Que recherchez vous sur FOUD'ART Blog...

À l'approche des fêtes de fin d'année, le Royal Ballet apporte une touche de magie avec son spectacle préféré, "Casse-Noisette", retransmis en direct au cinéma le mardi 12 décembre 2023. Cette production enchanteresse, créée par Peter Wright pour le Royal Ballet en 1984, a su conquérir les cœurs du monde entier et devenir une tradition familiale incontournable pour Noël. L'adaptation de Peter Wright est reconnue pour son respect du scénario original de Marius Petipa et d'E.T.A. Hoffman, tout en apportant une fraîcheur unique. Julia Trevelyan Oman, avec ses décors époustouflants, et Mark Henderson, le concepteur-éclairagiste, contribuent à créer un univers féérique inoubliable. La musique emblématique de Tchaïkovski est dirigée avec brio par le chef d'orchestre Andrew Litton. Le spectateur est transporté dans un monde où la musique et la danse s'unissent pour raconter une histoire fascinante : celle de Clara, interprétée par Sophie Allnatt, qui, accompagnée de son Casse-Noisette enchanté, Leo Dixon, se lance dans une aventure merveilleuse la veille de Noël. Ils affronteront le Roi des Souris et voyageront au Royaume des Friandises, où ils rencontreront la Fée Dragée et son prince, joués par les étoiles du ballet, Anna Rose O'Sullivan et Marcelino Sambé. La chorégraphie époustouflante, imaginée par Peter Wright d'après Lev Ivanov, promet de captiver le public. Cette diffusion en direct dans environ 950 cinémas à travers 22 pays offre une occasion exceptionnelle de vivre cette expérience joyeuse sur grand écran.Le spectacle, d'une durée de 170 minutes avec entracte, est une invitation à plonger dans un conte de fées où la magie de Noël et l'art exquis de la danse classique se rencontrent. "Casse-Noisette" du Royal Ballet, un événement à ne pas manquer, promet d'être un spectacle envoûtant qui émerveillera les spectateurs de tous âges. En direct depuis le Royal Opera House de Londres, cette production offre une célébration spectaculaire de la saison festive, alliant tradition et innovation pour créer une expérience inoubliable. CASSE NOISETTE ROYAL OPERA HOUSE SAISON CINEMA LIVE 2023 /2024 En direct au cinéma, le 12 décembre 2023 Plus d'infos Trouvez votre cinéma

Il était une fois, dans une maisonnette isolée au cœur d'une forêt lointaine, une petite fille qui s'ennuyait profondément, délaissée par sa mère trop occupée. Poussée par son désir de liberté, elle décida un jour de confectionner un gâteau pour sa grand-mère, vivant de l'autre côté de la forêt. « Promenons-nous dans les bois, pendant que le loup n’y est pas ». Pourtant, le loup, menaçant, est bien là. Il rôde, aux aguets dans le bois. Un voyage initiatique Ce récit explore la relation complexe entre une mère débordée et sa fille en quête d'attention, et où le loup, symbole des dangers qui guettent en dehors de la sécurité du foyer familial, représente l'inconnu, ainsi que l'excitation liée à la désobéissance et à la transgression. Une exploration poétique des interdits, du désir d'évasion " Elle aperçut aussi deux grands yeux qui avaient l'air d'observer dans sa direction. Elle pensa qu'elle n'avait jamais rien vu d'aussi beau et elle eut tout de suite envie de s'approcher. Ce n'était pas une chose ordinaire qu'elle avait devant elle. C'était même vraiment une très belle chose cette chose qu'elle avait devant elle. La petite fille pensa qu'elle en avait peur, c'est vrai, mais que cette chose ne ressemblait en rien à la bête monstrueuse qu'elle s'attendait à rencontrer dans les bois, comme le lui avait prédit sa maman, au contraire." - Extrait Dans son adaptation qui reste très fidèle à l'esprit du conte, "Le Petit Chaperon Rouge", Joël Pommerat dépasse la notion de spectacle pour enfants et s'adresse à toutes les générations. En explorant l'art de la narration et du théâtre, il confère à son œuvre une dimension plus profonde et universelle, où la lumière façonne l'espace et où le silence est aussi significatif que les mots. Une œuvre captivante et moderne Le loup devient une créature fascinante et désir d'indépendance, inhérent à l'enfance, se mêle à la peur, dans un mélange déroutant de contradictions. Les comédiennes Nina Ballester et Nina Cruveiller, au-delà d'une simple interprétation, transcendent les conventions du conte. Elles représentent une célébration de la féminité, une force guerrière et résiliente face à un monde masculin et rude, et transforment cette histoire familière en un magnifique spectacle visuel et théâtral. Il n'est donc pas étonnant que cette pièce, créée en 2004, continue de tourner et de captiver le public, en France et à l'international. Un « écrivain de spectacles » Le théâtre de Pommerat, bien plus qu'un divertissement, se fait espace de réflexion et de dialogue avec nos propres vécus et expériences. Ce spectacle ne se contente pas de divertir ; il interroge, émeut et inspire, témoignant ainsi du pouvoir du théâtre de réimaginer et de revitaliser les contes traditionnels. Il nous rappelle avec force que le théâtre est un lieu privilégié où les récits anciens peuvent être réinventés, acquérir une nouvelle dimension, continuer à fasciner et à éclairer, tout en résonnant avec éloquence auprès des spectateurs d'aujourd'hui. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 LE PETIT CHAPERON ROUGE Auteur Joël Pommerat Mise en scène et interprétation Nina Ballester, Nina Cruveiller Collaboration artistique Barthélémy Fortier Scénographie Lola Seiler • Composition musicale Edouard Demanche • Chorégraphie Léa Souleille • Création lumière Pierre Peyronnet, Nicolas de Castro • Crédit photo Jean Pierre Bozon Théâtre de la Huchette Du 6 novembre au 4 décembre 2023 • Le samedi à 16h • Le lundi à 19h

Nicolas Le Bricquir, un jeune talent du monde du théâtre, nous présente son spectacle "Denali", une œuvre captivante qui a brillamment remporté le prix du public au Prix Théâtre 13 / Jeunes metteurs en scène en 2021. Cette pièce, dont la maquette avait déjà suscité un intérêt considérable, mérite aujourd'hui une vraie attention de la part des amateurs de théâtre. Depuis 2019, Le Bricquir se consacre à la création de 'Denali', un thriller policier inspiré d'une histoire vraie, à la fois effrayante et captivante. Cette pièce explore le désarroi de la jeunesse contemporaine, mêlant habilement horreur et suspense pour offrir une expérience théâtral immersive et troublante. À travers 'Denali', Le Bricquir cherche à éveiller l'empathie pour ses personnages attachants et complexes, tout en évitant de juger ou de moraliser sur l'usage des réseaux sociaux. 'Denali' raconte la tragique histoire de Cynthia Hoffman, une jeune fille de 19 ans retrouvée morte, ligotée et bâillonnée dans la rivière Eklutna en Alaska. Les deux dernières personnes à l'avoir vue vivante sont les adolescents Denali Brehmer et Kayden McIntosh. Au fil de l'enquête, ils se révèlent être des figures centrales ambiguës, tour à tour victimes et coupables. « Leur objectif : être riches et célèbres, car c'est cela, selon eux, réussir à tout prix. Jusqu'à commettre l'irréparable ! » Dans sa note de mise en scène, Le Bricquir révèle sa fascination pour les dilemmes moraux, les questions de conditionnement et de libre arbitre. Il souhaite confronter les spectateurs à ces thèmes, utilisant l'histoire pour éveiller empathie et malaise. Le spectacle, composé de trois épisodes et reprenant tous les codes des séries télévisées comme "True Detective", se distingue par une scénographie captivante, des jeux de lumière subtils et une bande sonore envoûtante. Ces éléments sont soigneusement orchestrés pour intensifier l'atmosphère d'un thriller policier. La lumière, utilisée avec ingéniosité, sculpte l'espace scénique, nous guidant à travers les lieux emblématiques de l'intrigue. La musique, jouée en direct, renforce la tension dramatique, offrant une expérience immersive. Influencés par ces récits, les jeunes personnages se voient comme les héros tragiques de leur propre série d'action. "Denali" se démarque par son originalité et sa puissance narrative, captivant le spectateur du début à la fin avec son intensité et ses rebondissements imprévisibles. Grâce à une mise en scène innovante, cette expérience théâtrale se révèle unique, attirant non seulement les amateurs de théâtre traditionnel, mais aussi un public plus jeune, généralement plus enclin à se tourner vers les médias numériques. "Denali" est bien plus qu'un spectacle ; c'est une réflexion profonde sur les dangers et les illusions du monde numérique, portée par une mise en scène ingénieuse et des performances captivantes. Ce spectacle est une exploration audacieuse de la condition humaine moderne, offrant une expérience théâtrale inoubliable qui restera gravée dans les mémoires. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 DENALI Lauréat du Prix du public 2021 Concours jeunes metteurs en scène / théâtre 13 Un spectacle créé et mise en scène par Nicolas LE BRICQUIR Avec Lucie BRUNET, Caroline FOUILHOUX, Lou GUYOT, Jeremy LEWIN, Lauriane MITCHELL, Guillaume RAVOIRE ou en alternance Edouard ETFIMAKIS, Anouk VILLEMIN et Charlotte LEVY Photographies Dimitri Klockenbring et © Louise Guillaume STUDIO MARIGNY - 30 dates exceptionnelles - Actuellement • Du mercredi au samedi à 20h30 • Le dimanche à 16h

Conçu par Marc Lavoine et Fabrice Aboulker, "Les Souliers Rouges", le spectacle musical, fait son grand retour. Après un lancement réussi aux Folies Bergère en 2020, le spectacle revient pour enchanter à nouveau le public parisien et français. Les représentations prévues les 9, 10, et 11 février 2024 à la Salle Pleyel à Paris, suivies d'une tournée nationale, marquent un moment très attendu par les amateurs de théâtre musical. Une adaptation féerique du conte d'Andersen Inspiré du conte classique de Hans Christian Andersen, "Les Souliers Rouges" offre une immersion dans un conte de fées moderne. L'histoire commence avec la découverte d'une paire de ballerines rouges cachées dans l'opéra, qui recèlent un piège : celle qui les chaussera connaîtra la renommée, mais devra renoncer à l'amour à tout jamais. Marc Lavoine, l'auteur, et Fabrice Aboulker, le compositeur, nous plongent dans une narration où magie, passion et dilemmes s'entremêlent. Une production artistique diversifiée La mise en scène de Jérémie Lippmann et les chorégraphies de Tamara Fernando confèrent une dimension visuelle et dynamique au spectacle. La distribution, incluant des talents remarquables tels que Céleste Hauser (Isabelle), Guilhem Valayé (Victor) et Benjamin Siksou (Ben), enrichit l'histoire d'Isabelle, une aspirante danseuse, et de Victor, le chorégraphe de l'Opéra. Le ballet maudit et la malédiction Le cœur du spectacle réside dans le projet audacieux de Victor de monter le ballet "Les Souliers Rouges", malgré sa réputation maudite. Selon la légende, le diable lui-même hante les couloirs de l'Opéra, où il a caché les ballerines ensorcelées. Ce dilemme central - choisir entre l'amour et la gloire - est le pivot autour duquel s'articule la tragédie d'Isabelle et Victor. Une expérience immersive Conçu comme une comédie ballet, "Les Souliers Rouges" se distingue par sa capacité à raconter son histoire à travers des chansons et des chorégraphies. C'est un spectacle qui promet non seulement de captiver les sens, mais aussi de laisser une impression durable dans l'esprit du public. Un rendez-vous incontournable Cette production invite à vivre une expérience théâtrale unique, une fusion entre le conte de fées et le drame moderne. Les billets pour les spectacles de février 2024 sont déjà en vente, promettant une expérience culturelle inoubliable pour les familles et les amateurs de théâtre musical. Les Souliers Rouges Salle Pleyel Les 09, 10 et 11 février 2024 puis tournée dans toute la France

"Le Temps d’Aimer", le dernier film de la réalisatrice française Katell Quillévéré (connue pour "Réparer les vivants"), est une fresque émotionnelle et historique plongeant au cœur des troubles de l'après-guerre en France. Récompensé par le Valois de diamant au Festival du film francophone d'Angoulême, ce film propose un voyage à la fois intime et universel au travers des complexités de l'amour, du désir, et de la résilience humaine. L'intrigue se déroule en 1947 sur une plage normande, où Madeleine, une jeune serveuse et mère célibataire, rencontre François, un étudiant fortuné et cultivé. Leur relation, née d'un coup du destin, évolue en une liaison complexe, marquée par les séquelles du passé et des secrets enfouis. Le film s'ouvre sur des images d'archives choc de la Libération, certaines inédites, dévoilant la brutalité des tontes publiques infligées aux femmes accusées de collaboration. Parmi elles, Madeleine, incarnée magistralement par Anaïs Demoustier. La transition habile du film du documentaire à la fiction est une prouesse narrative, immergeant le spectateur dans le quotidien de Madeleine, qui lutte pour surmonter les stigmates de son passé. Le séjour de Madeleine à l'hôtel Beau-Rivage, dans le Finistère, et sa rencontre avec François (Vincent Lacoste, primé meilleur acteur pour ce rôle) constituent l'épicentre de l'histoire. Leur amour, parsemé de différences culturelles et sociales, illustre la quête de survie émotionnelle et d'acceptation dans un monde empreint de préjugés. Le film interroge la nature du couple, l'influence du passé sur le présent et la capacité de l'amour à surmonter les obstacles sociaux et personnels. "Le mystère du couple, cette fiction que l'on crée à deux, est au cœur de l'œuvre," confie Quillévéré, s'inspirant de l'histoire de sa grand-mère. Outre son intrigue captivante, "Le Temps d’Aimer" se distingue par sa beauté visuelle et son montage audacieux. L'alliance des images d'archives et de la fiction, le passage du noir et blanc à la couleur, et l'utilisation stratégique de la musique amplifient son impact émotionnel. Quillévéré insiste sur la fidélité de la reconstitution, tout en filmant l'histoire comme si elle se déroulait de nos jours. "Cela crée une collision entre le contenu et la forme, mélangeant influences contradictoires pour éviter une reconstitution rigide et créer un dialogue entre passé et présent." "Le Temps d’Aimer" est un film poignant et profondément humain, s'écartant du mélodrame grâce à sa conclusion lumineuse et résiliente. Il ne se limite pas à raconter une histoire d'amour, mais explore les profondeurs de l'âme humaine, offrant un miroir à notre propre quête d'amour et d'acceptation. Avec son talent narratif et visuel, et des scènes abordant avec audace le désir et la sexualité, Katell Quillévéré livre une œuvre cinématographique marquante, résonnant bien au-delà du générique final. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 LE TEMPS D’AIMER Un film de Katell Quillévéré Avec Anaïs Demoustier Vincent Lacoste Morgan Bailey Hélios Karyo Josse Capet Paul Beaurepaire Margot Ringard Oldra Sortie au cinéma, le 29 novembre 2023 • Durée 2h05

Dans son spectacle "Juste un Souvenir", Myriam Boyer nous invite à un voyage unique et délicat au cœur des souvenirs. S'appuyant sur les mots de Cocteau, Vian, Mouloudji, Queneau et Trenet, elle navigue à travers leurs chansons emblématiques, les entrelaçant en un grand monologue passionné. Une déclaration d'amour au théâtre et à la vie "Juste un Souvenir" est bien plus qu'un spectacle. Myriam Boyer nous convie, le temps d'une soirée, à partager son récit, fait de souvenirs et de mélancolie. C'est une immersion dans les émotions, un hommage à la poésie de la vie. Telle une chanson sans musique, c'est comme les paroles d'un rêve qui ne veut pas s'achever, son présent éternel. Au cœur de la rue Saint-Vincent à Paris, une poétesse et un inconnu ont vécu un amour intense. Leur appartement, ce cocon d'amour décoré de velours vert et d'acajou, est devenu le sanctuaire de leurs souvenirs partagés. Malgré la fin de leur relation, la poétesse conserve ces souvenirs et un cœur empli de nostalgie. Confrontée à la vieillesse et à la solitude, elle se remémore les jours heureux et trouve de l'espoir dans la beauté persistante de la vie. Myriam Boyer, à travers son spectacle empreint de sensibilité, partage des instants tellement authentiques qu'ils semblent être tirés de la vie, de sa propre vie. « Bien que ce soient des chansons, je les interprète à ma manière, non pas en tant que chanteuse, mais en tant que comédienne », explique-t-elle. Elle poursuit : « C'est ma façon de me livrer. Je monte sur scène pour offrir au public un bouquet de chansons ». Dans une interview pour le programme de salle, Boyer révèle que ce projet est un cadeau qu'elle se fait à elle-même, un moyen de renouer avec ses racines et ses premiers amours artistiques. Elle souligne que, privées de leur mélodie, ces chansons révèlent leur essence littéraire et acquièrent une intemporalité, ouvrant de nouvelles perspectives et sensations. Dans la rue Saint-Vincent, sous une lune pâle, la poétesse… tout comme Myriam Boyer, continue de créer, d'aimer et de vivre, emportant avec elle les échos d'un amour éternel et les leçons d'une vie riche en expériences. C'est dans l'intimité du Théâtre de Poche Montparnasse que l'émotion de "Juste un Souvenir" résonne actuellement, offrant un aperçu du cœur et de l'esprit d'une artiste exquise, pleinement engagée dans son art. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 JUSTE UN SOUVENIR Un spectacle de Myriam Boyer, à partir des textes de Jean Cocteau, Boris Vian, Marcel Mouloudji, Raymond Queneau, Charles Trenet, Louis Aragon... Mise en scène Gérard Vantaggioli Avec Myriam Boyer et la participation de Philippe Vincent Lumières Franck Michallet Photos Gérard Vantaggioli THÉÂTRE DE POCHE MONTPARNASSE Actuellement • Du mardi au samedi à 21h • Représentations exceptionnelles les dimanches 31 décembre, 7 et 14 janvier à 17h • Durée 1h10 LISTE DES CHANSONS DITES SUR SCÈNE - Oreste Rossi, « Un souvenir » - Michel Vaucaire, « Comme au théâtre » ; « La complainte des souvenirs » - Boris Vian, « J’ai rêvé d’un piano » - Francis Carco, « Chanson tendre » - Jane Bos, « Dans la fumée » - Charles Cachant (dit Charlys), «Où sont tous mes amants» - Marcel Mouloudji, « Que le temps passe vite » ; « Le mal de Paris » - Raymond Queneau, « Si tu t’imagines » - Martial Carré, « La chose - les ratés de la bagatelle » - Marc Robine, « Les rues de Paris » - André Decaye, « Où est-il donc ? » - Charles Trenet, « Coin de rue » - Lucienne Boyer, « Ah! c’qu’on s’aimait » - Jacques Prévert, « Deux escargots s’en vont à l’enterrement » - Jean Renoir, « La Complainte de la Butte » - André Varel, « Est-ce ma faute ? » - Louis Aragon, « Est-ce ainsi que les hommes vivent ? » - Edmond Bouchaud, « La Coco » - Jean Cocteau, « La Dame de Monte-Carlo » - Georges Chelon, « Allons enfants » - Raymond Asso, « Tout fout l’camp »

Monsieur Depardieu. Notre monstre sacré. Un monument du cinéma français. Un corps impressionnant. Un caractère hors du commun. Une vraie subversion. Un humour incroyable et tant de délicatesse, de sensibilité, de douceur, d'intelligence. Je ressens tout cela chez vous. Je vous ai toujours connu. J'ai grandi avec vous. J'ai ri, j'ai pleuré, j'ai été choqué. J'ai appris la vie. L'amour à travers vos films. J'adore cette voix subtilement douce dans ce corps solide. Cette carapace qui cache tant de tendresse. Je ne sais pas. Plus de 200 films. 1900, les valseuses, buffet froid. Préparez vos mouchoirs, le dernier métro, la chèvre, fort Saganne, Cyrano, mammouth, Camille Claudel, trop belle pour toi, tenue de soirée et tant d'autres. Tous ses films comptent pour moi, résonnent, m'ont construit, m'ont fait aimer le cinéma. Vous êtes mon idole. On doit tant vous le dire, mais je vous le dis quand même. « Nous voilà débarrassés du superflu, on va pouvoir aborder l'essentiel ». Il y avait une certaine émission où l'on demandait aux célébrités, quel était leur endroit favori. Eh bien, moi, c'est un film avec Depardieu. Un jour de déprime. Un coup de valseuses et tout va mieux. Un jour de joie. "La chèvre" est idéal «C'est tout ! on pouvait dire, oh Dieu, bien des choses en somme ». Oui, on peut tant en dire et en même temps on a un peu envie de le garder pour soi, car vous êtes en ou. Vous faites partie intégrante de nos vies, de ma vie. Du cinéma français. Jamais Deneuve n'aura été aussi bien aimée. Jamais Adjani n'aura été aussi bien enlacée. Jamais Michel blanc n'aura été si beau sous vos yeux. Concernant ce récital « Depardieu chante Barbara ». Je pense que j'ai tout essayé. À Paris. Impossible de venir vous voir. En province également. J'ai fini par obtenir des billets pour Le Luxembourg, mais le spectacle a été annulé au dernier moment et maintenant à Ramatuelle. Je n'y pense même pas. Mais quand est-ce que je pourrais venir voir ce spectacle grandiose que vous nous offrez depuis plus d'un an ? Certainement jamais, mais ce n'est pas grave en soi. J'ai toujours cru en mes rêves et je sais qu'un jour je vous verrais en vrai. En tout cas, pour tous ceux qui auront l'opportunité et la chance de vous entendre chanter dans ce magnifique théâtre de Ramatuelle. Surtout ne ratez pas cette occasion où je vais vraiment m'énerver très fort ! On vous fait un cadeau. Cela ne se refuse pas. Crédit photo : Scarpitta

Lorsque les illusions se dissipent ! Valérie Fayolle, journaliste-reporter pour TF1 et animatrice sur France 24 de son émission culturelle Le Paris des Arts, vient d’écrire sa première pièce survoltée au suspense sans faille. Une famille bien sous tous rapports… ou pas ! Une mère, les deux frères, la sœur et la belle-sœur sont réunis à l’occasion de l’enterrement du père. Mais, après une petite phrase dans le testament et une découverte inattendue au fond du grenier, plus rien ne sera jamais comme avant. Lorsque la mémoire se perd, que le coeur s'exprime, des vérités entrelacées surgissent… Dans cette comédie joyeusement macabre, dans ce tourbillon de révélation « Le comble de la vanité » serait de croire que l'on peut contrôler son destin sans jamais se retourner ! En effet, cette maison familiale renferme bien des surprises, et quand toute la vérité semble avoir été révélée, on découvre avec délice qu’il n'en est absolument rien. Secret familial, manipulation parentale, mémoire sélective et intrigue amoureuse Voici le cocktail détonnant de cette pièce farfelue et réjouissante dans laquelle Virginie Pradal, en reine-mère sulfureuse, va nous entraîner entre stupéfaction, amusement et surprise. Dans un joli décor d’Emmanuel Charles très coloré, reprenant les codes couleurs de l’affiche et du théâtre La Pépinière, Ludivine de Chastenet a mis en scène joyeusement, ce très beau texte de Valérie Fayolle et fait de ce spectacle, un moment de théâtre délicieusement morbide ! Des révélations « en cascade » Avec une bande de comédiens très drôles, ce spectacle à découvrir absolument à Paris, enchantera vos sorties et vous laissera sans voix ! Avis de Foudart 🅵🅵🅵 Le Comble de la vanité Une comédie de Valérie Fayolle Mise en scène Ludivine de Chastenet Avec Mikaël Chirinian, Julie Farenc, Virginie Pradal, Cécile Rebboah et David Talbot Crédit © François Fonty LA PÉPINIÈRE THÉÂTRE Du jeudi au samedi à 19h ou 21h (selon les jours) - Matinée dimanche à 15h • À partir de 12 ans • Durée 1h30

« Jamais aucun autre spectacle ne m’a parlé autant. De la première de seconde jusqu’à la dernière chanson. Ce n’est que révélation, émotion... Par une écriture d’une précision sublime, l’hypersensibilité est résumé en quelques mots ». Frédéric - Foud’art Dans le monde des arts, peu de spectacles possèdent la capacité de transformer la sensibilité humaine en une œuvre captivante. "Un état de nos vies" est précisément un tel spectacle, un mélange harmonieux de littérature et de musique, façonné par la talentueuse Lola Lafon et le musicien innovant Olivier Lambert. Lola Lafon : Une Visionnaire des Mots Lola Lafon, écrivaine et musicienne d'origine franco-russo-polonaise, est connue pour ses romans qui explorent des parcours féminins uniques, tout en scrutant la violence sociétale à leur égard. Ses œuvres, telles que "Une fièvre impossible à négocier" et "Chavirer", ne sont pas seulement des histoires, mais des voyages à travers des paysages émotionnels et intellectuels. Dans "Un état de nos vies", Lafon partage des extraits de son journal et de ses cahiers de travail, créant une performance qui est à la fois un abécédaire intime et un reflet de nos propres vies. Olivier Lambert : Le Maestro Musical Olivier Lambert, guitariste et électroniste autodidacte, travaille avec Lafon depuis 2002, apportant une dimension musicale essentielle à ses spectacles. Sa capacité à fusionner lectures, chants, et instruments tels que la guitare et les synthétiseurs, crée une atmosphère qui enrichit le texte de Lafon, ajoutant une profondeur émotionnelle et un contexte sonore unique. Un Spectacle Qui Redéfinit le Dialogue Dans "Un état de nos vies", l'acte d'écrire devient un dialogue vivant entre l'auteur, le musicien et le public. Lafon et Lambert réinventent les mots, leur donnant de nouvelles définitions subjectives et politiques. C'est une invitation à contempler les mots familiers sous un nouvel angle, à découvrir leurs "faces B" personnelles et intimes. "Un état de nos vies" n'est pas seulement une performance, mais une expérience qui reste gravée dans le cœur et l'esprit des spectateurs. Bien plus qu'un spectacle, c'est un voyage intérieur, une exploration de la fragilité de nos existences à travers les mots et la musique. Lafon et Lambert nous invitent à partager, le temps d'une soirée, un moment de réflexion, de beauté, et d'introspection profonde. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 Un état de nos vies Un spectacle de et avec Lola Lafon Composition et interprète Olivier Lambert Collaboration artistique et lumières Emmanuel Noblet Théâtre du Rond-Point Du 21 au 31 mai 2024 • Du mardi au vendredi, 20h • Samedi, 19h • Dimanches, 15h30 • Durée 1h En tournée 20 janvier 2024 Scène nationale de Malakoff (92) 20 février 2024 Le Grand R. La-Roche-sur-Yon (85) 8 mars 2024 Pop Women Festival, Reims (51)

« Je veux dire, on rigolait juste, hein ? On était tous, vous savez... Vous connaissez Adam, vous savez comment il est, donc on était là, enfin tu sais, à se moquer, enfin. Tu sais comment il était, toujours à rester là ». EXTRAIT Comme souvent chez Dennis Kelly, la pièce de théâtre commence par un fait divers. Un groupe d’adolescents prend un camarade de classe comme bouc émissaire. Partis un jour en forêt pour le torturer, ils finissent par "déraper" et le laissent pour mort. Que va devenir leur vie après ce drame ? Avec une tension inouïe, entre panique et folie, entre culpabilité, remords et terreur, un engrenage effrayant se met alors en route, duquel il leur sera difficile de s’extraire. La pièce est dirigée par Marie Mahé, qui a choisi de couper le texte et de réduire le nombre de personnages pour conserver l’écriture brute, ciselée de Dennis Kelly, presque sans explication psychologique, car elle souhaitait se concentrer non pas sur l'effet de groupe, mais plutôt sur les rapports humains et les personnalités. « Je voulais mettre à vue cette expérience très intense d’êtres humains pour mettre en évidence la panique, la culpabilité et le non-retour ». Comment trouver sa place dans le groupe ? Comment survivre en milieu hostile ? Les personnages de la pièce, John, Cathy, Léa et Phil, sont obligés de rester ensemble pour survivre, mais leur incapacité à communiquer et à parler le même langage les renvoie à leur grande solitude et leur grande mélancolie. Ils se laissent déborder par une situation extrême qui révèle la violence qui se cache en chacun d'eux. « C’est moi qui commande. Tout le monde est plus heureux comme ça. Qu’est-ce qui est le plus important : une seule personne ou bien tout le monde ? » PHIL Le personnage de Phil (intelligemment incarné par Maxime Boutéraon) en particulier, est troublant. Assis au milieu des autres pendant l'essentiel du spectacle, il parle peu, se montre imperturbable, insensible, apathique. Mais on sent bien qu'il exerce une véritable domination sur le groupe. C'est lui qui prend les décisions et qui, pour tenter de les protéger, va transformer ce drame en un véritable cauchemar. La pièce se déroule dans un huis clos indéterminé qui réunit la rue, le champ et le bois. Sur le plateau presque nu, sur un tapis blanc, une immense toile est tendue et un banc trône en son centre. C'est le trône moderne sur lequel celui qui prend le pouvoir s'assoit. Les subordonnés ont le devoir de le saluer et de lui déposer des offrandes, nourritures issues de la société de consommation. Malgré quelques longueurs dans le rythme, comme dans la scène où la petite amie de Phil s'exprime seule sur scène, ADN est une pièce sombre, caustique et portée par des comédiens convaincants. « Le champ des écritures contemporaines est un paysage où doit subsister la puissance de la fable dans laquelle un spectateur peut se projeter au moyen d’une langue aussi fortement poétique que politique » Marie Mahé Avec une légère touche d'optimisme semée par Kelly, l'avenir semble peut-être offrir la possibilité d'un changement dans la pièce ADN, qui résonne avec l'actualité et nous interpelle de manière puissante. Cette œuvre sombre, caustique et désespérante est portée par de jeunes comédiens excitants, convaincants et bouleversants de sincérité, offrant une performance remarquable qui ne manquera pas de vous toucher. Avis de Foudart 🅵🅵 ADN Texte Dennis Kelly traduction Philippe Le Moine adaptation, mise en scène Marie Mahé avec Maxime Boutéraon, Isabelle Andrzejewski, Marie Mahé, Tigran Mekhitarian, Achille Reggiani Crédit ©Ema Martins Spectacle vu au Théâtre La Tempête THÉÂTRE PARIS VILETTE Du 23 nov au 3 déc 2023 • Durée 1h15

Du 11 au 13 janvier 2024, Paris sera le théâtre d'un événement culturel d'exception : la 12è édition du Festival Paris des Femmes, qui se tiendra au Théâtre de la Pépinière. Cette année, le festival se distingue par son thème envoûtant : la Nuit. Il promet de fasciner son public avec une série de rencontres, lectures, et performances axées sur ce thème captivant. L'édition 2024 s'annonce remarquable, notamment grâce à la participation de prestigieuses autrices telles qu'Aliyeh Ataei, Claire Chazal, Adeline Dieudonné (en collaboration avec Victoire Tuaillon), Joffrine Donnadieu, Eva Ionesco, Maria Larrea, Chloé Mons, Aurélie Saada, et Colombe Schneck. Chacune apportera sa vision unique de la nuit à travers des textes originaux, interprétés sur scène par des comédiens talentueux. Ces œuvres seront ensuite publiées aux éditions de l’avant-scène théâtre. Depuis 11 ans, le Festival Paris des Femmes s'engage à mettre en lumière le talent féminin dans le domaine théâtral. Malgré des progrès en matière de représentation des femmes dans la culture, leurs œuvres demeurent sous-représentées dans le spectacle vivant, avec seulement un tiers des œuvres programmées écrites par des femmes en 2022/2023. Le festival a su, au fil des années, questionner et combattre cette inégalité en offrant une plateforme pour des créations féminines novatrices. Des figures emblématiques telles que Jane Birkin, Isabelle Carré, Amélie Nothomb, et Delphine de Vigan ont enrichi ses précédentes éditions. Chaque année, le Festival Paris des Femmes propose neuf pièces courtes sur trois jours, autour d'un thème spécifique. Invitant des autrices de divers horizons (littérature, cinéma, musique), le festival leur demande de créer des textes courts, soit inédits soit adaptés pour la scène. Ces pièces sont présentées sous forme de lectures mises en scène, offrant une expérience théâtrale unique et intime. Le festival a jusqu'à présent réuni un catalogue impressionnant de plus de cent pièces courtes. Plusieurs d'entre elles ont été adaptées en versions longues, publiées, et jouées à Paris, en province et même à l'étranger. Certaines ont même inspiré des romans et un projet d’opéra est actuellement en préparation. Le Festival Paris des Femmes 2024 s'annonce comme un événement incontournable, célébrant le talent féminin et explorant la richesse du thème de la nuit à travers des voix uniques et puissantes. FESTIVAL PARIS DES FEMMES Théâtre de la Pépinière 12e édition • Du 11 au 13 janvier 2024. Thème : La Nuit

Le Montespan, connu comme le plus célèbre cocu de France, est au cœur d'une histoire captivante se déroulant dans la France du XVIIe siècle, sous le règne de Louis XIV. Ce récit débute avec la rencontre entre Louis-Henri de Pardaillan, Marquis de Montespan, et une jeune femme séduisante. Leur mariage par amour, un choix audacieux pour l'époque, ouvre la voie à une saga dramatique mêlant amour, trahison et résistance qui a déjà séduit plus de 70 000 spectateurs à Paris et à Avignon. aujourd'hui, ce spectacle délicieux s'installe au Théâtre Acteul - La Bruyère. La pièce théâtrale "Le Montespan", adaptée du roman de Jean Teulé, dépeint le Marquis comme un anti-héros romantique, un mari délaissé et moqué, qui se retrouve à lutter contre le Roi-Soleil lui-même. Dans un contexte où sa femme devient la favorite de Louis XIV, le Marquis s'engage dans une guerre acharnée pour reconquérir l'amour de sa vie. Cette histoire fascinante a été brillamment adaptée pour le théâtre par Salomé Villiers, avec une mise en scène par Etienne Launay. Ils ont opté pour une approche immersive, où les acteurs Salomé Villiers, Michaël Hirsch et Simon Larvaron jouent plusieurs rôles, chantent et dansent, transportant le public dans un univers théâtral plein de vie et d'imagination. La scénographie, simple mais ingénieuse, utilise des panneaux de bois peints, un lustre, un réverbère, et d'autres éléments pour créer un cadre poétique et malicieux. Le Montespan est ainsi présenté comme une pièce familiale, ludique et moderne, offrant une expérience théâtrale à la fois éducative et divertissante. C'est une invitation à laisser libre cours à l'imaginaire, à se laisser emporter par un conte historique et romanesque, où la magie de la narration et du spectacle opère avec brio. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 LE MONTESPAN Auteur Jean Teulé - Adaptation Salomé Villiers Mise en scène Etienne Launay Avec Salomé Villiers ou Marina Pangos ou Céline Espérin, Simon Larvaron ou Benjamin Tholozan, Étienne Launay ou Michaël Hirsch ou Benjamin Bollen Costumes Virginie H Décor Emmanuel Charles Lumières Denis Koransky Création sonore Xavier Ferri Photo Fabienne Rappeneau, Lot Théâtre Actuel La Bruyère À partir du 25 novembre 2023 • Du mercredi au samedi à 21h Les dimanches à 16h30 • Durée 1h30 • À partir de 12 ans MOLIÈRE 2022 DE LA RÉVÉLATION FEMININE SALOMÉ VILLIERS Un spectacle vu au théâtre de la Huchette