. À travers sa note d’intention, Larré souligne l'importance de cette adaptation théâtrale comme un acte politique et subversif. Elle évoque la nécessité de donner une voix à ces paroles libératrices et urgentes dans un contexte où les libertés semblent reculer. La pièce devient ainsi un manifeste pour un féminisme humaniste, appelant à une réinvention de la condition féminine et à une révolution des rapports de pouvoir. Une Scénographie Intelligente et Énergique La mise en scène de Larré se distingue par son inventivité et son énergie. Utilisant des accessoires, des vidéos en direct et une scénographie millimétrée, le spectacle parvient à captiver et interpeller sans jamais tomber dans la vulgarité ou la provocation gratuite. Un Trio de Comédiennes Exceptionnelles Anne Azoulay, Marie Denarnaud et Valérie de Dietrich incarnent avec brio la pensée percutante de Despentes. Leur performance est à saluer pour son intensité et son engagement, faisant passer la brutalité et la crudité du texte avec une certaine classe et un humour souvent mordant. King Kong Théorie est une expérience théâtrale rare et précieuse. La force du texte de Despentes, combinée à la mise en scène audacieuse de Larré et à l'interprétation vibrante des comédiennes, fait de cette pièce un moment de théâtre intense et nécessaire. Ce spectacle est un appel à la révolution, à une prise de conscience collective pour un monde plus juste et égalitaire, où la parole des femmes et des opprimés trouve enfin sa place. C'est un tour de force intellectuel et esthétique à ne pas manquer. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 KING KONG THÉORIE Texte Virginie Despentes Adaptation Valérie de Dietrich et Vanessa Larré Mise en scène Vanessa Larré Avec Anne Azoulay, Valérie de Dietrich, Marie Denarnaud Son - Musique live Stan Bruno Vallette Scénographie - Lumière Laïs Foulc Vidéo Christian Archambeau Costumes Ariane Viallet THÉÂTRE SILVIA MONFORT Du 04 au 15 juin 2024 • Du mardi au vendredi à 20h, le samedi à 18h • Durée 1h15 • Déconseillé aux moins de 16 ans

Durant tout le mois de juin, le Mois Molière investit, entre autres, la cour des grandes écuries de Versailles, transformée en un théâtre éphémère pour accueillir "Le Souper" de Jean-Claude Brisville, porté par Daniel et William Mesguich. Ce face-à-face historique entre deux brillants manipulateurs politiques du XIXe siècle, Talleyrand et Fouché, est magnifiquement incarné par ce duo père-fils, offrant une performance captivante qui nous plonge au cœur des intrigues politiques post-napoléoniennes. Une Mise en Scène Exquise Daniel Mesguich, dans le rôle de Talleyrand, et son fils William, dans celui de Fouché, parviennent à capturer l’essence de ces personnages historiques avec une précision remarquable. La cour de la grande écurie de Versailles sert de cadre parfait pour cette rencontre dramatique, ajoutant une dimension presque tangible à cette reconstitution historique. Si proches des comédiens, nous avons l'impression d'être invités à ce souper décisif, partageant la table et les confidences de ces deux hommes d'État. Un Texte aux Résonances Politiques Singulières L’écriture de Jean-Claude Brisville, serrée et élégante, brille par sa capacité à recréer le style de l’époque, tout en injectant une dose de modernité dans les dialogues. Le texte est un triomphe de la langue française, chaque réplique est ciselée avec soin, ajoutant à la tension dramatique de la pièce. Le défi est de taille : Talleyrand et Fouché doivent, en deux heures, s'accorder pour établir un nouveau régime pour la France, tandis que le peuple gronde à leurs portes. Un Huis-Clos Cruel et Fascinant La pièce se déroule en juillet 1815, après la défaite de Waterloo et l'exil de Napoléon. Le Duc de Wellington et les troupes coalisées sont à Paris, et il est impératif de décider qui gouvernera la France. Talleyrand, surnommé "l'évêque apostat", souhaite restaurer la monarchie des Bourbons, tandis que Fouché, le "féodal régicide", milite pour une république. Ce duel verbal est un huis-clos cruel, où chaque mot, chaque silence est lourd de sens. Les deux comédiens rivalisent de talent, peaufinant chaque intonation pour mettre en avant la richesse de la langue du XIXe siècle. Une Réflexion Éternelle sur le Pouvoir Daniel Mesguich a voulu mettre en lumière la dimension politique de la pièce, révélant le caractère intrinsèquement opportuniste et illégal de la politique, montrant que toute constitution commence par des discussions secrètes entre quelques individus influents. Cette réflexion trouve un écho universel et intemporel, soulignant que les décisions politiques naissent souvent dans l'ombre, loin des principes légaux ou sacrés. William Mesguich, quant à lui, décrit "Le Souper" comme un duel rhétorique de haut niveau, explorant les thèmes de la restauration monarchique contre la marche vers une république. La pièce est un joyau d’éloquence et d’esthétisme, offrant une réflexion profonde sur la nature du pouvoir et de la politique. Un Chef-d'œuvre Intemporel "Le Souper" est bien plus qu'une reconstitution historique. C'est un miroir de nos propres consciences, où chaque spectateur peut se voir tour à tour dans les personnages de Talleyrand et de Fouché. La performance de Daniel et William Mesguich transcende la simple représentation théâtrale, pour devenir un véritable régal intellectuel et esthétique. Le public est invité à une réflexion sur les coulisses du pouvoir, toujours aussi pertinentes aujourd'hui qu'en 1815. "Le Souper" de Jean-Claude Brisville, par son dialogue magistral et ses résonances politiques, reste une œuvre captivante qui continue de fasciner et de régaler le public. Les Mesguich, par leur complicité et leur talent, offrent une interprétation mémorable de ce duel historique, faisant de cette pièce un incontournable du théâtre français. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 LE SOUPER De Jean-Claude BRISVILLE Mise en scène Daniel et William MESGUICH Avec Daniel MESGUICH - Talleyrand William MESGUICH - Fouché Costumes Dominique Louis Copyright Juliette Glaesener / Ville de Versailles Le Mois Molière Représentation exceptionnelle, le 4 juin à 20h30 THÉÂTRE DES GEMEAUX PARISIENS À partir du lundi 30 septembre. Tous les lundis à 19h

15, rue du Retrait 75020 PARIS Cette année, la rentrée théâtrale s’annonce exceptionnelle avec l'ouverture d'un nouvel espace culturel au cœur de Paris. Le Théâtre de Ménilmontant, profondément enraciné dans l’histoire artistique de son quartier, subit une transformation majeure en 2023 et 2024 sous la nouvelle direction de Serge Paumier et Nathalie Lucas. Ce duo passionné, tous deux nés sous le signe des Gémeaux, a rebaptisé ce lieu historique en Théâtre des Gémeaux Parisiens, marquant ainsi le début d'une nouvelle ère. Un Héritage Artistique Riche Le Théâtre de Ménilmontant a été traversé par des générations d’artistes emblématiques, tels qu'Édith Piaf, Maurice Chevalier et Laurent Terzieff. Ce riche héritage artistique confère au lieu une aura particulière que Serge Paumier et Nathalie Lucas souhaitent préserver tout en y apportant une touche de modernité. Leur objectif est de créer un espace de création éclectique et exigeant, fidèle à l'esprit de ses prédécesseurs. Une Transformation Ambitieuse Après des travaux de rénovation et de mises aux normes significatifs, le Théâtre des Gémeaux Parisiens se présente comme le frère jumeau presque identique du Théâtre des Gémeaux à Avignon. Les directeurs envisagent de bâtir deux salles jumelles, créant ainsi un lien artistique entre Paris et Avignon, deux villes emblématiques de la scène théâtrale française. Un Lieu de Vie et de Création Serge Paumier et Nathalie Lucas ont pour ambition de faire du Théâtre des Gémeaux Parisiens un lieu de vie chaleureux pour les habitants du XXème arrondissement, mais aussi pour l’ensemble des Parisiens. Ils souhaitent attirer un nouveau public au théâtre, en offrant des spectacles de qualité, accessibles et diversifiés. Leur programmation éclectique vise à enrichir la dynamique culturelle locale et à contribuer au développement économique des commerces environnants. Une Dynamique Culturelle Enrichissante La mission du Théâtre des Gémeaux Parisiens est de créer une vitalité culturelle enrichissante pour tous. En attirant de nouveaux spectateurs, ce lieu espère devenir un pilier de la vie culturelle parisienne, tout en générant des retombées économiques positives pour le quartier. La vision de Serge Paumier et Nathalie Lucas est de faire du théâtre un espace de rencontre et de partage, où l'excellence artistique se mêle à la convivialité. La naissance du Théâtre des Gémeaux Parisiens marque une étape importante pour la scène théâtrale parisienne. Avec une direction passionnée et une ambition claire, ce théâtre rénové est prêt à devenir un lieu incontournable de la création artistique et de la vie culturelle du XXème arrondissement et au-delà. Le rendez-vous est pris pour découvrir cette nouvelle pépite du théâtre parisien.