Dans un contexte politique où les tensions identitaires sont exacerbées, le seul-en-scène d'Issam Rachyq-Ahrad, « Ma République et moi », prend une résonance particulière. Cette œuvre introspective, jouée dans des espaces modestes comme une petite chapelle à Avignon durant le festival off, nous invite à une réflexion profonde sur notre société. Avec pour seul décor un fauteuil rouge et un transistor à cassettes, Issam nous fait voyager dans ses souvenirs d'enfance, marqués par une double culture marocaine et française. L'histoire débute dans un cadre familier et chaleureux, chez Issam, où le thé et les gâteaux de sa mère nous accueillent. Issam, passionné par Molière et supporter des équipes de football de France et du Maroc, nous parle de sa mère, une cuisinière dévouée dans un hôpital, qui a sacrifié tant pour ses enfants. Cette femme courageuse, souvent jugée par autrui, trouve enfin sa voix à travers les mots de son fils. Le 11 octobre 2019, un incident lors d'une séance du Conseil régional de Bourgogne-Franche-Comté, où une femme voilée fut violemment attaquée par un élu du Rassemblement National, réveille en Issam des souvenirs douloureux. Cette scène, rappelant les humiliations silencieuses de son enfance, devient un catalyseur pour explorer son rapport au voile porté par sa mère et l'amour qu'elle incarne. Issam nous guide à travers un récit biographique empreint de tendresse et de lucidité. Il rend hommage à cette femme aspirée par le rêve européen, une mère qui écoutait France Info ou Dalida, et qui, un jour, vint le chercher à l'école voilée. La honte ressentie par le jeune Issam de 10 ans est aujourd'hui réexaminée à travers le prisme des préjugés déconstruits. Le spectacle ne cherche pas à opposer les cultures ni à revendiquer de manière agressive. Il met en lumière l'amour réciproque entre une mère et son fils et propose une réflexion sur la coexistence culturelle. Dans une scène poignante, Issam se couvre la tête d'un voile, symbolisant la figure maternelle et son propre parcours entre deux rives culturelles. Avec élégance, Issam répond à la haine et à l'intolérance en démontrant que l'intégration est non seulement possible, mais enrichissante. Il prouve que la diversité culturelle est une force pour notre société. Sa mère, symbole de dignité et de résilience, incarne cette intégration réussie. « Ma République et moi » est conçu pour favoriser le partage et la réflexion sur la place de chacun dans la société, créant ainsi un espace de rencontre et de dialogue. Ce spectacle touche même ceux qui se sentent éloignés du théâtre traditionnel. Issam nous rappelle que notre République inclut aussi sa mère et tous ceux qui, comme elle, enrichissent notre société par leurs différences. En recentrant notre regard sur les personnes plutôt que sur leurs apparences, Issam appelle à une réparation collective, une réconciliation nécessaire pour avancer ensemble. « Ma République et Moi » Texte, mise en scène et jeu Issam Rachyq-Ahrad Collaboration artistique Thibault Amorfini Dramaturgie, scénographie, lumière Fréd Hocké Création son Frédéric Minière Chant Jeanne-Sarah Deledicq Crédit photo Xavier Cantat Festival OFF Avignon Théâtre des Halles 29 juin au 21 juillet à 14h • Relâche les 3, 10 et 17 juillet Durée 1h • À partir de 10 ans

La pièce de théâtre "4211 km", écrite et mise en scène par Aïla Navidi, est une oeuvre émouvante et puissante qui explore les thèmes de l'exil, de l'identité et de la liberté. Cette distance, qui sépare Paris de Téhéran, représente le parcours tumultueux d'une famille iranienne en quête de paix et d'identité. Un Récit Familial Bouleversant Au coeur de l'histoire, Yalda, fille de Mina et Fereydoun Farhadi, réfugiés politiques iraniens, nous plonge dans leur vie d'exil en France. Née à Paris, elle se trouve tiraillée entre deux mondes : celui de sa famille, marquée par le combat pour la liberté et l'espoir d'un retour en Iran, et celui de la société française, dans laquelle elle peine à trouver sa place. Talent Narratif et Scénographie Captivante La pièce se distingue par sa narration fluide et un talent narratif remarquable. La scénographie, simple mais ingénieuse, permet de voyager à travers différentes époques et lieux, créant un lien étroit entre nous et les personnages. Les changements de costumes et même de coiffures enrichissent cette expérience théâtrale. Des Performances Impressionnantes Le spectacle est porté par des acteurs talentueux, dont Olivia Pavlou-Graham et Florian Chauvet, interprétant Yalda et Baba avec une justesse inouïe. Leur performance, tout comme celle d'Aïla Navidi, apporte une dimension réelle et touchante à l'histoire. Une Réflexion sur l'Identité et l'Héritage "4211 km" est plus qu'une simple représentation théâtrale ; c'est une réflexion profonde sur l'identité, le déracinement et l'héritage culturel. Il questionne la capacité à s'intégrer dans une société tout en préservant ses racines. L'histoire de Yalda est celle de nombreuses personnes confrontées à des défis similaires. Résonance avec l'Actualité et le Contexte en Iran Alors que l'Iran continue de faire face à des troubles politiques et sociaux, la pièce résonne particulièrement avec l'assassinat de Mahsa Amini en septembre 2022, un événement qui a déclenché des manifestations massives en Iran pour les droits des femmes et contre les restrictions gouvernementales. Elle fait écho à des thèmes d'une actualité brûlante et souligne l'importance de la lutte pour la liberté et la justice. La pièce met également en lumière la bravoure et la résilience des personnes qui s'élèvent contre l'oppression. Récompenses et Reconnaissance L'œuvre a été justement récompensée, recevant plusieurs prix, dont le Prix du Public et la Mention Spéciale du Prix Théâtre 13 en 2022. Ces distinctions soulignent la qualité exceptionnelle du spectacle et son importance dans le paysage théâtral contemporain. "4211 km" est un vibrant appel à la compassion et à la prise de conscience, offrant un aperçu poignant de la vie des exilés iraniens et de leur lutte incessante pour la liberté et l'identité. Ce spectacle incontournable allie émotion, histoire et réflexions profondes sur des sujets universels. À travers son histoire personnelle et sa vision artistique, Aïla Navidi offre un bijou théâtral qui restera gravé dans les mémoires. Avis Foudart 🅵🅵🅵🅵 4211 km Texte et mise en scène Aïla Navidi Avec Olivia Pavlou-Graham, Florian Chauvet, Aïla Navidi en alternance avec Alexandra Moussaï, Sylvain Begert en alternance avec Thomas Drelon, Benjamin Brenière en alternance avec Damien Sobieraff, June Assal en alternance avec Lola Blanchard Assistante à la mise en scène Laetitia Franchetti • Scénographie Caroline Frachet • Création lumière Gaspard Gauthier • Création sonore et vidéo Erwann Kerroc’h • Crédit photo © Dimitri Klockenbring Festival OFF Avignon 11 • AVIGNON du 2 au 21 Juillet 15h00 Spectacle vu au STUDIO MARIGNY

Après le festival "L'invitation au voyage" de Biarritz, l'antre intimiste de la Piccola Scala accueille un événement d'une rare délicatesse. Accompagnée de la guitare envoûtante de Laurent Guillet, Helena Noguerra tisse un lien éthéré entre l'audience et Frida Kahlo, illustre peintre mexicaine connue pour ses œuvres vibrantes, sa vie tumultueuse, et son engagement politique. Le spectacle débute, et déjà, l'atmosphère se charge d'une émotion palpable. Pieds nus, vêtue d'un simple jean et d'un haut noir, Helena fait son entrée, non pas comme une star, mais comme une hôte nous conviant dans son univers littéraire. Elle nous accueille dans ce qui pourrait être son salon, évoquant avec sincérité et simplicité son parcours, de l'école abandonnée à sa passion dévorante pour la littérature. Une Immersion dans les Correspondances de Frida Kahlo Mais ce soir, la littérature prend une forme particulière : celle des correspondances de Frida Kahlo. Helena, avec une grâce infinie, plonge dans le rôle de Frida à l'âge de 17 ans, nous offrant plus qu'une lecture, une incarnation. Les lettres de Frida, empreintes de souffrance, d'amour, de passion pour la peinture et d'engagement politique, se mêlent à la voix d'Helena, créant une symphonie d'émotions. Le choix des correspondances, s'étendant de 1925 à 1953, offre un portrait intime de Frida : une jeune fille brisée par un tragique accident, une femme à la fois aimée et trahie, une artiste d'une intensité brûlante. À travers ces fragments de vie, c'est toute la complexité de Frida Kahlo qui se révèle, dans ses moments de joie éphémère comme dans ses abîmes de solitude. Une Performance Touchante et Sincère Dans un décor épuré, entourée d'objets symboliques et de la présence essentielle de Laurent Guillet à la guitare, Helena transcende la simple lecture. Elle interprète avec émotion, chante, et incarne les mots de Frida, partageant avec nous la force, l'intensité, le désespoir et l'enthousiasme qui caractérisent l'œuvre et la vie de Frida Kahlo. Le spectacle, tout en subtilité et en profondeur, dévoile une Helena Noguerra d'une touchante sincérité. Elle nous fait comprendre que, si l'essence de Frida Kahlo réside dans ses toiles, ses mots n'en sont pas moins, sont ciselés, chargés d'images et d'émotions intenses. La performance d'Helena Noguerra, avec sa diction particulière, sculpte ces mots au scalpel, nous faisant ressentir avec acuité les maux de Frida. Un Souvenir Indélébile La soirée à la Piccola Scala, dominée par l'émotion et la magie, promet de laisser un souvenir indélébile. Helena Noguerra, à travers son interprétation passionnée et sa connexion profonde avec le texte de Frida Kahlo, nous invite à un voyage au cœur de l'âme humaine, dans toute sa beauté, sa complexité et sa fragilité. Une performance remarquable qui rend un vibrant hommage à Frida Kahlo, célébrant la littérature et la vie dans leurs aspects les plus poignants. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 FRIDA KAHLO / HELENA NOGUERRA Texte Françoise Hamel Mise en espace Catherine Schaub Lecture Helena Noguerra Guitare Laurent Guillet Visuel ©Thomas O’Brien LA PICCOLA SCALA Du 29 janvier au 25 mars - Le lundi à 21h • Du 6 avril au 23 juin • Le samedi 21h30 et le dimanche 17h30

Voici un spectacle unique en son genre, un véritable OVNI théâtral qui réussit avec audace à fusionner l'art culinaire avec des histoires profondément humaines et intimes. "Dévorante" est une de ces perles rares, une pièce qui nous entraîne dans un voyage inattendu au cœur de la gastronomie italienne, tout en abordant des thématiques aussi poignantes que la violence conjugale, l'emprise psychologique et la quête de résilience. Portée par Eleonora Galasso, ambassadrice en France de la Dolce Vita, cette œuvre singulière invite à une réflexion puissante sur la manière dont les épreuves peuvent être surmontées et partagées… le tout enveloppé dans l'ambiance chaleureuse d'une cuisine italienne. Auteure, comédienne et véritable force de la nature, elle nous révèle son histoire personnelle marquée par une relation toxique qui a failli lui coûter la vie. Mais loin de sombrer dans le pathos, Galasso choisit la métaphore culinaire pour aborder ces sujets douloureux, transformant ses recettes et ses cours de cuisine en une plateforme de dialogue sur la violence domestique et la manipulation psychologique. Ses confidences, partagées entre quatre œufs et 100 g de parmesan, tissent une histoire de résilience et d'émancipation, où la cuisine devient le théâtre de révélations intimes. La mise en scène de Chloé Froget enrichit le texte d'Eleonora Galasso en offrant un spectacle hybride, oscillant entre moments de légèreté culinaire et révélations d'une gravité poignante. Le défi scénographique était de taille : représenter une cuisine méditerranéenne, puis basculer vers des espaces symbolisant la réparation et le partage, comme un hôpital ou un groupe de parole. Cette alternance de lieux et d'ambiances vise à matérialiser la dualité de l'expérience humaine, entre façade joyeuse et réalités plus sombres. Au-delà de la séduction des plats italiens et du charisme d'Eleonora réside une histoire de bravoure et de lutte contre l'isolement. "Dévorante" lance un appel puissant à briser le silence, célébrant la capacité de l'art à guérir et à rassembler, tout en initiant une prise de conscience sur les dynamiques de pouvoir au sein des relations affectives. La collaboration de Galasso avec La Maison des Femmes souligne son engagement à utiliser son art comme un levier de soutien et d'inspiration pour d'autres femmes, illuminant le chemin de l'adversité vers la lumière. "Dévorante" offre une immersion théâtrale unique, mêlant émotions, sensations et réflexions profondes, pour éveiller empathie et contemplation. Laissez-vous envoûter par l'incroyable talent d'une actrice qui navigue avec aisance entre danse, art culinaire et interprétation. C'est une expédition inattendue et enrichissante qui vise à émouvoir vos sens et à éveiller votre intellect, dans un cadre où la cuisine italienne émerge comme le symbole suprême de la liberté et du renouveau. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 DÉVORANTE Écriture Eleonora Galasso et Chloé Froget Mise en scène Chloé Froget Avec Eleonora Galasso Scénographie Agnès Comar • Lumière Damien Peray • Musique Christophe Charrier • Costume Molli et Viollaine de Merteuil • Voix Collectif Réciproque Crédit / Copyright Pénélope Caillet Festival OFF Avignon LE PETIT LOUVRE (VAN GOGH) Du 29 Juin au 21 Juillet 16h35 • Durée 1h15 Spectacle vu au Théâtre des Mathurins

« Les histoires d’amours finissent mal… ». Amor Amort , une œuvre audacieuse conçue par le trio de créateurs Didier Landucci, Nelly Bêchétoille et Jean-Marc Michelangeli, vient ébranler les perceptions traditionnelles de l'amour et de la mort avec une originalité frappante. Réagissant à un univers imaginaire où les contes de fées promettent un bonheur éternel, cette pièce offre un contraste saisissant en plongeant dans les recoins les plus sombres de l'amour. Avec un humour noir piquant, Amor Amort explore les dimensions extrêmes de l'amour, révélant la complexité et la noirceur inhérentes à la nature humaine. À travers des récits captivants, le spectacle dépeint des amours si intenses qu'ils conduisent inévitablement à la mort, emportant l'un, l'autre ou les deux amants, et propose une réflexion profonde sur la dualité de l'amour. L'Amour : De la Magie au Cauchemar À travers des scènes de crimes inventives et des tableaux vivants, Amor Amort explore les relations amoureuses avec une intensité rarement observée sur scène. Le spectacle offre une catharsis des pulsions meurtrières, souvent réprimées par la morale, l'éducation et la loi. En rejetant les clichés, inspiré par des œuvres telles que La Guerre des Roses et Les Nouveaux Sauvages , il révèle la beauté tragique de l'amour, marquée par les conflits, les défis et la potentialité de violence. Il montre que, contrairement aux récits idylliques, les histoires d'amour contiennent en elles-mêmes les graines de leur propre fin. Les récits de passions dévorantes, d'accidents tragiques ou de choix fatals illustrent la complexité et la profondeur des sentiments humains. Les blessures amoureuses qui poussent ces protagonistes vers des actes impulsifs et cruels sont à la fois pathétiques et étrangement attachantes, reflétant les aspects les plus sombres de nos propres personnalités. Chaque scène, construite avec une tension croissante, nous tient en haleine, éveillant notre curiosité sur l'identité de la prochaine victime et sur le déroulement de la tragédie. Porté par une mise en scène épurée, où chaque objet et chaque lumière sont utilisés pour souligner les ambiances spécifiques de chaque tableau, Amor Amort crée un univers où l'humour noir et la tragédie coexistent sans jamais se nuire. Les comédiens se distinguent par leur capacité à passer d'un rôle à l'autre avec aisance et précision, rendant chaque personnage mémorable. La musique, composée par Roland Catella, joue un rôle crucial, avec des mélodies oscillant entre mélancolie et allégresse, capturant parfaitement l'esprit des films italiens des années 60. Ce choix musical renforce l'atmosphère unique du spectacle, où chaque note semble raconter sa propre histoire d'amour et de mort. Amor Amort est bien plus qu'une succession de tableaux sur le thème de l'amour tragique. Il propose une réflexion profonde sur la dualité intrinsèque à la nature humaine : l'amour et la mort, Eros et Thanatos, l'union des contraires, un concept cher à Freud. À travers un humour grinçant et des situations parfois absurdes, le spectacle invite à une catharsis collective, nous libérant de nos pulsions les plus sombres dans un éclat de rire. Amor Amort est un incontournable pour ceux qui cherchent à explorer les recoins les plus sombres de l'amour et des relations de couple, le tout dans un éclat de rire libérateur. C'est une comédie noire qui, tout en divertissant, nous fait réfléchir sur la complexité des relations humaines et la fragilité de la vie. De l’amour à la mort Amor Amort est un spectacle drôle... à en mourir, aux vertus cathartiques, qui met en scène les désirs les plus odieux avec une acuité remarquable. Une expérience théâtrale inoubliable, mêlant rire et réflexion. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 AMOR AMORT Une pièce de Nelly BÊCHÉTOILLE, Didier LANDUCCI et Jean-Marc MICHELANGELI Mise en scène Elric THOMAS Avec Nelly, Anne DECIS, Didier LANDUCCI, Avy MARCIANO, Nelly BÊCHÉTOILLE Musique Roland CATELLA • Décor Aymeric LOUIS • Son Mickaël ROCHE • Lumière Jean-Bastien NEHR et Eric VALENTIN Spectacle en tournée avant le Festival off d’Avignon au théâtre Le petit Chien • Tout public à partir de 12 ans • Durée 1h30

En partageant avec moi les mauvaises humeurs et les coups de ma mère, la Rita a dû me rendre un fieffé service, mine de rien. Je me trouvais moins seul face aux adultes, elle prolongeait la famille, ouvrait un peu le trio étouffant pour un enfant unique. Par sa présence, son comportement insolite aussi atypique pour un chien que l’était celui de mes parents, elle rendait les choses un peu plus “normales”, en somme… La chienne de ma vie est une pièce de théâtre en forme de déclaration d'amour Aladin Reibel, en adaptant sur scène le récit autobiographique écrit par Claude Duneton, lui rend un hommage superbe et livre un bel acte d'amour. Son amour pour un être humain, une œuvre littéraire, mais aussi pour une famille, un territoire et le chien Rita. À deux pas de l’église où la chienne Rita fait son cirque un dimanche, à deux respirations du monument aux morts et à deux jappements du cimetière où repose Claude – peut-être va-t-il se relever et venir saluer… ! La chienne de ma vie de Claude Duneton La rencontre entre les deux hommes, en 1995, restera inscrite comme un jour incontournable. Un de ces jours, unique et merveilleux qui bouleverse tout le cours d'une vie. En janvier 1996, je débarquais à Antignac, petit hameau de la commune de Lagleygeolle, et je découvrais la merveilleuse Corrèze… Lors de ses entrevues amicales Aladin Reibel, découvre avec délice l'œuvre de Claude Duneton, comédien, écrivain, romancier, historien du langage. Le respect qu'il porte pour cet homme, ce père spirituel est si grand qu'il a souhaité lui faire un ultime hommage. Je ne pouvais pas imaginer d’autre point de départ pour l’aventure que la salle polyvalente de la mairie de Lagleygeolle ce 1er mars 2019. Élodie Chanut (metteuse en scène) a si bien compris ce lien d'admiration, bourré de tendresse ! L'émotion d'Aladin Reibel et le talent de Michel Glasko (accordéoniste) s'associent pour donner un spectacle bouleversant et magnifiquement écrit. Un seul en scène ou plutôt un duo, drôle et musical ou la présence de l'accordéon, aux sonorités un peu folkloriques ajoute encore beaucoup de nostalgie et de douceur. Avis Foudart 🅵🅵🅵 Elle a dû me servir de “petite sœur”, ce que j’imagine qu’aurait été une petite sœur… En écrivant sa vie, je referme la boucle… C’est un clin d’œil au temps perdu. Claude Duneton La chienne de ma vie De Claude Duneton 2007 / édition Buchet Chastel / La Chienne de ma vie / Prix 30 millions d’Amis Adaptation théâtrale Aladin Reibel Mise en scène Élodie Chanut Avec Aladin Reibel Accordéon Michel Glasko Lumières Pascal Noël Festival OFF Avignon THÉÂTRE LE PETIT CHIEN Du 29 juin au 21 juillet • Relâche les 2, 9, 16 juillet • 10h30 • Durée 1h Spectacle vu au théâtre Les Rendez-Vous d’Ailleurs

Cinq de Cœur célèbre ses 30 ans et la fête d’anniversaire s’annonce inoubliable. Ces cinq acrobates de la voix ont rivalisé d’idées et d’audace pour offrir à leur public impatient un spectacle détonant, marqué par la performance musicale et la folie qui les caractérisent. Le programme est alléchant : des décors grandioses, des costumes époustouflants, des numéros de magie, des chansons interprétées du haut d’un trapèze en feu, et des scènes éclairées à la chandelle. Tout semble prêt pour la première, prévue pour demain. Cependant, pour Cinq de Cœur, aujourd’hui est encore une répétition générale. Rien n’a été livré à part la salle, remplie d’un public trépignant d’impatience. Comment vont-ils s’en sortir ? Qui est Cinq de Cœur ? Cinq de Cœur est un groupe de cinq chanteurs émérites – trois femmes et deux hommes – issus de différents univers musicaux. Ils ont décidé d’utiliser leurs voix de manière délirante, écrivant et interprétant des spectacles alliant virtuosité diabolique et comique irrésistible. Ces chanteurs comédiens ont inventé un genre bien à eux, mêlant humour et émotion, avec la singularité du chant a cappella. Après Philippe Lelièvre, Virginie Lemoine les accompagne dans leurs créations. Leur répertoire est sans limite : chanson française, variété internationale, œuvres classiques célèbres, bruitages, beatbox… Ils revisitent tous les genres avec le talent qui les caractérise. Leur objectif ? Surprendre, toucher et éblouir le public, tant par la cocasserie des situations qu’ils inventent que par la beauté de leurs voix mêlées. Un Spectacle Hors Normes Ces cinq artistes allient chant lyrique, music-hall et comédie pour revivifier la tradition de la chanson "jouée". Ils trahissent les œuvres avec bonheur, les réinventant avec une fraîcheur déjantée et un humour formidable. Avec trente années de carrière, Cinq de Cœur continue de nous enthousiasmer et de nous émerveiller. Ils nous surprennent, nous touchent et nous éblouissent avec des situations cocasses et des harmonies impeccables. Si vous cherchez un moment qui allie rire, émotion et superbes performances vocales, ne manquez pas ce rendez-vous. CINQ DE CŒUR « UN AIR DE FÊTE » Mise en scène Virginie LEMOINE Avec Rachel PIGNOT, Karine SERAFIN, Sandrine MONT-COUDIOL, Fabian BALLARIN et Vincent GILLIERON Directeur musical Nicolas Kern • Lumières et vidéo Mehdi Izza • Costumes Marine Baney • Son Mathieu Bionnet • Accessoires Grégoire Lemoine Crédit Photos © Paule Thomas Festival OFF Avignon THEATRE DES GEMEAUX AVIGNON Du 29 juin au 21 juillet 2024 à 10h00 (relâches les 2, 9 et 16 juillet) • Durée :  1h15 • Tout public à partir de 8 ans

L'occupation des espaces culturels est un acte profondément politique qui interroge la légitimité de l'appropriation, la mémoire collective, et l'engagement communautaire. Des événements tels que l'occupation de la Volksbühne à Berlin en 2017 et celle du Théâtre des Célestins à Lyon en 2016 montrent comment ces actions peuvent devenir des catalyseurs de changement et de réflexion collective sur notre relation aux institutions culturelles. Une Pièce de Théâtre Inspirée du Réel La pièce "Œuvrer son cri" de Sacha Ribeiro explore cette dynamique en mettant en scène un groupe d'artistes occupant leur lieu de travail, un théâtre fermé depuis des mois. Par une mise en abyme, les artistes répètent une pièce sur leur propre occupation, rendant floue la frontière entre réalité et fiction. La pièce questionne la légitimité de l'occupation, le rôle du théâtre dans la société, et les implications politiques de l'art. Inspirée d'occupations réelles, comme celle du Théâtre de l'Odéon en mai 68 ou du Théâtre Valle à Rome entre 2014 et 2017, chaque histoire unique de ces occupations partage un désir commun de réappropriation et de transformation des espaces culturels. La Compagnie Courir à la Catastrophe Fondée par Alice Vannier et Sacha Ribeiro, la compagnie Courir à la Catastrophe est née d'une réflexion profonde sur le rôle de l'art et de la politique. Influencés par des figures comme Olivier Neveux et Alain Reynaud, les fondateurs cherchent à créer un théâtre qui interroge le réel et ses contradictions. Le nom de la compagnie reflète cette quête incessante de dépassement, de recherche, et d'acceptation de la fragilité humaine. Leur approche théâtrale croise plusieurs genres, intégrant des éléments de théâtre documentaire, de conférence et de l'Agit Prop. Leur objectif est de saisir l'actualité pour mieux la comprendre et ouvrir de nouvelles perspectives. L'Engagement Politique et Artistique L'occupation de théâtres, en tant qu'acte de résistance et de réappropriation, révèle le pouvoir du collectif et de l'engagement politique dans la sphère culturelle. "Œuvrer son cri" témoigne de cette dynamique en mêlant réalité et fiction pour poser des questions fondamentales sur notre rapport au théâtre, à la société et à nos propres vies. La compagnie Courir à la Catastrophe, avec son approche unique, invite à une réflexion profonde et continue sur le rôle de l'art dans la transformation sociale et personnelle. Mais ce spectacle n'est pas seulement un acte politique; c’est avant tout une œuvre artistique dans l'esprit de Ken Loach, pleine d'humour, de créativité et de poésie. Cette troupe de jeunes comédiens tente des choses, réussit brillamment ou échoue parfois, mais leur énergie est communicative, leur talent d’écriture et de mise en scène est indéniable. Avis de Foudart  🅵🅵 " ŒUVRER SON CRI" Ecriture collective d’après une proposition de Sacha Ribeiro Mise en scène Sacha Ribeiro Avec Lucie Auclair, Logan De Carvalho, Alicia Devidal, Marie Menechi, Lisa Paris, Clément Soumy, Simon Terrenoire et Alice Vannier Scénographie Camille Davy • Lumière Clément Soumy • Costumes Léa Émonet • Vidéo Jules Bocquet • Son Nicolas Hadot Crédit photo ©Marion Bornaz Festival OFF Avignon THEATRE DE CARMES DU 5 au 21 JUILLET à 16h • durée 1h45

Une Plongée dans la Vie de Régine Tout le monde connaît Régine, cette figure emblématique de la nuit parisienne, cette chanteuse « titi parisienne », cette entrepreneuse. Elle a marqué notre imaginaire collectif par sa présence constante sur les écrans et dans les médias à tel point que le « monstre » public a occulté la femme pleine de secrets, de combats et de convictions. "Régine, jusqu’au bout de la nuit" nous plonge dans l'intimité de cette pionnière, dévoilant son enfance tumultueuse marquée par la guerre, ses amours, ses amitiés et sa relation complexe avec son fils, Lionel. Non, Régine, ce n’est pas qu’un oiseau de nuit. C'est une femme au caractère bien trempé et au verbe fort. C’est une aventurière, indépendante et émancipée avant l’heure, fragile et sensible. Partons donc à la découverte de cette femme étonnante à travers une série de portraits et de rencontres dans un spectacle au charme fou, qui aurait pu être totalement désuet, voire ringard, mais qui est devenu magique grâce au théâtre. Héloïse Wagner Redonne Vie à Régine Héloïse Wagner, grandement inspirée, a trouvé dans cette figure une source riche pour la création de ce spectacle. Avec Alexis Sequera, elle a coécrit cette pièce, évitant le biopic traditionnel pour offrir des éclats de vie, des scènes où les proches de Régine, comme son fils Lionel et son amie Françoise Sagan, livrent leur version des faits. Entrecoupés de chansons populaires et moins connues, ces monologues et dialogues peignent un portrait sincère de Régine, entre ses succès et ses blessures. Wagner, qui avait déjà incarné Kiki de Montparnasse avec brio, donne vie à Régine sans jamais l’imiter ou la caricaturer. Elle fait entendre avec sincérité les failles et les outrances de la chanteuse. La musique, jouée en direct par un accordéoniste, ajoute une dimension nostalgique et festive à ce vibrant hommage. Une Célébration de la Vie et de l’Art "Régine, jusqu’au bout de la nuit" est plus qu’un simple biopic et plus qu’un simple spectacle musical. C’est une célébration de la vie flamboyante de Régine. Héloïse Wagner incarne avec justesse et talent cette femme, révélant sa force de caractère et son tempérament fantasque. Avec "Régine, jusqu’au bout de la nuit", Héloïse Wagner et Alexis Sequera signent un hommage émouvant et vivant, faisant revivre la reine de la nuit pour une nouvelle génération. Un spectacle à ne pas manquer, qui devrait trouver une place de choix dans le paysage théâtral d’Avignon. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 « Régine, jusqu’au bout de la nuit » Un spectacle d’ Héloïse Wagner et Alexis Sequera Mise en scène Marion Motin, Héloïse Wagner, Alexis Sequera Chorégraphie Marion Motin . Avec Héloïse Wagner, Céline Espérin, Matthias Van Khache et Laurent Derache ou Dominique Emorine (Accordéon) Crédit photo © Frederique Toulet Festival OFF AVIGNON Théâtre Les Gémeaux Du 29 juin au 21 juillet à 19h05 • Relâches mardis 2, 9 et 16 juillet • Durée 1h20

Depuis 2006, Camille Decourtye et Blaï Mateu Trias, fondateurs de la compagnie Baro d'evel, dirigent une exploration artistique décloisonnée intégrant mouvement, acrobatie, voix, musique et présence d’animaux. Poussant les frontières de la performance, ils créent des œuvres immersives et multidisciplinaires qui interrogent notre rapport au monde et à nous-mêmes. Aujourd’hui, alors que tout s’effondre, la compagnie franco-catalane nous invite à une introspection collective avec leur spectacle « Qui som ? » au Festival d'Avignon. Qui Sommes-Nous ? En catalan, « Qui som ? » signifie « Qui sommes-nous ? ». C'est une réflexion sur notre identité et notre avenir. Comment, malgré les ruines et le constat du désastre, pouvons-nous inventer un récit, une fiction, comme une cérémonie pour ouvrir des chemins désirables ? Les douze artistes sur scène, de divers horizons et générations, accompagnés d'une enfant et d'un chien, sont invités à co-créer une cérémonie, un spectacle en forme de voyage immersif, marqué par l’inattendu, le présent, les échecs et l’entêtement à être et à devenir. Un Projet Collectif au Cœur de la Matière Le mouvement et le rythme sont les guides de ce projet, renforçant la puissance du groupe. Autour de l'argile et du recyclage de matières plastiques, les artistes explorent la rencontre de la matière et des corps en mouvement, avec une attention particulière pour la couleur et la fabrication d'objets. Entre Désastre et Résistance Sur scène, les tableaux, tous plus beaux les uns que les autres, s’enchaînent. Les vases en terre cuite et le sol de boue créent une installation qui bascule rapidement dans le burlesque. Les chutes et effondrements des corps se succèdent avec virtuosité, nous plongeant dans un rire partagé. Puis un tsunami de bouteilles en plastique se déverse sur scène, symbolisant le défi écologique actuel. Le spectacle joue sur les langues et les symboles, revisitant les thématiques de destruction et de reconstruction avec une énergie débordante. Une Expérience Critique et Politique Baro d'evel ne se contente pas de présenter un spectacle, mais offre une expérience immersive et critique, abordant des thèmes de communauté et de métamorphose. La compagnie met en avant la nécessité de vivre intensément, de se connecter aux autres et de trouver la poésie dans l'imperfection. « Qui som ? » est une invitation à la réflexion et à l'action, une célébration de l'art comme espace de transformation et de résistance. « Qui som ? », à travers le rire, se présente comme une cérémonie artistique et politique, un espace où la beauté et la résistance se rencontrent pour ouvrir des chemins désirables vers l'avenir. Par cette œuvre, Baro d'evel nous rappelle l'importance de l’art et de l’humanité dans la création d’un monde meilleur, même au milieu du chaos. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 QUI SOM? de Baro d’Evel Conception et mise en scène Camille Decourtye, Blaï Mateu Trias  Avec Lucia Bocanegra, Noëmie Bouissou, Camille Decourtye, Miguel Fiol, Dimitri Jourde, Chen-Wei Lee, Rita Mateu Trias en alternance avec Amir Ziegler, Yolanda Sey, Julian Sicard, Marti Soler, Maria Caroline Vieira, Guillermo Weickert, Blaï Mateu Trias  Crédit photo Christophe Raynaud de Lage / Festival d'Avignon Festival d’Avignon Cours du lycée saint Joseph Jusqu’au 14 juillet • DURÉE 2H30 • Dès 8 ans TOURNÉE Les 19 et 20 juillet 2024 Les Nuits de Fourvière, Lyon Du 25 au 27 juillet 2024 Festival GREC, Barcelone (ES) Du 2 au 4 août 2024 Festival La Strada, Graz (AU) Du 26 au 28 septembre 2024 Festival Romaeuropa, Rome (IT) Du 2 au 4 octobre 2024 Théâtre 71, scène nationale de Malakoff en collaboration avec le Théâtre Châtillon Clamart et le Théâtre Les Gémeaux Scène nationale – Sceaux Du 11 au 13 octobre 2024 Théâtre de Liège (BE) Du 31 octobre au 02 novembre 2024 Les Halles de Schaerbeek, Bruxelles (BE) Du 13 au 16 novembre 2024 Tandem scène nationale Arras-Douai Du 02 au 22 décembre 2024 ThéâtredelaCité, CDN Toulouse Occitanie Du 09 au 11 janvier 2025 Le Parvis, scène nationale de Tarbes Du 22 janvier au 1er février 2025 : MC93 CDN, Bobigny Du 18 au 22 février 2025 Comédie de Genève (CH) Les 5 et 6 mars 2025 Scène nationale d’Albi Du 18 au 21 mars 2025 Théâtre Dijon-Bourgogne, CDN Du 25 au 29 mars 2025 CDN de Rouen Les 02 et 03 avril 2025 Le Volcan, scène nationale du Havre Les 24 et 25 avril 2025 L’Équinoxe, scène nationale de Châteauroux Du 6 au 9 mai 2025 Scène nationale du Sud-Aquitain, Biarritz Les 14 et 15 mai 2025 Le Grand R, scène nationale de La Roche sur Yon Du 3 au 11 juin 2025 Les Célestins, théâtre de Lyon en collaboration avec le festival Utopiste et les Nuits de Fourvière Du 24 au 28 juin 2025 Scène nationale de l’Essone et le Théâtre Sénart Du 8 au 12 juillet 2025 Centro cultural Belem, Lisbonne (PT) Du 15 au 20 juillet 2025 Lavrar o mar (PT)

Le Secret des Secrets, une pièce captivante mise en scène par Benoit Solès, nous plonge dans une quête épique où l’histoire, l’amitié et l’alchimie se rencontrent. Tout commence à la British Library de Londres, où Jason Gray, fils du conservateur récemment décédé, découvre un mystérieux code laissé par son père. Accompagné de Susan, archiviste et petite amie de Jason, Billy, un jeune comédien paraplégique, et Megan, une étudiante en histoire, Jason s'embarque dans une aventure à travers les âges et les continents, de Londres à Moscou, pour percer le secret de la pierre philosophale. Inspiration Réelle et Fiction Historique La genèse de cette pièce remonte à une découverte fascinante par Megan Piorko, historienne américaine. En 2018, alors qu’elle travaillait sur sa thèse à la British Library, Megan tomba sur un manuscrit d’Arthur Dee, alchimiste du XVIIe siècle, contenant des textes cryptés. Convaincue de la portée de cette découverte, elle entreprit de déchiffrer le texte avec l’aide de chercheurs internationaux, aboutissant à une révélation potentielle de la recette de la pierre philosophale. Benoit Solès, après avoir lu un article de Science et Vie relatant cette histoire, fut inspiré pour créer une pièce de théâtre autour de cette aventure scientifique et historique. En contactant Megan Piorko, il parvint à mêler la rigueur de ses recherches avec une narration dramatique et captivante, ajoutant des éléments fictionnels sans compromettre l’authenticité scientifique de l’histoire. Une Mise en Scène Envoûtante Solès s'est entouré d'une équipe artistique expérimentée pour donner vie à cette histoire. Inspiré par les dessins de M.C. Escher, le décor se compose d'arcades et d'escaliers mystérieux, symbolisant les méandres de la recherche alchimique. Les documents consultés par les personnages sont projetés en arrière-plan, facilitant la compréhension de l'intrigue et accentuant l'aspect historique et scientifique du récit. La musique, les lumières et les costumes nous transportent du XVIIe au XXIe siècle, d’un Londres pluvieux à une Moscou intrigante. Une Aventure Humaine et Initiatique Le Secret des Secrets n’est pas seulement une quête alchimique; c'est aussi une exploration des liens humains. Les quatre jeunes protagonistes, chacun avec ses propres motivations et défis, forment une équipe soudée par l’amitié et la passion de la découverte. Leur voyage à travers les époques et les lieux est autant une quête de la pierre philosophale qu'une recherche de soi-même et des autres. Cette pièce, première mise en scène de Benoit Solès, l’auteur et comédien de "La Machine de Turing" moliérisée quatre fois en 2019, nous emmène dans un voyage émouvant et palpitant, où l’histoire et la fiction se rencontrent pour offrir une réflexion profonde sur la jeunesse, l'amitié, et notre éternelle fascination pour les mystères de la vie. Avec son mélange habile de faits historiques et de fiction dramatique, Le Secret des Secrets propose de magnifiques performances d’acteurs qui s’accordent à merveille. Mêlant les mécanismes des escape games, les mystères de l’alchimie, et une profonde réflexion sur les secrets de l’existence, cette œuvre transcende les époques et les genres, offrant une expérience théâtrale unique et inoubliable. Une pièce qui, tout comme les grandes aventures littéraires et scientifiques qui l'ont inspirée, continuera sans doute de fasciner et d'enchanter les spectateurs pour les années à venir. Avis Foudart 🅵🅵🅵 Le Secret des secrets Une pièce écrite et mise en scène par Benoit Solès Basée sur les recherches académiques de MEGAN PIORKO, phd. Avec Mathilde Moulinat Montaine Fregeai Axel Godard Gabriel Gozlan Crédit / Copyright Frédérique Toulet Festival Off d’Avignon 2024 Théâtre Actuel Avignon Du 29 juin au 21 juillet à 13h50 • Durée 1h25 • À partir de 12 ans

« J'ai été le compagnon de Karl Lagerfeld et l'amant d'Yves Saint-Laurent... Mais de moi que restera-t-il ? » Ange ou démon C’est en découvrant les enregistrements de Jacques de Bascher, le dandy des nuits parisiennes, la muse masculine, l’amoureux délaissé ou le gigolo de la mode que Gabriel Marc a eu l’idée de créer se spectacle sur cette étoile méconnue, toujours de côté derrière les deux plus grands génies de la mode. Fête, délire et décadence « La décadence est un mouvement très lent, très beau. Il peut s'agir d'une forme de suicide dans la beauté, une beauté tragique » Au centre d’un appartement cosy, Jacques de Bascher égrène ses souvenirs pêle-mêle et revit ses « années Palace » alcoolisées, ses rencontres secrètes avec Yves Saint-Laurent, sa passion tumultueuse avec Karl Lagerfeld et évoque tous ses projets avortés, mais soigneusement conservés. Loin d’être un simple Biopic, avec ce spectacle très réussi, nous plongeons dans l’intimité de cet homme, avec cette reconstitution poignante des années 70-80, merveilleuses et décadentes. L’homme qui ne savait rien faire, mais dont l’image était si primordiale « J’essaie de cacher que je ne sais rien faire avec de belles phrases, de belles chemises et de beaux sourires ». L’homme qui paraissait sans morale « c'est faux, j'ai la mienne, elle n'est juste pas partagée par tout le monde… » et, que plusieurs ont désigné responsable de tous les maux de la terre « je tue, je rends dépressif et je vend mon cul » reste un pur mystère, une énigme éternelle. Vérités maquillées et prises de consciences La grande idée de Gabriel Marc et de Guila Braoudé est de ne pas avoir essayé de suivre une trame chronologique et de nous transmettre, à travers ces cassettes fictives des bribes de la vie et de la pensée de Jacques de Bascher. Cela permet également un double jeu entre ce qu'il nous laisse entendre et ce qui peut se jouer sur scène. Gabriel Marc Cette pièce est aussi l'occasion d'évoquer, en pointillé, cette terrible époque où la vie était freinée par le SIDA et où des gens mouraient sans savoir pourquoi. « Jacques, c'est surtout, l'histoire d'un homme de l'ombre qui n'a pas su être aimé ». C’est un spectacle merveilleux, visuellement très beau et superbement interprété, une identification troublante de Gabriel Marc, séduisant et émouvant à souhait. Avis Foudart 🅵🅵🅵🅵 Jacques De Bascher Auteur et interprète Gabriel Marc Mise en scène Guila Braoudé Assistante mise en scène Cécile Coves Création lumière Jérôme Peyrebrune Chorégraphe Julien Mercier Décor Erwan Rio Crédit photo Fabienne Rappenaud Festival OFF Avignon Théâtre des Brunes du 03 au 21 juillet 2024 à 22h40 • déconseillé au moins de 16 ans