DÉNI - Un ovni théâtral aussi tendre que déroutant

il y a 2 heures

6 min de lecture

Avis FOUD’ART 🅵🅵🅵

Choisir de construire un spectacle autour d’une situation aussi intime, méconnue et presque taboue était une entreprise aussi audacieuse que périlleuse. Déni aurait facilement pu sombrer dans le théâtre à thèse, le mélodrame ou la démonstration. Sophie Cottin et Raphaëlle Cambray choisissent au contraire l’intelligence, l’humour et la simplicité. Malgré une construction parfois répétitive et un didactisme très présent, la pièce déjoue presque tous les pièges. Portée par une distribution remarquable, elle fait naître l’émotion là où on ne l’attend pas et laisse derrière elle une sensation étrange, tendre et inconfortable. Un véritable ovni théâtral.

Un sujet casse-gueule

Il y a des sujets qui semblent presque impossibles à mettre sur une scène.

Déni en choisit un.

Rarement évoqué, souvent mal compris, presque toujours réduit à quelques récits spectaculaires lorsqu’il surgit dans l’espace public, il touche pourtant à quelque chose de profondément intime : ce moment où une réalité impossible à concevoir s’impose brutalement.

Alix semble avoir tout pour être heureuse.

Un métier qu’elle aime, un compagnon, des projets, une vie déjà largement dessinée et bientôt New York à l’horizon.

Puis, en quelques heures, tout ce qu’elle croyait savoir de sa propre existence vacille.

Le spectacle aurait pu chercher le choc.

Il préfère essayer de comprendre.

Et c’est sans doute là que commence sa singularité.

Expliquer sans trop expliquer

C’est à la fois la nécessité et la principale faiblesse de la pièce.

Parce que le sujet est méconnu, il faut expliquer.

Parfois beaucoup.

Le personnage du jeune interne, incarné par Geoffrey Couët, devient l’un des relais de cette découverte. Lui-même semble parfois presque aussi déboussolé que ceux auxquels il doit répondre. À travers ses questions, ses maladresses, ses hésitations et ses tentatives de compréhension, le spectateur apprend.

Le procédé est malin.

Il permet de transmettre beaucoup d’informations sans transformer totalement la scène en conférence.

Mais cette volonté didactique finit aussi par se voir.

Le spectacle se construit en une succession de scènes relativement courtes, séparées par des transitions plus ou moins longues. À force, le dispositif devient quelque peu répétitif et certains passages explicatifs créent une distance au moment même où l’émotion pourrait nous emporter davantage.

C’est le paradoxe de Déni.

Il faut nous expliquer ce que nous regardons pour que nous puissions réellement le comprendre.

Mais plus le spectacle explique, plus il prend parfois le risque de nous éloigner de ce que ressentent ses personnages.

Heureusement, le texte ne reste jamais très longtemps prisonnier de cette mécanique.

L’émotion là où on ne l’attend pas

Car ce qui fonctionne immédiatement dans Déni, c’est son ton.

Et surtout son refus du pathos.

Le spectacle reste étonnamment léger.

Parfois même franchement drôle.

Une réplique, une maladresse, un personnage légèrement décalé, un silence qui dure un peu trop longtemps : Sophie Cottin trouve constamment de petits chemins de traverse pour empêcher la pièce de s’installer dans la gravité attendue.

Puis soudain, sans prévenir, l’émotion apparaît.

Elle ne s’annonce pas.

Elle ne se fabrique pas.

Elle surgit au milieu d’une conversation presque ordinaire.

Et c’est précisément là que le spectacle devient le plus juste.

Déni ne demande jamais de plaindre Alix.

Il nous demande simplement de la regarder.

De tenter de comprendre ce qui se passe en elle.

De rester à côté d’elle.

Cette différence est essentielle.

On est totalement dans l’empathie.

Jamais dans une compassion forcée.

Salomé Villiers, à fleur de peau

Au centre du spectacle, Salomé Villiers est une nouvelle fois étonnante.

Son jeu possède quelque chose de très particulier : une capacité à rester légèrement décalée par rapport à l’émotion avant de se laisser rattraper par elle.

Une phrase peut commencer avec une forme de légèreté presque incongrue.

Puis le visage se ferme.

La voix change.

La colère éclate.

Et tout bascule.

Salomé Villiers ne cherche jamais à rendre Alix exemplaire.

Elle la rend vivante.

Parfois drôle, parfois agaçante, fragile, brutale, perdue, combative.

C’est précisément ce qui permet au personnage d’échapper au statut de simple incarnation d’un phénomène extraordinaire.

Alix reste avant tout une femme.

Une femme à laquelle quelque chose d’inimaginable arrive.

Un couple auquel on croit

Face à elle, Thomas Gendronneau forme avec Salomé Villiers un duo extrêmement juste.

Il y a entre eux une évidence immédiate.

Une complicité.

Un charme.

Une simplicité.

On croit à leur couple avant même que le spectacle ne nous demande de croire à ce qui lui arrive.

Et c’est probablement l’une des grandes réussites de la pièce.

Romain n’est pas simplement celui qui accompagne Alix dans cette nuit hors norme.

Il est lui aussi pris dans le vertige.

Lui aussi doit tenter de comprendre une réalité qui semble ne correspondre à rien de ce qu’il connaissait quelques heures auparavant.

Le spectacle observe alors quelque chose de très beau : la manière dont un couple peut être bouleversé sans que son amour disparaisse pour autant.

Il y a des incompréhensions.

Des colères.

De la peur.

Mais aussi cette tendresse qui demeure et empêche constamment le récit de devenir froidement démonstratif.

Michel Papineschi, bouleversant de naturel

Et puis il y a Papini.

Le grand-père.

Michel Papineschi est absolument remarquable.

Il possède cette qualité rare de donner l’impression de ne jamais jouer.

Aucun effet visible.

Aucune volonté de souligner l’émotion.

Il est simplement là.

Et cela suffit.

Son naturel désarme.

Il apporte au spectacle une humanité immédiate, familière, presque quotidienne.

Avec lui, certaines scènes semblent soudain quitter le théâtre pour devenir des instants de vie.

Quelques mots.

Un regard.

Une façon de rester à côté d’Alix.

Et l’émotion arrive sans même que l’on s’en aperçoive.

C’est sans doute l’une des plus belles réussites du spectacle.

Autour d’eux, Raphaëlle Cambray et Geoffrey Couët complètent une distribution d’une remarquable homogénéité.

Chaque personnage possède sa fonction sans jamais donner l’impression de n’exister que pour faire avancer le récit.

Un spectacle étonnamment intelligent

C’est probablement le mot qui reste le plus longtemps après la représentation :

intelligent.

Intelligent dans son écriture.

Intelligent dans la manière de transmettre des informations.

Intelligent surtout dans sa volonté de ne jamais transformer une situation exceptionnelle en curiosité spectaculaire.

Le texte de Sophie Cottin aurait pu facilement chercher à provoquer.

Il préfère observer.

Il aurait pu multiplier les effets.

Il choisit souvent la simplicité.

Et cette simplicité permet au spectacle de nous rappeler quelque chose d’essentiel : ce qui arrive à Alix ne la transforme pas soudainement en personnage étranger au monde.

Elle reste une femme avec une famille, un compagnon, des projets, des habitudes.

Quelqu’un à qui la vie ressemblait jusque-là à celle de beaucoup d’autres.

C’est peut-être cela qui trouble le plus.

Cette impression que l’extraordinaire peut surgir au milieu du quotidien le plus banal.

Un décor qui accompagne le vertige

Le décor imaginé par Antoine Milian participe pleinement à cette sensation.

Sans chercher l’effet pour l’effet, il accompagne les changements de lieux, de temporalité et d’état intérieur.

Il crée un espace où la réalité peut se déplacer très rapidement.

Un espace presque familier qui semble pourtant toujours prêt à basculer.

Cette scénographie renforce la dimension étrange du spectacle.

Comme si ce que l’on pensait parfaitement stable pouvait, en quelques secondes, changer complètement de sens.

Les lumières de Denis Schlepp accompagnent avec finesse cette transformation progressive de la soirée en une nuit où tout devient possible.

Un drôle d’état en sortant

Et puis vient la fin.

Sans forcément répondre à toutes les questions.

Heureusement.

Car Déni laisse le spectateur dans un état assez étrange.

Une sensation à la fois délicieuse et gênante.

Quelque chose de tendre et d’énervant.

L’envie d’en savoir davantage.

De comprendre.

De chercher des explications.

Et en même temps une forme de soulagement devant l’idée que certaines choses puissent encore nous échapper.

Peut-être faut-il accepter de ne pas tout comprendre.

Peut-être est-ce même précisément ce que raconte le spectacle.

Nos certitudes semblent parfois très solides.

Jusqu’au moment où quelque chose vient brutalement nous rappeler qu’elles ne le sont pas tant que cela.

Un véritable ovni théâtral

Sur le papier, Déni pourrait presque donner envie de fuir.

Un sujet délicat.

Beaucoup d’explications.

Une succession de scènes.

Une situation extraordinaire autour de laquelle il aurait été facile de fabriquer un théâtre lourd, démonstratif ou artificiellement bouleversant.

Et pourtant, tout s’accorde.

Le texte.

Les comédiens.

L’humour.

Le décor.

La tendresse.

La mise en scène.

Même les imperfections finissent presque par participer à la singularité de l’ensemble.

Oui, quelques transitions sont trop longues.

Oui, la construction peut sembler répétitive.

Oui, le didactisme prend parfois un peu trop de place et met l’émotion à distance.

Mais Déni possède quelque chose de beaucoup plus précieux : une vraie personnalité.

Une pièce étrange, intelligente, sensible et profondément humaine.

Une proposition qui ne ressemble pas vraiment aux autres.

Et lorsqu’un spectacle prend autant de risques tout en parvenant à trouver son équilibre, il mérite d’être salué.

Un grand bravo à cet ovni théâtral, aussi malin qu’émouvant, aussi tendre qu’inconfortable, qui laisse derrière lui bien davantage de questions que de certitudes.

Avis FOUD’ART : 🅵🅵🅵

Infos pratiques