"La Solitude des Mues", un spectacle coécrit par Naéma Boudoumi et Arnaud Dupont, nous plonge dans les profondeurs de l'adolescence, un monde teinté de rêves, d'émotions et de fantasmes. Sur la scène du théâtre de la Tempête, cette œuvre explore les changements incessants qui marquent chaque étape de la vie, en particulier durant cette période fragile et transitoire qu'est l'adolescence. Le récit s'articule autour de Kiki, une adolescente vivant seule avec son père Pierre. Passionnée par la culture japonaise, notamment le mouvement kawaii, Kiki crée un monde virtuel où elle se déguise, se filme et interagit avec un univers numérique. Cependant, suite à des événements traumatiques, elle s'isole, basculant dans un monde où la réalité et l'onirisme se confondent. "La Solitude des Mues" aborde des thématiques fortes telles que la monoparentalité, l'isolement, l'adolescence et la difficulté de trouver sa place dans un monde en constante mutation. La pièce interroge également le rôle des écrans dans nos vies, offrant un espace de fuite mais aussi de fragilisation face à des images omniprésentes et parfois aliénantes. Le spectacle se distingue par sa mise en scène pluridisciplinaire, mêlant texte, chorégraphie, acrobaties et effets visuels pour créer un univers aussi captivant qu’inquiétant. Bien que l'engagement chorégraphique soit moins présent que prévu, les moments où il se manifeste ajoutent une dimension poétique et symbolique à l'histoire. Cependant, malgré ses ambitions oniriques et esthétiques, la pièce peine parfois à approfondir ses thèmes et à rendre visibles les inquiétudes profondes de la génération adolescente. Les questions de cyberharcèlement, d'isolement et de quête d'identité semblent effleurées plutôt qu'explorées en profondeur. Néanmoins, "La Solitude des Mues" reste une œuvre audacieuse et innovante qui invite à une réflexion sur les multiples métamorphoses de la vie, en rappelant que malgré les obstacles et les changements, il est toujours possible de se régénérer et de trouver un nouveau chemin. Avis Foudart 🅵🅵 LA SOLITUDE DES MUES Texte Naéma Boudoumi et Arnaud Dupont Mise en scène Naéma Boudoumi Avec Shannen Athiaro-Vidal, Elise Bjerkelund Reine, Naéma Boudoumi, Arnaud Dupont, Clara Paute, Victor Calcine et à l'image Lucas Garzo Mouvement chorégraphique Anna Rodriguez Création costumes Sarah Topalian • Scénographie Delphine Ciavaldini • Création vidéo Luc Battiston • Création lumière Charlotte Gaudelus • Création sonore Thomas Barlatier • Crédit photo (c) Luc Battiston, Foudart Théâtre de la Tempête Du 13 Janvier au 11 février • Du mardi au samedi 20h30 • Dimanche 16h30 • À partir de 13 ans

"Mondial Placard", la nouvelle comédie de Côme de Bellescize, présentée au Théâtre Tristan Bernard jusqu'à fin avril 2024, se distingue par son approche novatrice des clichés et stéréotypes. L'intrigue se déroule dans une entreprise, perturbée par la nomination de Marion comme directrice des ventes. Cette décision déclenche une série de réactions chez les cadres masculins, dont l'un se travestit en femme. Ponctuée de quiproquos et d'incidents extravagants, cette situation met en exergue les préjugés et idées préconçues liés aux rôles de genre. Des Clichés au Service du Message La pièce utilise adroitement les stéréotypes - du cadre machiste à la stagiaire féministe - non pas pour les perpétuer, mais pour encourager une réflexion plus profonde. Traités avec un humour à la fois mordant et sensible, ces archétypes deviennent des outils pour déclencher la discussion et la remise en question, nous incitant ainsi à réfléchir sur leur impact dans le monde réel. Innovation Scénique et Direction Artistique La mise en scène orchestrée par Bellescize se distingue par son ingéniosité et sa créativité. Caractérisée par des transitions entre les scènes fluides et dynamiques, elle captive immédiatement l'attention du public. L'utilisation astucieuse des éléments scéniques, en particulier du placard intelligent, enrichit visuellement le spectacle. L'ambiance de la pièce, mêlant ironie et modernité, reflète de manière pertinente les thèmes explorés, illustrant une direction artistique qui fait dialoguer tradition et innovation. Dans un mélange de vaudeville contemporain, de réflexions sur l'égalité des sexes et de satire du monde du travail, Côme de Bellescize livre une œuvre qui utilise les stéréotypes pour inviter à une réflexion approfondie et nuancée sur les enjeux actuels du milieu professionnel. Une Interprétation Éclatante Au cœur de "Mondial Placard", une troupe d'acteurs remarquable anime harmonieusement une galerie de personnages excentriques. Leur jeu, à la fois énergique et empreint de talent, transcende les stéréotypes et les caricatures pour donner vie à des figures authentiques et attachants. Grâce à un texte vif et percutant, ils naviguent avec aisance entre satire et émotion, engageant efficacement le public. Plus qu'une Comédie "Mondial Placard" transcende le genre de la comédie pour offrir une perspective nouvelle sur les dynamiques de genre dans le monde professionnel. Entre une mise en scène innovante, de belles performances et un scénario brillamment écrit, la pièce de Bellescize se révèle être un spectacle à la fois divertissant et provocateur. Elle se démarque comme une création théâtrale provocatrice, qui, tout en divertissant, invite à la réflexion et au dialogue sur les enjeux contemporains. Avis Foudart 🅵🅵 Mondial Placard Texte et mise en scène Côme de Bellescize Avec Eléonore Joncquez, Benjamin Wangermée, Jean Alibert, Clara Guipont, Gwenaëlle Couzigou, Ludovic Le Lez, David Talbot Scénographie Natacha Markoff • Lumière Thomas Costerg • Musique Yannick Paget Texte lauréat du prix théâtre 2023 FONDATION barrière THÉÂTRE TRISTAN BERNARD Jusqu'à fin avril 2024 • Mardi – Mercredi 20h • Vendredi 21h • Samedi 16h et 21h • Durée 1h40 • À partir de 15 ans

La scène parisienne vit actuellement l'éclat du spectacle "Céline", interprété par l'exceptionnelle Laure Mathis. Cette pièce réinvente l'icône québécoise Céline Dion, la métamorphosant d'une chanteuse en un personnage complexe et nuancé. La Métamorphose Audacieuse de Laure Mathis Laure Mathis, connue pour son rôle marquant dans "Doreen" de David Geselson, réalise une transformation audacieuse en incarnant une Céline Dion inattendue. S'éloignant de son style mélancolique habituel, elle brille avec sa chevelure blonde et son justaucorps scintillant, insufflant à son personnage une énergie captivante. Sa performance oscille habilement entre des improvisations époustouflantes et des récits burlesques. Elle apporte une touche d'originalité et d'ingéniosité qui, même flirtant avec la surcharge, rend son interprétation, unique et fascinante. Des Thématiques Profondes et Existentielles mais Dispersées Dans son spectacle captivant, Juliette Navis explore avec habileté et finesse des thèmes existentiels profonds comme le vieillissement, l'oubli, et la mort, utilisant le personnage de Céline comme un symbole pour sonder ces sujets délicats. Bien que la richesse et l’intelligence des thèmes soient indéniables, la pléthore de sujets abordés peut parfois disperser l'attention, menant à une certaine perte de focalisation et rendant difficile la saisie d'un message central cohérent. Un Voyage Émotionnel et Humoristique Ponctué d'humour percutant, "Céline" nous entraîne dans un périple extraordinaire, de la quiétude d'une forêt ancestrale à la frénésie du monde actuel, nous questionnant en tissant un récit émouvant où le personnage de Céline est à la fois rayonnant et profondément vulnérable. Une Trilogie Audacieuse Cette œuvre est le second volet d'une trilogie audacieuse de Navis, où des figures emblématiques s'arrêtent pour contempler le tourbillon de leur existence. Le premier chapitre, "J.C.", s'inspirait de la vie de Jean-Claude Van Damme, offrant une réflexion sur notre rapport à l'argent et au matérialisme. Au-Delà de la Musique Dans cette œuvre, Céline ne vient pas pour chanter, mais pour parler de thèmes souvent occultés par les célébrités. Elle nous interpelle dans un style proche du stand-up, mêlant réalité et fiction, et évoquant des personnages à la Jacques Rivette. Une Expérience Théâtrale Unique "Céline", par Juliette Navis, est une pièce qui, malgré son originalité et sa tentative de profondeur, peut laisser une impression de désorganisation et de manque de clarté. Mais au-delà, c'est aussi une réflexion profonde sur la célébrité, l'identité et la condition humaine. Alliant comédie, tragédie et mythologie, ce spectacle est une expérience théâtrale très originale, décadente et décapante. Un spectacle incontournable pour les passionnés d'art dramatique novateur. Avis Foudart 🅵🅵 Céline Un spectacle de Juliette Navis Collaboration à l’écriture Laure Mathis, Philippe Couture, Douglas Grauwels Dramaturgie Nils Haarmann Avec Laure Mathis Création sonore Antoine Richard • Création lumière Fabrice Ollivier • Scénographie Arnaud Troalic • Chorégraphie Romain Guion CENQUATRE PARIS Du jeudi 18 au samedi 20 janvier jeudi, 19h • Vendredi et samedi, 20h30 • durée 1h15

L'Essence de l'Œuvre "Abysses" est une œuvre poignante et profondément humaine. Née de la plume de Davide Enia, cette pièce explore avec délicatesse la fragilité de la vie et l'intimité des relations humaines, s'ancrant fermement dans les réalités dramatiques de notre époque. Le Contexte et l'Influence de Lampedusa Originaire de Palerme, l’auteur et comédien Davide Enia puise son inspiration dans l'île de Lampedusa, ce "caillou sicilien" situé entre la Tunisie et Malte, devenu le premier point de contact pour les migrants d'Afrique. Ce lieu, métamorphosé en un tragique cimetière marin, imprègne profondément son livre "La Loi de la mer" et sa pièce, magistralement adaptée en français par Alexandra Tobelaim. La Dynamique Père et Fils Un père et son fils, face à la Méditerranée, sont témoins des remous de l'Histoire, tout en tissant un rapprochement intime entre leurs deux âmes. Une Œuvre Multidimensionnelle Cette pièce, qui est à la fois théâtre et récit, se distingue par sa décharge d'énergie et de courage, explorant des rencontres, des fidélités et des urgences. Elle incarne une expérience humaine dans toute sa complexité, révélant dans ces interactions la genèse de ce projet captivant. Solal Bouloudnine : Un Talent à l'État Pur Solal Bouloudnine se révèle être un interprète d'une sensibilité et d'une fraîcheur remarquables, évoquant les rencontres avec des sauveteurs, pêcheurs et fossoyeurs de Lampedusa. Il incarne avec sincérité les émotions et les mots d'Enia et nous offre une interprétation particulièrement émouvante. Ses fragilités, notamment dans sa diction et son rythme très soutenu, intensifient la sensation de danger et d’urgence, amplifiant l'émotion. En parallèle, la musique de Claire Vallier vient enrichir la narration, apportant une dimension supplémentaire à cette exploration théâtrale. La Puissance de la Parole et le Défi du Langage "Abysses" est ancrée dans la puissance de la parole. La quête des mots justes, notamment pour le père taciturne d'Enia et pour l'auteur lui-même, devient une force motrice, révélant la capacité du langage à panser les plaies des tragédies humaines. Une Mise en Scène Respectueuse La mise en scène, très sobre, se distingue par son respect scrupuleux de ce texte magnifiquement construit et troublant. Un Miroir sur Nos Propres Abysses "Abysses", immense, différente et bouleversante, est un miroir tendu vers nos propres abîmes intérieurs. Elle nous rappelle que la compréhension de l'autre passe aussi par la reconnaissance et le dépassement de nos propres tourments intérieurs. Par sa justesse et son humanité, cette œuvre s'inscrit indélébilement dans le paysage théâtral contemporain. Un Spectacle à Ne Pas Manquer Ce saisissant spectacle, chaviré par une musique ondoyante, suscite en nous l’espoir autant que l’effroi. C’est à voir, assurément. Avis Foudart 🅵🅵🅵🅵 Abysses de Davide Enia Traduction Olivier Favier Mise en scène Alexandra Tobelaim Avec Solal Bouloudnine, Claire Vailler (guitare, voix) Composition musicale Claire Vailler et Olivier Mellano • Scénographie Olivier Thomas • Création lumière Alexandre Martre • Crédit photo © Eric Chenal CENTQUATRE PARIS Du 18 au 20 janvier 2024 • Le jeudi à 20h30, le vendredi et le samedi à 19h • Durée 1h15 THÉÂTRE 13 / Bibliothèque Du 28 février au 9 mars 2024 • Du lundi au vendredi à 20h, le samedi à 18h AUTRES DATES Le 6 février 2024 - ATP des Vosges - Épinal Du 9 au 10 février 2024 - Théâtre d'Esch-sur-Alzette - Luxembourg Du 13 au 14 février 2024 - Le Quai - CDN d'Anger Du 13 au 14 mars 2024 - Théâtre Sorano - Toulouse Le 21 mars 2024 - La Garance - Scène Nationale de Cavaillon Du 4 au 5 avril 2024 - CDNOI - La Réunion

"Je m’appelle Asher Lev", adaptée par Hannah-Jazz Mertens du roman de Chaim Potok et de la pièce d'Aaron Posner, navigue entre les mondes du théâtre et du roman. Quête de Liberté et Conflit Intérieur Cette pièce, ancrée dans le Brooklyn d'après-guerre, dépeint avec brio les conflits internes d'Asher Lev, un jeune juif orthodoxe, tiraillé entre les traditions et sa passion pour la peinture. L'approche adoptée confère à la pièce une dimension pédagogique, rendant l'expérience théâtrale à la fois éducative et immersive. Cependant, cet aspect didactique peut présenter un véritable défi, risquant de provoquer une certaine lassitude chez le spectateur. Mise en Scène et Défis Narratifs Bien que la mise en scène de Mertens soit remarquable pour sa finesse dans la retranscription de la sensibilité du roman, suscitant une empathie palpable pour cette famille prise dans le tourbillon de la grandeur artistique, la pièce présente un défi notable : les nombreuses didascalies, évoquant une écriture romanesque. Ces directions scéniques détaillées, bien qu'enrichissant la narration, peuvent parfois donner l'impression d'assister à un roman joué plutôt qu'à une pièce de théâtre traditionnelle. Dynamique des Personnages et Performances Les performances des acteurs, notamment celle de Benoît Chauvin dans le rôle d'Asher Lev (lors de la découverte de la pièce), restent captivantes, tant dans les moments de joie que dans ceux plus sombres. Stéphanie Caillol et Guillaume Bouchède, éclatants dans leurs multiples rôles, naviguent entre les personnages avec une dextérité impressionnante, apportant une fluidité qui compense l'effet parfois statique des didascalies. Scénographie Innovante La scénographie de Capucine Grou-Radenez, à la fois modulable et ingénieuse, enrichit la dynamique du spectacle. Tout en étant originale, elle doit naviguer habilement entre les éléments théâtraux et romanesques, créant des espaces qui illustrent les divers aspects de la vie d'Asher Lev avec une finesse remarquable. Réflexion sur l'Art et l'Identité "Je m’appelle Asher Lev" reste une pièce puissante qui aborde des thèmes universels tels que la quête d'identité, le conflit entre tradition et modernité, et le prix de l'art. Toutefois, son approche stylistique, mêlant théâtre et littérature, bien qu'innovante, peut ne pas résonner de la même manière pour tous les spectateurs. Cette œuvre est une invitation à explorer les limites floues entre ces deux mondes artistiques, offrant une expérience unique, mais potentiellement déroutante pour ceux qui cherchent une expérience théâtrale plus conventionnelle. Célébration de la Résilience Humaine Ce spectacle est, avant tout, une célébration de la résilience humaine, un hommage à ceux qui osent suivre leur passion malgré les obstacles. Une leçon de vie, à la fois douloureuse et magnifique, qui résonne longtemps après que le rideau soit tombé. Avis Foudart 🅵🅵🅵 JE M’APPELLE ASHER LEV D’après la pièce d’Aaron Posner Adaptée du roman du Chaïm Potok Adaptation française et mise en scène Hannah-Jazz Mertens Avec Guillaume Bouchède, Stéphanie Caillol, Martin Karmann ou Benoît Chauvin Musique Anne-Sophie Versnaeyen • Scénographie Capucine Grou-Radenez • Lumières Bastien Gérard • Crédit photo © Alejandro Guerrero Théâtre des Béliers Parisiens À partir du 12 janvier 2024 • Du mardi au samedi 19h00 • Dimanche 17h00

Du 18 janvier au 10 février 2024, le CENTQUATRE-PARIS accueille la 8e édition du festival Les Singulier·es, un événement culturel phare célébrant la diversité et la créativité artistique. Ce festival unique en son genre présente 17 projets audacieux, réunissant des personnalités artistiques variées et associées au CENTQUATRE-PARIS. José-Manuel Gonçalvès, à la tête de ce rendez-vous annuel, orchestre un programme éclectique où théâtre, arts visuels, performance, musique et danse s'entrecroisent pour offrir aux spectateurs une expérience artistique riche et singulière. Un Programme Riche et Varié Spectacles à l'Honneur Abysses (18-20 janvier) : Un monologue émouvant sur la crise des migrants, mis en scène par Alexandra Tobelaim avec le texte de Davide Enia. Céline (18-20 janvier) : Juliette Navis nous plonge dans un récit burlesque et introspectif avec la comédienne Laure Mathis. I am the same, yet so different (19-20 janvier) : Hashem Hashem explore la transformation personnelle et urbaine à travers une performance solo captivante. Des Explorations Théâtrales et Musicales PARTIE (19-21 janvier) : Tamara Al Saadi dépeint l'horreur de la guerre et les idéologies du patriotisme dans une pièce émouvante. Pères (25-27 janvier) : Une exploration des paternités modernes par Élise Chatauret et Thomas Pondevie. Les frères Sagot (25-27 janvier) : Luis et Jules Sagot offrent un regard tendre et réfléchi sur la fraternité et l'individualité. Moments Forts Qui a besoin du ciel : Tommy Milliot met en scène un drame familial intense écrit par Naomi Wallace. Péplum médiéval (1-3 février) : Une pièce grandiose et inclusive par Olivier Martin-Salvan et Valérian Guillaume. Barbara (par Barbara) (7-9 février) : Marie-Sophie Ferdane donne vie aux mots de l'icônique Barbara. Innovations et Expérimentations SOMNOLE (8-10 février) : Boris Charmatz nous entraîne dans un voyage entre rêve et réalité. C’LE CHANTIER : Des répétitions publiques offrant un aperçu des processus créatifs des artistes. Un Festival Unique Les Singulier·es 2024 ne se contente pas de présenter des spectacles, mais il questionne et repousse les frontières des disciplines artistiques. Chaque performance est un acte de réflexion sur notre société et ses valeurs, offrant une plateforme aux voix singulières et puissantes. Le CENTQUATRE-PARIS, avec ce festival, confirme son engagement en faveur de la diversité artistique et de l'innovation. Les Singulier·es s'impose donc comme un rendez-vous incontournable pour les amateurs d'art et de culture, offrant une fenêtre sur les préoccupations, les rêves et les espoirs de notre époque. Le festival Les Singulier·es 2024 est une célébration de la créativité sous toutes ses formes, un hommage vibrant à l'art de penser et de créer différemment Festival Les Singulier·es 2024 8e édition CENTQUATRE-PARIS Du 18.01 au 10.02.2024 #théâtre #artsvisuels #performance #musique #danse Au programme Alexandra Tobelaim / Davide EniaAbysses18 > 20.01.2024 Juliette NavisCéline18 > 20.01.2024 Hashem HashemI am the same, yet so different19 > 20.01.2024 Tamara Al SaadiPARTIE19 > 21.01.2024 C’LE CHANTIER : Yacine Sif El IslamABUS II19.01.2024 Stéphanie AflaloJusqu’à présent personne n’a ouvert mon crâne pour voir s’il y avait un cerveau dedans24 > 27.01.2024 Stéphanie AflaloL’Amour de l’art24 > 27.01.2024 Chloé Dabert / Lucie BoisdamourRAPT24 > 29.01.2024 Élise Chatauret et Thomas PondeviePères25 > 27.01.2024 Luis Sagot et Jules SagotLes frères Sagot25 > 27.01.2024 Tommy Milliot / Naomi WallaceQui a besoin du ciel25.01 > 10.02.2024 Olivier Martin-Salvan / Valérian GuillaumePéplum médiéval01 > 03.02.2024 Tommy Milliot / Angus CeriniL’arbre à sang02 > 10.02.2024 C’LE CHANTIER : Clément SibonyCarte blanche : Speak up for Freedom!06.02.2024 Marie-Sophie Ferdane et Olivier MargueritBarbara (par Barbara)07 > 09.02.2024 Boris CharmatzSOMNOLE08 > 10.02.2024 C’LE CHANTIER : BRAVO BAPTISTELa Boue et l’Or08.02.2024

"Jean Zay, l'Homme Complet", pièce de théâtre profondément émouvante, incarne à la perfection la vie et l'esprit de Jean Zay, figure emblématique du Front Populaire et symbole de résistance. Le spectacle, en hommage à cet homme d'exception assassiné le 20 juin 1944, célèbre en 2024 le 80ème anniversaire de sa disparition, incarnant ainsi un symbole fort de résistance et de résilience face à l'adversité. Xavier Béja, dans le rôle de Jean Zay, offre une performance saisissante, plongeant le public dans l'univers intime et complexe de cet homme d'État, résistant, intellectuel et écrivain. Sa représentation, tout en finesse et intensité, illustre la force de caractère et la profondeur morale de Jean Zay, notamment à travers ses écrits en captivité, "Souvenirs et solitude". Chaque inflexion de sa voix, chaque expression de son visage, chaque geste semble en parfaite harmonie avec l'esprit de Jean Zay, offrant ainsi un éclairage précieux sur le tragique destin de cet homme meurtri qui refusa de renoncer jusqu'au bout. La mise en scène de Michel Cochet, alliant sobriété et précision, crée un espace de réflexion et d'émotion. L'utilisation stratégique de l'espace scénique, de la lumière et du son renforce cette atmosphère particulière, soulignant l'intensité émotionnelle du récit sans éclipser la performance captivante de Béja. Les éléments de scénographie, tels que les images d'archives et la musique d’Alvaro Bello, viennent compléter cette expérience immersive, rappelant l'importance des valeurs républicaines et du combat pour la liberté. "Jean Zay, l'Homme Complet" est bien plus qu'une pièce de théâtre ; c'est un hommage vivant et vibrant à un homme qui, par son œuvre et sa vie, demeure un guide lumineux pour les générations actuelles et futures. La combinaison de la performance émouvante de Béja et de la mise en scène habile de Cochet offre une expérience théâtrale inoubliable, éveillant une appréciation renouvelée pour l'héritage de Jean Zay. Ce spectacle est un rappel essentiel de l'histoire, une leçon de courage et de détermination qui résonne avec force dans notre présent. Avis Foudart 🅵🅵🅵 Jean Zay, l'Homme Complet Adaptation et jeu Xavier Béja Mise en scène Michel Cochet Décor, Costumes Philippe Varache • Vidéo Dominique Aru • Lumières Charly Thicot • Création sonore Alvaro Bello Théâtre Essaïon Plusieurs représentations jusqu’au 26 mars à 19h15 • Durée 1h15 Dates à venir 28-29 février- 1er mars 2024 Théâtre de Saint-Maur 9 mars Théâtre Jean Vilar, Montpellier 14 mars 2024 La Halle, Limogne-en-Quercy

Les Emmy Awards, cette nuit aux États-Unis, ont célébré les séries "Succession" et "The Bear" qui, en tant que grandes favorites, ont réellement triomphé. La série "Succession" a remporté pour la troisième fois le prix de la meilleure série dramatique, confirmant ainsi son succès après ses victoires en 2020 et 2022. Cette saison ultime a remporté un total de six prix, soulignant la force de cette production HBO. Elle dépeint la rivalité au sein de la famille Roy, à la tête d'un empire médiatique, évoquant subtilement l'influence de figures telles que Rupert Murdoch. Le scénariste de "Succession" a reconnu les parallèles entre la série et la politique américaine, notamment dans la manière dont la couverture médiatique partisane s'entremêle avec une politique de droite. Les acteurs de "Succession" ont dominé les catégories dramatiques, avec des victoires pour Kieran Culkin, Sarah Snook, et Matthew Macfadyen. Quant à "The Bear", cette série a confirmé son statut de révélation dans le paysage télévisuel américain. Sa première saison, qui explore les coulisses tumultueuses d'un restaurant de Chicago, a remporté le prix de la meilleure comédie, ainsi que ceux de la meilleure réalisation et écriture. Jeremy Allen White, Ayo Edebiri et Ebon Moss-Bachrach ont été récompensés pour leurs performances. En dehors de ces succès, la série "Abbott Elementary" a également brillé, avec Quinta Brunson recevant le prix de la meilleure actrice pour sa performance dans ce faux documentaire parodique. Par ailleurs, la mini-série Netflix "Acharnés" a dominé la catégorie des mini-séries, avec des prix pour Steven Yeun et Ali Wong. Les Emmy Awards, perturbés par les grèves à Hollywood, ont dû reporter leur cérémonie à janvier, impactant ainsi leur audience. Néanmoins, ils restent un événement majeur de la télévision américaine, avec une 75e édition qui a dû naviguer entre plusieurs grands événements hollywoodiens. Ils prévoient de revenir en septembre pour récompenser les séries diffusées à partir de l'automne 2023.

Si vous êtes curieux d'apprendre une multitude de choses, ou peut-être de vous perdre délicieusement dans les méandres de la connaissance, "Le Problème Lapin" est un spectacle conçu pour vous. En 1h et 30 questions, Frédéric Ferrer, ancien géographe reconverti en auteur, comédien, et metteur en scène, nous plonge dans un univers où le lapin se transforme en leitmotiv d'une aventure intellectuelle aussi captivante que déroutante. Une Conférence Unique en son Genre Ce septième volet d'un cycle de vraies-fausses conférences, débuté en 2010, se démarque par une approche originale. Mêlant la science, l’histoire, l’écologie, et même l’anatomie féminine, le spectacle pose des questions existentielles sur des sujets aussi divers que le nombre d’or, les déplacements migratoires, et les grandes exterminations. Un Cadre Théâtral Innovant Frédéric Ferrer, accompagné de la comédienne Hélène Schwartz, transforme la scène en un espace ludique et éducatif. Sur un carré d'herbe synthétique verte, entouré de deux pupitres de conférence et deux écrans, ils engagent le public dans une série de questionnements profonds, avec une énergie folle et soutenus par des supports visuels variés, tels que des diagrammes, équations, et gravures médiévales. Exploration de la Dualité Lapine Le spectacle aborde la dualité du lapin - une créature à la fois innocente et invasive - et se demande si elle est un marqueur de l’impact humain sur la nature ou un symbole de la résilience écologique. Cette approche à double tranchant, typique de Ferrer, joue avec les paradoxes pour mieux nous éclairer. Un Voyage à travers le Temps et l'Espace Dans "Le Problème Lapin", Ferrer et Schwartz explorent l'histoire naturelle et culturelle du lapin, révélant son rôle inattendu dans les dynamiques humaines et sa prolifération dans des écosystèmes variés. C'est un voyage à travers le temps et l'espace, où chaque question ouvre sur de nouvelles perspectives, parfois surprenantes, parfois troublantes et souvent très drôles. Mais, plus qu'une simple conférence sur un animal, "Le Problème Lapin" est une réflexion multidisciplinaire qui nous pousse à considérer les enjeux écologiques et sociétaux avec une nouvelle acuité. En sortant de ce spectacle, vous serez peut-être un peu plus éclairé, ou peut-être encore plus confus, mais certainement pas indifférent à l'impact complexe de ce petit mammifère sur notre monde. Surprenant et ébouriffant, mais aussi captivant et passionnant Ce spectacle qui mélange humour, science et réflexion sociétale, offre une expérience théâtrale unique. L'érudition et la satire se côtoient pour éveiller la conscience écologique de chacun, faisant de "Le Problème Lapin" de Frédéric Ferrer et Hélène Schwartz un incontournable pour tous ceux qui s'intéressent à l'impact de l'homme sur son environnement et à la préservation de la biodiversité. Avis Foudart 🅵🅵🅵 Le Problème lapin - cartographie 7 Un spectacle de Frédéric Ferrer Avec la complicité d'Hélène Schwartz Crédit photo ©Vincent Beaume Théâtre du Rond-Point 10 — 27 janvier 2024 • Du mardi au vendredi, 19h30 • samedi, 18h30 • Durée 1h15 Tournée 7 et 8 février 2024 Centre Culturel André Malraux - Scène nationale / Vandœuvre-lès-Nancy (54) 19 avril 2024 Le Manège, Scène nationale transfrontalière / Maubeuge (59) 16 mai 2024 Les Quinconces L’espal - Scène nationale / Le Mans (72)

Dans une mise en scène audacieuse et vibrante, Louis Arene et le Munstrum Théâtre présentent "40° sous zéro", un diptyque théâtral comprenant "L’Homosexuel ou la Difficulté de s'exprimer" et "Les Quatre Jumelles". Ces pièces, véritables joyaux du dramaturge argentin Copi, nous plongent dans un univers à la fois monstrueux, hilarant et profondément subversif. Ici, le changement de sexe est un choix volontaire et la mort n'est qu'une porte vers une résurrection dans un ballet post-apocalyptique jubilatoire. Le Théâtre de l'Extravagance et de la Métamorphose "Copi dynamite les codes conventionnels, bouleverse les attentes dramaturgiques et utilise audacieusement divers éléments culturels pour créer un univers unique et polymorphe. Ses pièces, souvent extravagantes, explorent des thèmes marginaux et se libèrent des conventions du théâtre classique. Elles offrent ni dénouement conventionnel, ni leçon explicite, mais plutôt une exploration de thèmes à travers un jeu rythmé et un usage innovant des outils théâtraux, où la performance des acteurs est synonyme de catharsis." - Arene, en fidèle disciple de Copi, crée un univers où la fluidité des genres et la métamorphose sont des motifs récurrents. Les personnages, évoluant dans des décors glaciaux, symbolisent les luttes fratricides et les tensions existentielles. Ces pièces ne racontent pas simplement des histoires ; elles invitent à un voyage à travers les marges de la société et de l’humanité. Une Rébellion Contre les Conventions Le travail de Louis Arene sur ces pièces représente une rébellion contre les normes dramaturgiques établies. Il intègre avec aisance divers éléments de la culture populaire, de la littérature classique et de la comédie, créant ainsi un théâtre à l’esthétique riche et variée. Sous sa direction, les pièces de Copi deviennent des espaces de liberté artistique où l'absence de dénouement conventionnel souligne la complexité de la condition humaine. Un Miroir de la Société et de la Politique Le choix de décors tels que la Sibérie et l'Alaska est significatif : ils servent de métaphores aux années de dictature en Argentine, un sujet cher à Copi. Cette ambiance oppressante se manifeste dans les luttes incessantes des personnages, avec des rôles de dominant et dominé constamment inversés, offrant une critique sociale et politique poignante. L'Innovation Scénique de Louis Arene La mise en scène de Arene se distingue par son approche innovante, sa richesse visuelle et sonore. L'utilisation de masques, de costumes extravagants par Christian Lacroix, et d’une scénographie immersive, conjuguée à la puissance des performances, crée un spectacle à la fois troublant et captivant. Cette production n'est pas seulement un régal pour les yeux et les oreilles ; elle est une exploration profonde des thèmes de l'identité, du pouvoir et de la résilience. « Une transe joyeuse et dévastatrice » Avec "40° sous zéro", Louis Arene et le Munstrum Théâtre offrent une expérience théâtrale rare et mémorable. Ils saisissent l'essence de l'œuvre de Copi, la transformant en un spectacle qui défie, divertit et incite à la réflexion. C'est un triomphe de l'expression artistique, démontrant que le théâtre reste un espace vital pour explorer les complexités de notre monde. Avis Foudart 🅵🅵🅵🅵 40° sous zéro L'Homosexuel ou la Difficulté de s'exprimer & Les Quatre Jumelles Texte Copi Mise en scène Louis Arene Conception Louis Arene et Lionel Lingelser Dramaturgie Kevin Keiss Avec Louis Arene, Sophie Botte, Delphine Cottu, Olivia Dalric, Alexandre Ethève, Lionel Lingelser, François Praud Création costumes Christian Lacroix • Scénographie et masques Louis Arene • Création lumière François Menou • Création sonore Jean Thévenin • Crédit photo © Darek Szuster Théâtre du Rond-Point 11 — 27 janvier 2024 • Du mardi au vendredi, 20h30 samedi, 19h30 • Relâche les dimanches et lundis • Durée 1h45

"Avec ma femme, nous nous serrons la main avec une force renouvelée, solidaires face à la tempête, plus unis que jamais." – extrait Gaël Leiblang, ancien journaliste sportif et réalisateur pour la télévision, a marqué les esprits en décidant de se mettre en scène et de partager son histoire personnelle à travers son spectacle en solo intitulé "Tu seras un homme papa". Depuis sa première représentation en 2017, cette pièce a remporté un immense succès, se produisant à deux reprises au festival d'Avignon (2017, 2018) avant d'entamer une tournée en France et à l'étranger. Pour notre plus grand bonheur, elle est de retour cette année au festival Off d'Avignon 2023. En 2014, Gaël devient père de Roman, mais leur bonheur est de courte durée. Roman naît prématurément avec une malformation de l'œsophage et est diagnostiqué avec le syndrome CHARGE. Treize jours après sa naissance, il décède… Bien plus qu'une simple représentation théâtrale C'est une expérience émotionnelle intense où Gaël Leiblang nous livre son parcours de résilience après la perte tragique de son enfant. C'est l'histoire d'une rencontre fulgurante entre un père et son fils. D'un côté, un homme engage son plus grand combat, le plus intime. De l'autre, un nouveau-né traverse la vie à la vitesse de l'éclair : 13 jours de vie, d'incertitudes, d'espoirs, de tendresse et de larmes. Seulement deux ans après la perte de Roman, Gaël Leiblang a ressenti l'urgence de partager cette histoire douloureuse. Il exprime : "Il y avait l'urgence de rester debout, de tenir, de survivre, de parler aussi de ce petit garçon que personne n'avait connu." Avec pudeur et en utilisant la métaphore de l'épreuve sportive, il nous dépeint les fragments éclatés de cette expérience, semblables à ces moments de vie qui nous marquent à jamais. Le pouvoir cathartique du théâtre est au cœur de cette performance Après six années de représentations à travers le monde, Gaël Leiblang aborde aujourd'hui cette histoire avec davantage de douceur et de recul. C'est pourquoi il a décidé de reprendre le spectacle à Avignon cette année. Le sport l'a forgé, mais c'est le théâtre qui l'a sauvé. Malgré l'épreuve, il souligne que la vie a continué pour sa famille et qu'ils ont réussi à survivre. "Tu seras un homme papa" est porté par la remarquable performance de Gaël Leiblang, qui s'investit corps et âme dans ce rôle. "Le texte de Gaël est arrivé sans prévenir, bouleversant, fragmenté, poétique. C'est une expérience unique de porter à la scène un événement tragique avec l'un des protagonistes." – Thibault Amorfini, metteur en scène. Ce texte dévoile l'expérience humaine indicible de la mort d'un enfant, souvent entourée de tabous. "Tu seras un homme papa" est une invitation à embrasser la vie avec toutes ses imperfections, à trouver la force de surmonter les épreuves et à partager nos histoires les plus intimes. C'est un témoignage poignant sur la résilience humaine et sur notre capacité à se reconstruire même après les moments les plus sombres de notre existence. Avis Foudart 🅵🅵🅵🅵 TU SERAS UN HOMME PAPA Auteur et interprète Gaël Leiblang Mise en scène Thibault Amorfini Crédit photo © Véronique Fel En replay sur France TV - Culture Box Spectacle vu FESTIVAL OFF AVIGNON - THÉÂTRE LA LUNA

Règle du jeu : réinventer sa biographie. "Revivre sa vie, rejouer sa partie, envisager d'autres passés pour envisager d'autres futurs... parce que tout aurait pu se dérouler différemment, avec un peu plus de chance, moins de peurs, ou davantage de fantaisie." - Frédéric Bélier-Garcia Soudain, la lumière illumine cinq comédiens au centre de la scène. Kürmann, cet homme, se voit offrir l'opportunité de revivre les moments clés de sa vie, d'altérer un geste, un mot, de détourner le cours des événements, et surtout, d'éviter une rencontre – celle avec Antoinette, le miracle et le cauchemar de son existence. Rêve, polar, destin ? Qui sont-ils, ces personnages ? Des biographes, un auteur, un metteur en scène, un juge, Dieu ? Cet homme est-il encore en vie, et a-t-il la chance de changer le cours de son histoire ? Est-il mort, vivant une sorte de rédemption ? Sommes-nous au théâtre ou dans la réalité ? Est-ce une comédie, une tragédie, une fable ? Nous ne le saurons jamais, et chacun peut interpréter l'histoire à sa guise. En fin de compte... ce n'est pas l'essentiel, car le jeu a déjà commencé ! Biographie : un jeu ou le champ des possibles En 1999, Frédéric Bélier-Garcia réalise sa première mise en scène avec cette pièce de Max Frisch, un triomphe retentissant. Aujourd'hui, il revisite cette comédie vertigineuse, y insufflant l'air vif et amer du présent avec une maturité renouvelée. "Maintenant, je partage l'âge des personnages. Certaines situations me touchent davantage, alors qu'autrefois elles n'étaient que théoriques." - Frédéric Bélier-Garcia Le texte original reste inchangé, mais la vision de Bélier-Garcia s'est transformée. Cette partie d'échecs, à la fois féroce et humoristique, où la vie peut être revisitée et remodelée selon nos désirs, impulsions ou lâchetés, conserve toute sa force percutante. "Si c'était à refaire" Max Frisch revisite un rêve ancien, probablement aussi vieux que la mélancolie, mais avec une intention claire : nous en libérer par une comédie mordante. Frédéric Bélier-Garcia se donne aussi la chance de tout recommencer. Comme si un jour, un simple geste – offrir une cigarette, envoyer une lettre, ou ne pas se retourner – pouvait orienter notre vie vers un tout autre chemin. Voici une biographie alternative ! "Je refuse de croire que notre biographie, la mienne, la vôtre, ou n'importe quelle autre, ne puisse pas prendre une direction complètement différente. Il suffit d'un comportement différent... Ne serait-ce qu'une fois..." - EXTRAIT, Kürmann s'adressant au Biographe Ce jeu de destin où la fin n'est que le début Dans ce jeu aux conséquences insoupçonnées, le charme et la justesse d'Isabelle Carré rencontrent l'humour décalé de José Garcia, tous deux plongeant avec délice dans le mélodrame. La présence scintillante du pianiste Simon Froget-Legendre et l'excentricité d'Ana Blagojevic et Ferdinand Régent-Chappey ajoutent mystère et dérision à ce spectacle envoûtant. Avis Foudart 🅵🅵🅵 BIOGRAPHIE : UN JEU De Max Frisch Mise en scène Frédéric Bélier-Garcia Avec José Garcia, Isabelle Carré, Jerôme Kircher, Ana Blagojevic, Ferdinand Régent-Chappey Piano Simon Froget-Legendre en alternance avec Tristan Garnier Décors Alban Ho Van THEATRE MARIGNY DU 17 JANVIER AU 17 MARS 2024 • DU MERCREDI AU SAMEDI À 20H • LE DIMANCHE À 15H • Spectacle vu au Théâtre du Rond-point