Dans le paysage foisonnant du théâtre parisien, la pièce "Révélation…S !" émerge comme une pépite inattendue, offrant une expérience théâtrale riche en surprises et divertissements. Située au cœur d'une famille bourgeoise parisienne, cette comédie moderne captive par ses rebondissements inattendus et son humour pétillant. L'histoire suit Alice, une jeune avocate internationale talentueuse, qui réunit ses parents, Marie et Charles, et son frère Sébastien, dans leur luxueux appartement parisien. Elle doit faire une annonce capitale, une révélation qui va chambouler l'équilibre familial. La famille, loin d'imaginer ce qui l'attend, est abasourdie par sa déclaration, ouvrant la voie à une cascade de confessions toutes plus étonnantes les unes que les autres. Ce qui rend cette pièce particulièrement attachante, c'est la manière dont elle dépeint chacun des personnages, révélant les facettes cachées de cette famille apparemment conventionnelle. Les révélations s'enchaînent, extravagantes et surprenantes, portées par une écriture précise et un jeu d'acteurs subtil et maîtrisé. Leur performance, équilibrée et sans excès, devient un autre atout majeur de la pièce. Le duo Russo et Genest, en vedette, séduit le public avec leurs performances nuancées et émotionnellement riches. Leur alchimie scénique, combinée à celle des deux jeunes acteurs, forge un équilibre idéal entre humour et scènes plus graves. Edouard Collin, en particulier, excelle par son interprétation authentique de son personnage. Cette comédie est une montagne russe émotionnelle, mêlant rires, réflexions sur les relations familiales et secrets bien gardés. Chaque rebondissement, chaque twist est accueilli par de grands éclats de rire, preuve de la capacité du scénario à étonner et amuser, à surprendre et divertir. "Révélation…S !", c'est une exploration rafraîchissante des dynamiques familiales, présentée avec finesse et humour. Une expérience théâtrale vivement recommandée, parfaite pour une soirée de détente et de rires. Un spectacle à voir et à revoir, idéal pour partager un bon moment entre amis ou en famille. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 REVELATION…S ! Une COMÉDIE de Jean-Eric Bielle Mise en scène Arnaud Lemort Avec Daniel Russo, Messaline Paillet, Véronique Genest, Edouard Colin Décors Jean-Michel Adam Lumières Philippe Sazerat Crédit photo Steve BOUTEILLER THÉÂTRE DE PASSY À partir du 21 novembre 2023 • Du mardi au samedi à 21h • La samedi à 16h

"Kokomo City", le premier long métrage documentaire de D. Smith, se présente comme un travail audacieux et sans compromis qui se plonge dans l'univers des femmes noires transgenres. Ce film, porté par le regard de D. Smith, elle-même une femme transgenre noire issue du monde des vidéoclips, explore avec authenticité et courage l'intimité et les défis quotidiens de quatre jeunes femmes transgenres, qui sont aussi travailleuses du sexe. La narration se distingue par son approche décomplexée, mêlant humour et lucidité pour aborder des sujets tels que le sexe, les relations femmes/hommes, le racisme, les enjeux de la communauté noire et les questions de transidentité. Le film, enrichi d’un habillage visuel et sonore pop, reflète les luttes et triomphes de ses protagonistes. Les témoignages variés, de Daniella du Queens à la regrettée Koko Da Doll d’Atlanta, révèlent un éventail émotionnel large, oscillant entre vulnérabilité et fierté. Ces histoires agissent comme un cri contre les injustices sociales, le machisme, et une culture parfois trop conservatrice. D. Smith, dans sa réalisation, crée une symbiose entre le documentaire et l'expérimentation, capturant l'essence des femmes avec une honnêteté brute, et les présentant dans leur extravagance et leur résilience. L'utilisation de contre-plongées donne un sentiment de grandeur. Le film inclut aussi des interviews d'hommes qui, face à la caméra de Smith, montrent une vulnérabilité souvent plus retenue que celle des femmes transgenres, reconnaissant leurs torts. "Kokomo City" se révèle être une œuvre nécessaire dans un contexte de montée des phobies et de l'intolérance. Ce n'est pas seulement un film, mais un outil de sensibilisation et de changement social, rappelant qu'il reste encore beaucoup à faire pour l'inclusion et la compréhension des réalités transgenres, surtout au sein de la communauté noire. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 KOMOKO CITY Un film documentaire de D. Smith Sortie en salle, le 6 Décembre 2023 • États-Unis • 2022 • Durée 1h13 • GRAND PRIX DOCUMENTAIRE - FESTIVAL CHÉRIES CHÉRIS

Après Héritiers, la pièce magnifique de Nasser Djemaï en 2019, l’auteur, metteur en scène et directeur du Théâtre des Quartiers d’Ivry, qui a toujours si bien écrit sur les liens familiaux nous propose sa nouvelle et septième création. Une pièce qui parle de vieillesse, d’amitié et de lien avec une dimension particulièrement onirique. Les gardiennes se sont trois femmes âgées qui entourent leur amie et ancienne collègue d’usine Rose. Elle a perdu la mobilité et la parole. Une organisation bien huilée qui fonctionne à merveille… jusqu’au jour ou Victoria, la fille de Rose débarque pour quelques jours avec son pragmatisme. Une lutte s’engage alors. La pièce commence comme une jolie chronique sur les années qui passent et la vieillesse, avec son lot de confidences émouvantes et une certaine forme d’incompréhension « générationelle ». « Vous êtes comme le noeud du tisserand. Plus on tire dessus, plus il se consolide et devient incassable ». EXTRAIT Comme le nœud familial, le lien de l’amitié ne peut se défaire. Alors il faudra que chacune évolue pour tisser de nouveaux desseins dans le réel mais aussi dans l’imaginaire. Le fantastique s’invite La pièce prend alors des allures de fable fantastique « Je voudrais plonger le spectateur dans un univers singulier, celui d’un temps élastique, un espace à part, avec ses règles, ses rites, son atmosphère et sa propre réalité » et les gardiennes deviennent de bonnes fées ou des sorcières de Salem. Elles jouent, elles rient, elles sont facétieuses, sombres et profondes à la fois. « C’est une façon pour moi de tordre le réel, de m’introduire dans la tête de mes personnages, de matérialiser la folie qu’ils ont en eux ». Nasser Djemaï Entre sourire enchanteur et chaudes larmes Cette pièce déjà remarquable qui dépeint si bien les liens amicaux et familiaux de ses femmes vieillissantes prend aussi des allures fantastiques et se déploie magistralement dans une sorte de ballet loufoque d'une beauté visuelle "à couper le souffle". Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 Les Gardiennes Texte et mise en scène Nasser Djemaï Avec Coco Felgeirolles, Martine Harmel, Sophie Rodrigues, Chantal Trichet et Claire Aveline Dramaturgie Marilyn Mattéï Regard extérieur Mariette Navarro Photo © Luc Jennepin THÉÂTRE DES QUARTIERS D’IVRY Centre dramatique national du Val-de-Marne Du 12 au 16 décembre 2023 • Du mardi au vendredi à 20h • Le samedi à 18h • Durée 1h45 • à partir de 14 ans

Le terme "Deus ex machina", d'origine latine, désignait initialement une technique théâtrale où un dieu, introduit par une machinerie telle qu'une grue, résolvait soudainement des dilemmes scénaristiques complexes. Dans son spectacle "Ex Machina", Carole Thibaut réinterprète et détourne cette idée pour aborder la domination patriarcale, qu'elle considère comme une empreinte indélébile, semblable à une plaque de fer rouillée sur l'âme, source d'inégalités et responsable de la création de "monstres" dès la naissance. Puisant dans ses expériences personnelles au sein d'une famille traditionnelle et dans sa carrière artistique, y compris en tant que directrice d'institution, elle entrelace le personnel et le politique, le réel et le poétique, tout en questionnant les notions de genre et de pouvoir. "Ex Machina" est également une continuation de ses œuvres antérieures comme "Longwy Texas" et "Fantaisies", approfondissant l'exploration de ces thèmes complexes. Reconnue pour son engagement envers l'égalité des sexes, Thibaut utilise donc son art pour défier la domination masculine et célébrer l'émancipation. Son œuvre, 'Ex Machina', illustre ici sa quête pour trouver sa propre voix dans un monde inégalitaire et offre une exploration profonde et bouleversante de l'oppression patriarcale, du genre et de la domination masculine. Un kaléidoscope de formes d'expression, mêlant théâtre, danse, musique, arts numériques, conférence, stand-up, récit et cérémonie 'Ex Machina' semble débuter comme un cabaret mais se métamorphose rapidement en un spectacle captivant et déstabilisant. Il se distingue par une scène riche en symbolismes, dominée par une baignoire chromée et un immense rideau rouge, évoquant le sang et les habits d'apparat. Sur le corps à demi-nu de l'actrice, des images sont projetées, tandis que sa voix se transforme sous l'effet de filtres vocaux. La musique, d'abord discrète, devient progressivement un élément clé de la narration. Un moment dramatique survient lorsque le rideau se décroche partiellement, dévoilant un fond anthracite où se succèdent vidéos et photos. Le spectacle, commençant par une représentation stéréotypée de la féminité, bascule alors vers des performances plus abstraites, radicales, authentiques et rythmées. Au-delà de sa carrière de directrice du Théâtre des Îlets, Carole Thibaut a créé des liens entre l'art et les communautés locales. "Ex Machina" reflète cette richesse d'expériences, offrant des réflexions profondément personnelles mais qui résonnent universellement quand elle parle de l'oppression patriarcale. "Ex Machina", un spectacle audacieux et éblouissant Un spectacle qui fusionne l'intime et l'universel, remettant en question les normes et les structures de pouvoir. Dans une démarche puissante et directe, Thibaut se dresse contre la domination masculine avec ce solo captivant et, peut-être, sans même s’en rendre compte, elle rend un hommage vibrant à ceux qui luttent contre l'oppression. Sa prestation unique alliant stand-up, drame et même cabaret, offre une expérience riche et variée. Bien que parfois fragmenté en thèmes et formes, le spectacle est unifié par la passion, le sens du spectacle et l'énergie contagieuse de Carole Thibaut, captivant l'audience dans sa quête de liberté et d'égalité. Un spectacle unique qui ne ressemble à aucun autre et qu’il faut voir absolument ! Avis de Foudart 🅵🅵🅵 EX MACHINA Texte, mise en scène et jeu Carole Thibaut Création lumière Yoann Tivoli • Création sonore Karine Dumont • Création vidéo Benoît Lahoz • Création costumes Malaury Flamand • Crédit photo © Héloïse Faure Les Plateaux sauvages Du 27 novembre 2023  au 2 décembre 2023  • Du lundi au vendredi à 20h • Le samedi à 18h • Durée 1h15 • À partir de 15 ans Tournée 23/24 TNP de Villeubanne – CDN • Du 30 janvier au 3 février 2024

À l'approche des fêtes de fin d'année, le Royal Ballet apporte une touche de magie avec son spectacle préféré, "Casse-Noisette", retransmis en direct au cinéma le mardi 12 décembre 2023. Cette production enchanteresse, créée par Peter Wright pour le Royal Ballet en 1984, a su conquérir les cœurs du monde entier et devenir une tradition familiale incontournable pour Noël. L'adaptation de Peter Wright est reconnue pour son respect du scénario original de Marius Petipa et d'E.T.A. Hoffman, tout en apportant une fraîcheur unique. Julia Trevelyan Oman, avec ses décors époustouflants, et Mark Henderson, le concepteur-éclairagiste, contribuent à créer un univers féérique inoubliable. La musique emblématique de Tchaïkovski est dirigée avec brio par le chef d'orchestre Andrew Litton. Le spectateur est transporté dans un monde où la musique et la danse s'unissent pour raconter une histoire fascinante : celle de Clara, interprétée par Sophie Allnatt, qui, accompagnée de son Casse-Noisette enchanté, Leo Dixon, se lance dans une aventure merveilleuse la veille de Noël. Ils affronteront le Roi des Souris et voyageront au Royaume des Friandises, où ils rencontreront la Fée Dragée et son prince, joués par les étoiles du ballet, Anna Rose O'Sullivan et Marcelino Sambé. La chorégraphie époustouflante, imaginée par Peter Wright d'après Lev Ivanov, promet de captiver le public. Cette diffusion en direct dans environ 950 cinémas à travers 22 pays offre une occasion exceptionnelle de vivre cette expérience joyeuse sur grand écran.Le spectacle, d'une durée de 170 minutes avec entracte, est une invitation à plonger dans un conte de fées où la magie de Noël et l'art exquis de la danse classique se rencontrent. "Casse-Noisette" du Royal Ballet, un événement à ne pas manquer, promet d'être un spectacle envoûtant qui émerveillera les spectateurs de tous âges. En direct depuis le Royal Opera House de Londres, cette production offre une célébration spectaculaire de la saison festive, alliant tradition et innovation pour créer une expérience inoubliable. CASSE NOISETTE ROYAL OPERA HOUSE SAISON CINEMA LIVE 2023 /2024 En direct au cinéma, le 12 décembre 2023 Plus d'infos Trouvez votre cinéma

Il était une fois, dans une maisonnette isolée au cœur d'une forêt lointaine, une petite fille qui s'ennuyait profondément, délaissée par sa mère trop occupée. Poussée par son désir de liberté, elle décida un jour de confectionner un gâteau pour sa grand-mère, vivant de l'autre côté de la forêt. « Promenons-nous dans les bois, pendant que le loup n’y est pas ». Pourtant, le loup, menaçant, est bien là. Il rôde, aux aguets dans le bois. Un voyage initiatique Ce récit explore la relation complexe entre une mère débordée et sa fille en quête d'attention, et où le loup, symbole des dangers qui guettent en dehors de la sécurité du foyer familial, représente l'inconnu, ainsi que l'excitation liée à la désobéissance et à la transgression. Une exploration poétique des interdits, du désir d'évasion " Elle aperçut aussi deux grands yeux qui avaient l'air d'observer dans sa direction. Elle pensa qu'elle n'avait jamais rien vu d'aussi beau et elle eut tout de suite envie de s'approcher. Ce n'était pas une chose ordinaire qu'elle avait devant elle. C'était même vraiment une très belle chose cette chose qu'elle avait devant elle. La petite fille pensa qu'elle en avait peur, c'est vrai, mais que cette chose ne ressemblait en rien à la bête monstrueuse qu'elle s'attendait à rencontrer dans les bois, comme le lui avait prédit sa maman, au contraire." - Extrait Dans son adaptation qui reste très fidèle à l'esprit du conte, "Le Petit Chaperon Rouge", Joël Pommerat dépasse la notion de spectacle pour enfants et s'adresse à toutes les générations. En explorant l'art de la narration et du théâtre, il confère à son œuvre une dimension plus profonde et universelle, où la lumière façonne l'espace et où le silence est aussi significatif que les mots. Une œuvre captivante et moderne Le loup devient une créature fascinante et désir d'indépendance, inhérent à l'enfance, se mêle à la peur, dans un mélange déroutant de contradictions. Les comédiennes Nina Ballester et Nina Cruveiller, au-delà d'une simple interprétation, transcendent les conventions du conte. Elles représentent une célébration de la féminité, une force guerrière et résiliente face à un monde masculin et rude, et transforment cette histoire familière en un magnifique spectacle visuel et théâtral. Il n'est donc pas étonnant que cette pièce, créée en 2004, continue de tourner et de captiver le public, en France et à l'international. Un « écrivain de spectacles » Le théâtre de Pommerat, bien plus qu'un divertissement, se fait espace de réflexion et de dialogue avec nos propres vécus et expériences. Ce spectacle ne se contente pas de divertir ; il interroge, émeut et inspire, témoignant ainsi du pouvoir du théâtre de réimaginer et de revitaliser les contes traditionnels. Il nous rappelle avec force que le théâtre est un lieu privilégié où les récits anciens peuvent être réinventés, acquérir une nouvelle dimension, continuer à fasciner et à éclairer, tout en résonnant avec éloquence auprès des spectateurs d'aujourd'hui. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 LE PETIT CHAPERON ROUGE Auteur Joël Pommerat Mise en scène et interprétation Nina Ballester, Nina Cruveiller Collaboration artistique Barthélémy Fortier Scénographie Lola Seiler • Composition musicale Edouard Demanche • Chorégraphie Léa Souleille • Création lumière Pierre Peyronnet, Nicolas de Castro • Crédit photo Jean Pierre Bozon Théâtre de la Huchette Du 6 novembre au 4 décembre 2023 • Le samedi à 16h • Le lundi à 19h

Nicolas Le Bricquir, un jeune talent du monde du théâtre, nous présente son spectacle "Denali", une œuvre captivante qui a brillamment remporté le prix du public au Prix Théâtre 13 / Jeunes metteurs en scène en 2021. Cette pièce, dont la maquette avait déjà suscité un intérêt considérable, mérite aujourd'hui une vraie attention de la part des amateurs de théâtre. Depuis 2019, Le Bricquir se consacre à la création de 'Denali', un thriller policier inspiré d'une histoire vraie, à la fois effrayante et captivante. Cette pièce explore le désarroi de la jeunesse contemporaine, mêlant habilement horreur et suspense pour offrir une expérience théâtral immersive et troublante. À travers 'Denali', Le Bricquir cherche à éveiller l'empathie pour ses personnages attachants et complexes, tout en évitant de juger ou de moraliser sur l'usage des réseaux sociaux. 'Denali' raconte la tragique histoire de Cynthia Hoffman, une jeune fille de 19 ans retrouvée morte, ligotée et bâillonnée dans la rivière Eklutna en Alaska. Les deux dernières personnes à l'avoir vue vivante sont les adolescents Denali Brehmer et Kayden McIntosh. Au fil de l'enquête, ils se révèlent être des figures centrales ambiguës, tour à tour victimes et coupables. « Leur objectif : être riches et célèbres, car c'est cela, selon eux, réussir à tout prix. Jusqu'à commettre l'irréparable ! » Dans sa note de mise en scène, Le Bricquir révèle sa fascination pour les dilemmes moraux, les questions de conditionnement et de libre arbitre. Il souhaite confronter les spectateurs à ces thèmes, utilisant l'histoire pour éveiller empathie et malaise. Le spectacle, composé de trois épisodes et reprenant tous les codes des séries télévisées comme "True Detective", se distingue par une scénographie captivante, des jeux de lumière subtils et une bande sonore envoûtante. Ces éléments sont soigneusement orchestrés pour intensifier l'atmosphère d'un thriller policier. La lumière, utilisée avec ingéniosité, sculpte l'espace scénique, nous guidant à travers les lieux emblématiques de l'intrigue. La musique, jouée en direct, renforce la tension dramatique, offrant une expérience immersive. Influencés par ces récits, les jeunes personnages se voient comme les héros tragiques de leur propre série d'action. "Denali" se démarque par son originalité et sa puissance narrative, captivant le spectateur du début à la fin avec son intensité et ses rebondissements imprévisibles. Grâce à une mise en scène innovante, cette expérience théâtrale se révèle unique, attirant non seulement les amateurs de théâtre traditionnel, mais aussi un public plus jeune, généralement plus enclin à se tourner vers les médias numériques. "Denali" est bien plus qu'un spectacle ; c'est une réflexion profonde sur les dangers et les illusions du monde numérique, portée par une mise en scène ingénieuse et des performances captivantes. Ce spectacle est une exploration audacieuse de la condition humaine moderne, offrant une expérience théâtrale inoubliable qui restera gravée dans les mémoires. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 DENALI Lauréat du Prix du public 2021 Concours jeunes metteurs en scène / théâtre 13 Un spectacle créé et mise en scène par Nicolas LE BRICQUIR Avec Lucie BRUNET, Caroline FOUILHOUX, Lou GUYOT, Jeremy LEWIN, Lauriane MITCHELL, Guillaume RAVOIRE ou en alternance Edouard ETFIMAKIS, Anouk VILLEMIN et Charlotte LEVY Photographies Dimitri Klockenbring et © Louise Guillaume STUDIO MARIGNY - 30 dates exceptionnelles - Actuellement • Du mercredi au samedi à 20h30 • Le dimanche à 16h

Conçu par Marc Lavoine et Fabrice Aboulker, "Les Souliers Rouges", le spectacle musical, fait son grand retour. Après un lancement réussi aux Folies Bergère en 2020, le spectacle revient pour enchanter à nouveau le public parisien et français. Les représentations prévues les 9, 10, et 11 février 2024 à la Salle Pleyel à Paris, suivies d'une tournée nationale, marquent un moment très attendu par les amateurs de théâtre musical. Une adaptation féerique du conte d'Andersen Inspiré du conte classique de Hans Christian Andersen, "Les Souliers Rouges" offre une immersion dans un conte de fées moderne. L'histoire commence avec la découverte d'une paire de ballerines rouges cachées dans l'opéra, qui recèlent un piège : celle qui les chaussera connaîtra la renommée, mais devra renoncer à l'amour à tout jamais. Marc Lavoine, l'auteur, et Fabrice Aboulker, le compositeur, nous plongent dans une narration où magie, passion et dilemmes s'entremêlent. Une production artistique diversifiée La mise en scène de Jérémie Lippmann et les chorégraphies de Tamara Fernando confèrent une dimension visuelle et dynamique au spectacle. La distribution, incluant des talents remarquables tels que Céleste Hauser (Isabelle), Guilhem Valayé (Victor) et Benjamin Siksou (Ben), enrichit l'histoire d'Isabelle, une aspirante danseuse, et de Victor, le chorégraphe de l'Opéra. Le ballet maudit et la malédiction Le cœur du spectacle réside dans le projet audacieux de Victor de monter le ballet "Les Souliers Rouges", malgré sa réputation maudite. Selon la légende, le diable lui-même hante les couloirs de l'Opéra, où il a caché les ballerines ensorcelées. Ce dilemme central - choisir entre l'amour et la gloire - est le pivot autour duquel s'articule la tragédie d'Isabelle et Victor. Une expérience immersive Conçu comme une comédie ballet, "Les Souliers Rouges" se distingue par sa capacité à raconter son histoire à travers des chansons et des chorégraphies. C'est un spectacle qui promet non seulement de captiver les sens, mais aussi de laisser une impression durable dans l'esprit du public. Un rendez-vous incontournable Cette production invite à vivre une expérience théâtrale unique, une fusion entre le conte de fées et le drame moderne. Les billets pour les spectacles de février 2024 sont déjà en vente, promettant une expérience culturelle inoubliable pour les familles et les amateurs de théâtre musical. Les Souliers Rouges Salle Pleyel Les 09, 10 et 11 février 2024 puis tournée dans toute la France

"Le Temps d’Aimer", le dernier film de la réalisatrice française Katell Quillévéré (connue pour "Réparer les vivants"), est une fresque émotionnelle et historique plongeant au cœur des troubles de l'après-guerre en France. Récompensé par le Valois de diamant au Festival du film francophone d'Angoulême, ce film propose un voyage à la fois intime et universel au travers des complexités de l'amour, du désir, et de la résilience humaine. L'intrigue se déroule en 1947 sur une plage normande, où Madeleine, une jeune serveuse et mère célibataire, rencontre François, un étudiant fortuné et cultivé. Leur relation, née d'un coup du destin, évolue en une liaison complexe, marquée par les séquelles du passé et des secrets enfouis. Le film s'ouvre sur des images d'archives choc de la Libération, certaines inédites, dévoilant la brutalité des tontes publiques infligées aux femmes accusées de collaboration. Parmi elles, Madeleine, incarnée magistralement par Anaïs Demoustier. La transition habile du film du documentaire à la fiction est une prouesse narrative, immergeant le spectateur dans le quotidien de Madeleine, qui lutte pour surmonter les stigmates de son passé. Le séjour de Madeleine à l'hôtel Beau-Rivage, dans le Finistère, et sa rencontre avec François (Vincent Lacoste, primé meilleur acteur pour ce rôle) constituent l'épicentre de l'histoire. Leur amour, parsemé de différences culturelles et sociales, illustre la quête de survie émotionnelle et d'acceptation dans un monde empreint de préjugés. Le film interroge la nature du couple, l'influence du passé sur le présent et la capacité de l'amour à surmonter les obstacles sociaux et personnels. "Le mystère du couple, cette fiction que l'on crée à deux, est au cœur de l'œuvre," confie Quillévéré, s'inspirant de l'histoire de sa grand-mère. Outre son intrigue captivante, "Le Temps d’Aimer" se distingue par sa beauté visuelle et son montage audacieux. L'alliance des images d'archives et de la fiction, le passage du noir et blanc à la couleur, et l'utilisation stratégique de la musique amplifient son impact émotionnel. Quillévéré insiste sur la fidélité de la reconstitution, tout en filmant l'histoire comme si elle se déroulait de nos jours. "Cela crée une collision entre le contenu et la forme, mélangeant influences contradictoires pour éviter une reconstitution rigide et créer un dialogue entre passé et présent." "Le Temps d’Aimer" est un film poignant et profondément humain, s'écartant du mélodrame grâce à sa conclusion lumineuse et résiliente. Il ne se limite pas à raconter une histoire d'amour, mais explore les profondeurs de l'âme humaine, offrant un miroir à notre propre quête d'amour et d'acceptation. Avec son talent narratif et visuel, et des scènes abordant avec audace le désir et la sexualité, Katell Quillévéré livre une œuvre cinématographique marquante, résonnant bien au-delà du générique final. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 LE TEMPS D’AIMER Un film de Katell Quillévéré Avec Anaïs Demoustier Vincent Lacoste Morgan Bailey Hélios Karyo Josse Capet Paul Beaurepaire Margot Ringard Oldra Sortie au cinéma, le 29 novembre 2023 • Durée 2h05

Dans son spectacle "Juste un Souvenir", Myriam Boyer nous invite à un voyage unique et délicat au cœur des souvenirs. S'appuyant sur les mots de Cocteau, Vian, Mouloudji, Queneau et Trenet, elle navigue à travers leurs chansons emblématiques, les entrelaçant en un grand monologue passionné. Une déclaration d'amour au théâtre et à la vie "Juste un Souvenir" est bien plus qu'un spectacle. Myriam Boyer nous convie, le temps d'une soirée, à partager son récit, fait de souvenirs et de mélancolie. C'est une immersion dans les émotions, un hommage à la poésie de la vie. Telle une chanson sans musique, c'est comme les paroles d'un rêve qui ne veut pas s'achever, son présent éternel. Au cœur de la rue Saint-Vincent à Paris, une poétesse et un inconnu ont vécu un amour intense. Leur appartement, ce cocon d'amour décoré de velours vert et d'acajou, est devenu le sanctuaire de leurs souvenirs partagés. Malgré la fin de leur relation, la poétesse conserve ces souvenirs et un cœur empli de nostalgie. Confrontée à la vieillesse et à la solitude, elle se remémore les jours heureux et trouve de l'espoir dans la beauté persistante de la vie. Myriam Boyer, à travers son spectacle empreint de sensibilité, partage des instants tellement authentiques qu'ils semblent être tirés de la vie, de sa propre vie. « Bien que ce soient des chansons, je les interprète à ma manière, non pas en tant que chanteuse, mais en tant que comédienne », explique-t-elle. Elle poursuit : « C'est ma façon de me livrer. Je monte sur scène pour offrir au public un bouquet de chansons ». Dans une interview pour le programme de salle, Boyer révèle que ce projet est un cadeau qu'elle se fait à elle-même, un moyen de renouer avec ses racines et ses premiers amours artistiques. Elle souligne que, privées de leur mélodie, ces chansons révèlent leur essence littéraire et acquièrent une intemporalité, ouvrant de nouvelles perspectives et sensations. Dans la rue Saint-Vincent, sous une lune pâle, la poétesse… tout comme Myriam Boyer, continue de créer, d'aimer et de vivre, emportant avec elle les échos d'un amour éternel et les leçons d'une vie riche en expériences. C'est dans l'intimité du Théâtre de Poche Montparnasse que l'émotion de "Juste un Souvenir" résonne actuellement, offrant un aperçu du cœur et de l'esprit d'une artiste exquise, pleinement engagée dans son art. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 JUSTE UN SOUVENIR Un spectacle de Myriam Boyer, à partir des textes de Jean Cocteau, Boris Vian, Marcel Mouloudji, Raymond Queneau, Charles Trenet, Louis Aragon... Mise en scène Gérard Vantaggioli Avec Myriam Boyer et la participation de Philippe Vincent Lumières Franck Michallet Photos Gérard Vantaggioli THÉÂTRE DE POCHE MONTPARNASSE Actuellement • Du mardi au samedi à 21h • Représentations exceptionnelles les dimanches 31 décembre, 7 et 14 janvier à 17h • Durée 1h10 LISTE DES CHANSONS DITES SUR SCÈNE - Oreste Rossi, « Un souvenir » - Michel Vaucaire, « Comme au théâtre » ; « La complainte des souvenirs » - Boris Vian, « J’ai rêvé d’un piano » - Francis Carco, « Chanson tendre » - Jane Bos, « Dans la fumée » - Charles Cachant (dit Charlys), «Où sont tous mes amants» - Marcel Mouloudji, « Que le temps passe vite » ; « Le mal de Paris » - Raymond Queneau, « Si tu t’imagines » - Martial Carré, « La chose - les ratés de la bagatelle » - Marc Robine, « Les rues de Paris » - André Decaye, « Où est-il donc ? » - Charles Trenet, « Coin de rue » - Lucienne Boyer, « Ah! c’qu’on s’aimait » - Jacques Prévert, « Deux escargots s’en vont à l’enterrement » - Jean Renoir, « La Complainte de la Butte » - André Varel, « Est-ce ma faute ? » - Louis Aragon, « Est-ce ainsi que les hommes vivent ? » - Edmond Bouchaud, « La Coco » - Jean Cocteau, « La Dame de Monte-Carlo » - Georges Chelon, « Allons enfants » - Raymond Asso, « Tout fout l’camp »

Monsieur Depardieu. Notre monstre sacré. Un monument du cinéma français. Un corps impressionnant. Un caractère hors du commun. Une vraie subversion. Un humour incroyable et tant de délicatesse, de sensibilité, de douceur, d'intelligence. Je ressens tout cela chez vous. Je vous ai toujours connu. J'ai grandi avec vous. J'ai ri, j'ai pleuré, j'ai été choqué. J'ai appris la vie. L'amour à travers vos films. J'adore cette voix subtilement douce dans ce corps solide. Cette carapace qui cache tant de tendresse. Je ne sais pas. Plus de 200 films. 1900, les valseuses, buffet froid. Préparez vos mouchoirs, le dernier métro, la chèvre, fort Saganne, Cyrano, mammouth, Camille Claudel, trop belle pour toi, tenue de soirée et tant d'autres. Tous ses films comptent pour moi, résonnent, m'ont construit, m'ont fait aimer le cinéma. Vous êtes mon idole. On doit tant vous le dire, mais je vous le dis quand même. « Nous voilà débarrassés du superflu, on va pouvoir aborder l'essentiel ». Il y avait une certaine émission où l'on demandait aux célébrités, quel était leur endroit favori. Eh bien, moi, c'est un film avec Depardieu. Un jour de déprime. Un coup de valseuses et tout va mieux. Un jour de joie. "La chèvre" est idéal «C'est tout ! on pouvait dire, oh Dieu, bien des choses en somme ». Oui, on peut tant en dire et en même temps on a un peu envie de le garder pour soi, car vous êtes en ou. Vous faites partie intégrante de nos vies, de ma vie. Du cinéma français. Jamais Deneuve n'aura été aussi bien aimée. Jamais Adjani n'aura été aussi bien enlacée. Jamais Michel blanc n'aura été si beau sous vos yeux. Concernant ce récital « Depardieu chante Barbara ». Je pense que j'ai tout essayé. À Paris. Impossible de venir vous voir. En province également. J'ai fini par obtenir des billets pour Le Luxembourg, mais le spectacle a été annulé au dernier moment et maintenant à Ramatuelle. Je n'y pense même pas. Mais quand est-ce que je pourrais venir voir ce spectacle grandiose que vous nous offrez depuis plus d'un an ? Certainement jamais, mais ce n'est pas grave en soi. J'ai toujours cru en mes rêves et je sais qu'un jour je vous verrais en vrai. En tout cas, pour tous ceux qui auront l'opportunité et la chance de vous entendre chanter dans ce magnifique théâtre de Ramatuelle. Surtout ne ratez pas cette occasion où je vais vraiment m'énerver très fort ! On vous fait un cadeau. Cela ne se refuse pas. Crédit photo : Scarpitta

Lorsque les illusions se dissipent ! Valérie Fayolle, journaliste-reporter pour TF1 et animatrice sur France 24 de son émission culturelle Le Paris des Arts, vient d’écrire sa première pièce survoltée au suspense sans faille. Une famille bien sous tous rapports… ou pas ! Une mère, les deux frères, la sœur et la belle-sœur sont réunis à l’occasion de l’enterrement du père. Mais, après une petite phrase dans le testament et une découverte inattendue au fond du grenier, plus rien ne sera jamais comme avant. Lorsque la mémoire se perd, que le coeur s'exprime, des vérités entrelacées surgissent… Dans cette comédie joyeusement macabre, dans ce tourbillon de révélation « Le comble de la vanité » serait de croire que l'on peut contrôler son destin sans jamais se retourner ! En effet, cette maison familiale renferme bien des surprises, et quand toute la vérité semble avoir été révélée, on découvre avec délice qu’il n'en est absolument rien. Secret familial, manipulation parentale, mémoire sélective et intrigue amoureuse Voici le cocktail détonnant de cette pièce farfelue et réjouissante dans laquelle Virginie Pradal, en reine-mère sulfureuse, va nous entraîner entre stupéfaction, amusement et surprise. Dans un joli décor d’Emmanuel Charles très coloré, reprenant les codes couleurs de l’affiche et du théâtre La Pépinière, Ludivine de Chastenet a mis en scène joyeusement, ce très beau texte de Valérie Fayolle et fait de ce spectacle, un moment de théâtre délicieusement morbide ! Des révélations « en cascade » Avec une bande de comédiens très drôles, ce spectacle à découvrir absolument à Paris, enchantera vos sorties et vous laissera sans voix ! Avis de Foudart 🅵🅵🅵 Le Comble de la vanité Une comédie de Valérie Fayolle Mise en scène Ludivine de Chastenet Avec Mikaël Chirinian, Julie Farenc, Virginie Pradal, Cécile Rebboah et David Talbot Crédit © François Fonty LA PÉPINIÈRE THÉÂTRE Du jeudi au samedi à 19h ou 21h (selon les jours) - Matinée dimanche à 15h • À partir de 12 ans • Durée 1h30