En 2024, Greta Gerwig, réalisatrice, scénariste et actrice de renom, prendra la présidence du Jury du 77e Festival de Cannes, du 14 au 25 mai. Après le succès phénoménal de son film "Barbie" en 2023, Gerwig continue de marquer l'industrie cinématographique par son approche novatrice et son amour profond pour le cinéma. Gerwig, née à Sacramento et établie à New York, a rapidement gravi les échelons de la notoriété. Elle a débuté dans le cinéma indépendant américain avant de conquérir le box-office mondial. Sa capacité à fusionner l'art et l'industrie tout en explorant des thématiques complexes et actuelles, démontre son talent exceptionnel. Ses œuvres traitent souvent de sujets comme les conflits familiaux, l'adolescence, la peur du déclassement social, et l'émergence de vocations artistiques. Ses personnages sont libres, parfois fragiles et marginaux, mais toujours déterminés. En plus de jouer, Gerwig a coécrit plusieurs films marquants, tels que "Hannah Takes the Stairs" et "Frances Ha", et a réalisé le célèbre "Lady Bird", qui a reçu cinq nominations aux Oscars. Avec "Les Quatre Filles du docteur March", elle a revisité un classique de la littérature américaine, apportant une perspective moderne sur l'émancipation des femmes. Son dernier film, "Barbie", est une satire audacieuse qui critique le sexisme et les stéréotypes, devenant un succès mondial et établissant Gerwig comme la première réalisatrice à franchir le milliard de dollars au box-office. À 40 ans, Gerwig est la première cinéaste américaine et la plus jeune personnalité à présider le Jury de Cannes, suivant les pas de Sofia Loren et Jane Campion. Sa nomination reflète son rôle de pionnière dans un cinéma mondial en constante évolution, un cinéma qui défie les frontières et privilégie l'intelligence et l'humanisme. Le Festival de Cannes 2024 promet d'être un événement exceptionnel sous la direction de Gerwig, avec la sélection officielle attendue pour mi-avril. Son parcours illustre parfaitement l'esprit du Festival, qui chaque année célèbre le renouveau et la diversité du cinéma mondial.

Dans les méandres de la petite ville texane de Wylie, se déroule l'histoire de Candy Montgomery, une figure centrale de la communauté méthodiste et mère dévouée, qui se transforme en une protagoniste de crime dans la mini-série captivante "Love & Death". La série, produite par le renommé David E. Kelley, explore l'histoire vraie du meurtre brutal de Betty Gore par Candace Montgomery dans les années 1980, un événement qui a choqué et captivé l'Amérique. Elizabeth Olsen, dans le rôle de Candy, offre une performance remarquable, incarnant avec brio une femme au foyer stéréotypique de l'Amérique profonde, dont la vie bascule dans l'horreur. La série dépeint Candy comme une femme apparemment satisfaite, engagée dans sa paroisse et dans sa vie familiale, jusqu'à ce qu'une liaison extraconjugale avec Allan Gore, le mari de sa meilleure amie, entraîne des conséquences tragiques et imprévues. "Love & Death" ne se contente pas de narrer le crime lui-même, mais plonge profondément dans le contexte social et psychologique de l'époque. La série illustre la complexité des relations humaines et les pressions sous-jacentes au sein d'une communauté apparemment pieuse. L'accent est mis sur la dualité des personnages, en particulier sur Candy, dont le masque de bonne humeur cache un profond ennui conjugal et un désir de reconnaissance. La série ne tente pas de percer le mystère du crime, mais plutôt d'explorer la dynamique des personnages impliqués et de leur environnement. Ce choix narratif permet une immersion plus profonde dans l'ambiance de l'époque et dans la psychologie des personnages, notamment dans la relation complexe entre Candy et Betty, interprétée par Lily Rabe. Bien que "Love & Death" ne réinvente pas le genre du true crime, elle se distingue par son attention méticuleuse aux détails et son approche intimiste. La série offre un portrait vivant de la communauté méthodiste et pose un regard critique sur les apparences trompeuses et les secrets dissimulés derrière les façades de la vie quotidienne. "Love & Death" est une série qui marie habilement drame, suspense et étude de caractères. Elle offre une perspective riche et nuancée sur un fait divers qui continue de fasciner, tout en présentant une réflexion profonde sur les thèmes de la moralité, de la famille et du crime. C'est une série incontournable pour les amateurs du genre, promettant de tenir les spectateurs en haleine jusqu'à son dénouement surprenant. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 Love & Death De Lesli Linka Glatter, Clark Johnson Avec Elizabeth Olsen, Jesse Plemons, Lily Rabe, Patrick Fugit, Krysten Ritter, Tom Pelphrey ACTUELLEMENT • Série policière • Etats-Unis • Produite par David E. Kelley • Une série HBO MAX présentée sur CANAL +

Derrière le titre intriguant "Gilles ou Qu’est-ce qu’un Samouraï ?", se cache une célébration de l'art, orchestrée par Margaux Eskenazi. Cette pièce, à la fois intime et sensible, nous plonge dans une conversation fascinante, entrelaçant les réflexions de Gilles Deleuze, François Villon, Shakespeare, ainsi que des images du film "Les Sept Samouraïs" de Kurosawa. Créé à partir d'extraits de la conférence de Gilles Deleuze intitulée « Qu'est-ce que l'acte de création ? », prononcée en 1987 à la Fémis, ce spectacle s'inspire des idées du philosophe publiées dans "Deux régimes de fous et autres textes" aux Éditions de Minuit. Face à la crise sanitaire de 2020, Eskenazi revisite ces concepts, confrontée à une « crise de foi artistique » et en quête d'une nouvelle essence dans l'acte de créer. Elle partage ses interrogations : « J'ai toujours cru que l'acte théâtral était un acte de résistance, un moyen d'exister dans le monde. Or, face à la pandémie mondiale de 2020, je ne trouvais plus de sens à ce geste créatif en tant qu'acte de résistance. C'était comme un abîme insondable. » Nous sommes conviés à une discussion captivante entre la metteuse en scène Margaux Eskenazi et le philosophe, explorant la nature de la création artistique. Eskenazi utilise l'image du jeune samouraï comme symbole de l'artiste en quête de compréhension et de signification, inspirée par les pensées de Gilles Deleuze. Elle présente la pièce comme un périple vers la compréhension, examinant en profondeur l'acte de création et expliquant comment cette métaphore l'a guidée à travers les défis mondiaux et ses propres crises de foi envers son art. L'espace scénique devient ainsi un carrefour entre la conférence de Deleuze, des extraits du film "Les Sept Samouraïs" et le théâtre contemporain. Le spectacle interroge la nature de l'art en tant qu'acte de résistance, s'inspirant de la pensée de Malraux selon laquelle "l'art est la seule chose qui résiste à la mort". Il crée un dialogue transdisciplinaire, mêlant théâtre, cinéma et musique live, pour susciter une réflexion sur le sens de nos engagements personnels et artistiques. Avec son bagage du Conservatoire national supérieur d'Art dramatique de Paris, Margaux Eskenazi enrichit le spectacle de son expertise théâtrale et cinématographique. "Gilles ou Qu’est-ce qu’un Samouraï ?" se présente alors comme un espace de méditation sur la valeur et le pouvoir de l'art, sur son rôle en tant que forme de résistance et sur sa capacité à transcender le temps et la mort. Le décor, imprégné d'éléments en bois et accentué par la présence de Malik Soarès en kimono, jouant de la guitare, crée une atmosphère à la fois intime et contemplative. La performance de Lazare Herson-Macarel en Gilles Deleuze enrichit l'expérience, nous transformant en disciples du philosophe. "Gilles ou Qu’est-ce qu’un Samouraï ?" représente une célébration de la création artistique, alliant intelligence, émotion et profondeur. Cette pièce offre une réflexion sur le rôle de l'art dans notre société et souligne l'importance de continuer à créer, résister et rêver, même dans les moments les plus sombres. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 GILLES OU QU’EST-CE QU’UN SAMOURAÏ ? D’après Gilles Deleuze Conception et mise en scène Margaux Eskenazi Avec Margaux Eskenazi, Lazare Herson-Macarel et le musicien Malik Soarès Dramaturgie Chloé Bonifay, Guillaume Clayssen • Espace Julie Boillot-Savarin • Vidéo Jonathan Martin • Lumières Marine Flores • Costumes Sarah Lazaro Visuel ©Loïc Nys Théâtre de la Tempête Du 8 au 17 décembre 2023 • Du mardi au samedi 20 h 30 dimanche 16 h 30 • Durée 1h10

Le festival Impatience, consacré au théâtre émergent, fête cette année sa 15e édition. Du 8 au 18 décembre 2023, neuf spectacles seront présentés dans cinq lieux prestigieux en Île-de-France, offrant une vitrine à la créativité et à l'engagement de la nouvelle génération théâtrale. Ce festival est devenu un événement incontournable, distinguant les approches innovantes et la curiosité de jeunes artistes audacieux. Ces derniers repoussent les limites de la scène, mêlant divers récits et formes, souvent dans une démarche d'hybridation. Les spectacles abordent des thématiques variées, allant du personnel au politique, souvent en intégrant d'autres disciplines artistiques. Le public est invité à participer activement, notamment en votant pour le Prix du public. Le festival est également marqué par la présence de trois jurys - professionnel, lycéen et SACD - qui décerneront leurs prix respectifs. Pour célébrer son 15e anniversaire, Impatience met également en lumière les lauréats des éditions précédentes. Quatre anciens gagnants présenteront leurs nouveaux projets lors du festival Les Singulières en 2024. Le Beau Monde, récompensé en 2022, sera également à l'affiche. Les récompenses du festival incluent le Prix du Jury, présidé cette année par Éric Ruf, offrant au gagnant une diffusion élargie dans plusieurs théâtres de renom. Le Prix Lycéen, décerné par un groupe de lycéens formés à la critique, et le Prix SACD, récompensant une vision contemporaine du théâtre, soulignent l'engagement du festival à encourager la nouvelle génération de théâtre. Enfin, le calendrier détaillé du festival présente une gamme variée de spectacles, dont La Taiga Court / Bleu Béton, La Fracture, Grand Crié, FORTUNE - Récits de littoral #2 , et bien d'autres, répartis sur divers sites tels que le CENTQUATRE-PARIS, le Théâtre Louis Aragon, et le Jeune Théâtre National, Les Plateaux Sauvages, Theatre 13 / Bibliothèque Avec son mélange d'innovation, de célébration et d'engagement, Impatience 2023 promet d'être un événement mémorable, mettant en avant les talents théâtraux de demain. Calendrier Vendredi 08 décembre CENTQUATRE PARIS 18h30 La Taiga Court / Bleu Béton Théâtre Louis Aragon 20h30 La Fracture Samedi 09 décembre CENTQUATRE PARIS 17h Grand Crié 18h30 La Taiga Court / Bleu Béton Théâtre Louis Aragon 20h30 La Fracture Dimanche 10 décembre CENTQUATRE PARIS 18h Grand Crie Mercredi 13 et jeudi 14 décembre Théâtre 13 / Bibliothèque 18h30 FORTUNE - Récits de littoral #2 CENTQUATRE-PARIS 20h30 Les Septs Colis sans Destination de Nestor Crévelong Vendredi 15 décembre Les Plateaux Sauvages 18h30 Entre ses mains 20h30 En une nuit - Notes pour un spectacle Samedi 16 décembre Les Plateaux Sauvages 18h30 En une nuit - Notes pour un spectacle 20h30 Entre ses mains Dimanche 17 décembre Jeune Théâtre National 14h30 Sirènes 18h30 Sirènes CENTQUATRE PARIS 16h30 ABRI ou les casanier-es de l'apocalypse Lundi 18 décembre Jeune Théâtre National 18h30 Sirenes CENTQUATRE-PARIS 20h30 ABRI ou les casanier-es de l'apocalypse 22h Remise des prix LES LAURÉAT.E.S 2022 Prix du Jury Le Beau Monde Arthur Amard, Rémi Fortin, Simon Gauchet et Blanche Ripoche Prix du Public Sola Gratia Yacine Sif El Islam Prix Lycéen et Prix SACD Koulounisation Salim Djaferi

Bertrand de Roffignac, une figure montante du théâtre contemporain, revient avec une création ébouriffante: "Les Sept Colis sans Destination de Nestor Crévelong". Ce spectacle, présenté au Centquatre dans le cadre du Festival Impatience les 13 et 14 décembre 2023, marque la suite de "Le Grand Œuvre de René Obscur", une pièce déjà saluée en septembre 2023. Cette nouvelle œuvre de Roffignac se distingue par son audace narrative et son esthétique riche. Mélangeant politique, fantastique et lyrique, elle tisse ensemble comédie, danse et cirque dans une collision spectaculaire entre un célèbre acteur de films de propagande et un homme en fuite. La mort tragique de Nestor Crévelong, le personnage principal, donne lieu à une situation explosive où deux idéologies s'affrontent. Le Théâtre de la Suspension : Une Troupe Innovante Fondé en 2016, le Théâtre de la Suspension, sous la direction de Roffignac, rassemble des talents issus de divers horizons artistiques. Son objectif est de créer des "poèmes vivants" mêlant verbe, visuel et technologie. Chaque production se présente comme une énigme, invitant le spectateur à naviguer entre rêve et réalité. Bertrand de Roffignac : Un Artiste Complet Ayant débuté au Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique en 2013, Roffignac excelle autant au théâtre qu'au cinéma. Il est reconnu pour ses rôles dans "Un Couteau dans le Cœur" (Festival de Cannes 2018) et "Bêtes Blondes" (Mostra 2018). Sa performance dans "Ma Jeunesse Exaltée" d’Olivier Py au Festival d’Avignon 2022 lui a valu le prix de la révélation théâtrale du syndicat de la critique. Une Signature Unique Caractérisé par sa rapidité de création et son impatience artistique, Roffignac se distingue par un style vif, ardent et imprévisible. Il déjoue les attentes contemporaines avec ses œuvres extravagantes, qui, bien que parfois dispersées et verbeuses, restent toujours captivantes et foisonnantes. Son approche, à contre-courant des esthétiques minimalistes et cérébrales, préfère l'extravagance pour mettre en scène son imagination débordante. Un Avenir Brillant "Les Sept Colis sans Destination de Nestor Crévelong" se révèle être une œuvre qui redéfinit les frontières du théâtre. Bien qu'un peu longue et par moments disparate, cette pièce captive par sa créativité débordante et son audace. Roffignac n'hésite pas à prendre des risques, nous entraînant à travers une série de scènes oscillant entre le sublime et le surréaliste. Certaines de ces scènes d’anthologie restent gravées dans notre esprit longtemps après le baisser de rideau. La pièce montre une capacité remarquable à jongler avec une multitude de thèmes et de styles, fusionnant le dramatique, le comique et le spectaculaire. Cette richesse est à double tranchant, car elle peut parfois sembler dispersée. Néanmoins, c'est dans ce foisonnement que réside la magie de Roffignac, offrant des moments d'étonnement pur et des instants de profonde réflexion. Bertrand de Roffignac, avec sa compagnie le Théâtre de la Suspension, continue de démontrer qu'il est un maître dans l'art de surprendre son public. Chaque nouvelle création est une aventure, un voyage dans des territoires théâtraux inexplorés. Son œuvre, riche en imagination, intensité et innovation, le place comme un artiste incontournable dans le paysage théâtral contemporain. En défiant les conventions et en repoussant les limites de la narration et de la mise en scène, Roffignac promet de continuer à éblouir et à intriguer les amateurs de théâtre. Il s'affirme ainsi comme un visionnaire de l'art dramatique, prêt à offrir des expériences théâtrales inédites et captivantes. Son travail, qui se caractérise par une audace incontestée et une passion débordante pour l'innovation, incarne la quintessence de l'art théâtral contemporain. "Les Sept Colis sans Destination de Nestor Crévelong" est donc plus qu'une simple pièce de théâtre : c'est une invitation à repenser les limites de l'expression artistique et à redécouvrir le théâtre sous un jour nouveau et exaltant. Avec cette dernière œuvre, Bertrand de Roffignac s'érige non seulement en artiste de son temps, mais aussi en précurseur d'un théâtre tourné vers l'avenir, où chaque représentation devient un événement culturel incontournable. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 Les Sept Colis sans Destination de Nestor Crévelong Conception, texte et mise en scène Bertrand de RoffignacAvec Adriana Breviglieri, Betrand de Roffignac, Léna Dangréaux, Marion Gautier de Charnacé, Gall Gaspard, François Michonneau, Rémi Bolard, Loup Marcault-Derouard scénographie : Henri-Maria LeutnerCréation sonore Axel Chemla Romeu-Santos Création lumière Thomas Cany / Grégoire de Lafond Crédit photo ©Christophe Raynaud de Lage Le Centquatre Paris - Festival Impatience Les 13 et 14 décembre à 20h30 • Durée 1h50

Imaginez un instant Marilyn Monroe, icône du glamour, réincarnée en une femme ashkénaze passionnée de tarama périmé et de carpe farcie. Voici "Mudith Monroevitz : La Réincarnation Ashkénaze de Marilyn Monroe", un spectacle qui emporte tout sur son passage. L'Histoire d'une Femme Libérée Ce bijou, écrit et interprété par l'irrésistible Judith Margolin, est un tourbillon de rires, de quiproquos et d'auto-dérision, mais pas uniquement... car ce spectacle va bien au-delà du simple divertissement. Cette comédie solo est un exquis mélange d'humour, de drame et de franche introspection. Mudith, c'est cette femme unique, persuadée d'être la réincarnation de Marilyn Monroe depuis que l'icône en robe dorée lui est apparue dans la cuisine familiale. Cette croyance, profondément ancrée, a sculpté son identité et teinté sa vision du monde d'une couleur unique. Sur scène, Mudith nous embarque dans une aventure trépidante à la découverte de son identité, révélant les multiples facettes de sa personnalité, telles des poupées russes, avec un humour piquant et une énergie débordante. Ce spectacle, c'est comme découvrir une Marilyn Monroe qui aurait troqué son célèbre "Happy Birthday, Mr. President" contre une ode au tarama et à l'autodérision. Un Tourbillon de Glamour, de Rires et d’émotion Judith Margolin déploie une performance captivante et dynamique. Sa présence sur scène, à la fois magnétique et vibrante d'énergie, lui permet de se glisser avec une aisance remarquable dans la peau d'une mosaïque de personnages colorés. Elle tisse avec maestria un fil délicat entre humour incisif et émotions profondes, offrant une critique subtile et pertinente de notre société contemporaine. Véritable tornade blonde, son spectacle se révèle être une satire audacieuse et éclairée, parsemée de références culturelles ingénieuses et ponctuée de clins d'œil à des figures emblématiques telles que Blanche Gardin. Elle aborde avec finesse des thèmes variés comme la féminité, l'identité personnelle et les névroses de notre époque, fusionnant profondeur intellectuelle et légèreté avec brio. Au-delà d'une simple juxtaposition d'humour et de drame, cette expérience théâtrale est une véritable explosion de finesse et d'esprit. La mise en scène inventive, enrichie par des jeux de lumière captivants, des séquences vidéo innovantes et des chorégraphies harmonieuses, s'assemble pour créer un spectacle à la fois joyeux et dynamique, marquant les esprits. Un Spectacle Qui Va Au-delà "Mudith Monroevitz" ne se contente pas de divertir ; il sonde des thèmes plus profonds tels que la quête d'identité, l'affirmation de soi et l'influence de l'héritage familial.  Judith Margolin, en tant qu'auteure, actrice et scénariste, aborde avec une sensibilité rafraîchissante ces sujets complexes. Un Souvenir Inoubliable "Mudith Monroevitz" est une réussite éclatante, un spectacle audacieux et hilarant qui marque les esprits bien longtemps après que le rideau soit tombé. Si Marilyn Monroe pouvait assister à ce spectacle, nul doute qu'elle serait la première à applaudir, un éclat de rire aux lèvres, tarama en main. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 Mudith MONROEVITZ La réincarnation ashkénaze de Marilyn Monroe Ecrit et interprété par Judith Margolin Mise en scène James Joint et Judith Margolin Lumières Denis Schlepp • Création sonore Christophe Danvin • Avec les voix de Louise Ghegan et Brigitte Faure Crédit photo © Christine Coquilleau La Pépinière théâtre Actuellement  • Jusqu’au 18 décembre • Le lundi à 21h • Tout public à partir de 16 ans • Durée 1h10 TOURNÉE 2024 19/01 Théâtre Donald Cardwell • DRAVEIL (92) 27/01 Centre Culturel Le Relais de la Côte de Beauté • SAINT GEORGES DE DIDONNE (17) 30/03 Salle des Vertus • PUYLOUBIER (13)

Un jeu de pouvoir et de manipulation La pièce "Richard II" de Shakespeare, mise en scène par Christophe Rauck, se présente comme une fresque historique éblouissante, alliant avec brio les thèmes de la lutte pour le pouvoir, la déconnexion des dirigeants et les intrigues politiques. L'œuvre se révèle comme un long poème épique, immergeant le spectateur au cœur d'une saga familiale complexe, où Richard et son cousin Bolingbroke s'affrontent pour la couronne d'Angleterre. Cette lutte, au-delà d'une simple querelle de pouvoir, soulève des questions universelles sur la nature et l'exercice du pouvoir, écho pertinent dans notre monde actuel. Au cœur de cette tragédie se trouve Richard II, un roi légitime mais déconnecté de son peuple, confronté à la trahison et à la corruption. En contraste, Bolingbroke aspire à gagner sa légitimité auprès du peuple. La pièce interroge les limites éthiques en politique : jusqu'où peut-on aller pour asseoir son pouvoir et sa légitimité ? Shakespeare, à travers cette œuvre, amène le spectateur à une réflexion profonde, à voir au-delà des apparences et à comprendre la complexité des événements historiques. Micha Lescot, dans le rôle de Richard II, donne une nouvelle dimension à ce personnage tragique, complexe et nuancé. Sous la direction de Rauck, il incarne un roi à la fois tyrannique et faible, un être dénué d'empathie, frivole, incapable de comprendre l'étendue de son pouvoir. La mise en scène innovante de Rauck, utilisant des gradins mobiles, crée des espaces pour la délibération ou les champs de bataille, renforçant ainsi le drame et la complexité des intrigues politiques. La pièce brille par son analyse fine du concept de pouvoir. Quatre siècles après Shakespeare, la force de sa réflexion sur la politique et ses acteurs continue d'éblouir. Rauck, en juxtaposant les parcours de Richard et Bolingbroke, expose un contraste frappant entre deux visions du pouvoir : l'une déconnectée, l'autre ancrée dans la réalité populaire. Cependant, le spectacle, malgré sa profondeur et sa complexité, est parfois difficile d'accès à cause de la densité des références historiques et des revirements d'alliances. La première partie peut sembler confuse, mais la seconde gagne en clarté et en intensité dramatique. Lescot, dans son déclin, brille par ses nuances et ses émotions, capturant l'essence de la tragédie de "Richard II". Dans la vision de Christophe Rauck, "Richard II" est une pièce complexe et exigeante, illustrant magistralement comment le théâtre contemporain peut revisiter un classique. Cette adaptation capte de façon fascinante et intemporelle les nuances du pouvoir et de la nature humaine. La scénographie, d'une beauté exceptionnelle, alliée à des choix de mise en scène audacieux et à une intelligence artistique remarquable, crée un spectacle captivant. La performance de Micha Lescot est mémorable. Il incarne avec une profondeur saisissante, enrichie d'un second degré rafraîchissant, la grandeur et la chute d'un roi déchu. Son interprétation, empreinte de finesse, et ses répliques, parfois livrées avec une ironie subtile, apportent une touche de légèreté qui contraste astucieusement avec la gravité du thème, ajoutant une complexité supplémentaire au personnage. Ce 'Richard II' se distingue par sa résonance émotionnelle et son impact visuel, redéfinissant ainsi l'approche moderne du théâtre classique et laissant une empreinte significative dans le domaine du théâtre contemporain. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 Richard II Une pièce de Shakespeare Traduction Jean-Michel Déprats Mise en scène Christophe Rauck Avec Louis Albertosi, Thierry Bosc, Éric Challier, Murielle Colvez, Cécile Garcia Fogel, Pierre-Thomas Jourdan, Micha Lescot, Guillaume Lévêque, Emmanuel Noblet, Pierre-Henri Puente, Adrien Rouyard Dramaturgie Lucas Samain • Scénographie Alain Lagarde • Vidéo Étienne Guiol • Costumes Coralie Sanvoisin • Lumière Olivier Oudiou • Musique Sylvain Jacques • Maquillage et coiffures Cécile Kretschmar • Maitre d'armes Florence Leguy Crédit photo © Geraldine Aresteanu, © Christpohe Raynaud de Lage Théâtre Nanterre-Amandiers Du samedi 2 décembre 2023 au vendredi 22 décembre 2023 • Mar, mer, jeu, ven / 19h30 • Sam / 18h • Durée 3h15 entracte compris.

Inspirée du chef-d'œuvre d'Ettore Scola, "Une Journée Particulière", nous transporte dans le Rome du 6 mai 1938. Elle dépeint la rencontre fortuite d'Antonietta et Gabriele, deux âmes égarées dans la solitude de leur immeuble, en marge d'une parade célébrant l'alliance Hitler-Mussolini. Leur dialogue naît d'un incident inattendu – la fuite d'un perroquet – et se transforme en un huis clos bouleversant, révélant leurs solitudes, peurs et désirs inavoués. Des Performances Bouleversantes dans un Cadre Intimiste La pièce brille grâce aux interprétations remarquables de Laetitia Casta, incarnant avec sensualité et naturel le rôle d'Antonietta, et de Roschdy Zem, dont la fragilité et le mystère donnent vie à Gabriele. Une Mise en Scène Subtile et Émouvante Sous la direction avisée de Lilo Baur, la mise en scène, tout en sobriété, met l'accent sur l'émotion brute. Dans un décor minimaliste, l'histoire d'Antonietta, mère dévouée de six enfants et épouse d'un fasciste grossier, et de Gabriele, un journaliste marginalisé pour son homosexualité, se déploie. Leur échange, au-delà d'une simple conversation, devient une quête partagée d'évasion et de compréhension. Un Écho Universel de Résilience L'œuvre devient un symbole de résilience, montrant comment l'entraide et la compréhension peuvent surgir même sous un régime oppressif. Elle résonne intensément avec nos enjeux contemporains tels que la xénophobie, la montée du populisme et la lutte pour l'égalité des sexes, soulignant la capacité indomptable de l'esprit humain à trouver réconfort et compréhension dans un contexte hostile. Le Rôle Essentiel du Décors et de la Scénographie La scénographie, conçue par Bruno de Lavenère, joue un rôle clé dans le récit. Les décors, simples mais évocateurs, forment un contraste frappant avec le tumulte extérieur de l'Italie fasciste, soulignant l'isolement et l'intimité des protagonistes. Les transitions fluides et cinématographiques entre leurs appartements, ainsi que l'utilisation symbolique de la terrasse – une scène culte très attendue et merveilleusement adaptée au théâtre – offrent une métaphore puissante de liberté et d'évasion. Une Célébration de la Force de l'Esprit Humain "Une Journée Particulière" célèbre la résilience et la force de l'esprit humain à travers un récit émouvant et des performances remarquables. Elle illustre le rôle vital du théâtre en tant que vecteur d'éducation, d'émotion et d'inspiration, offrant une expérience mémorable qui nous touche profondément. En incitant à l'empathie et à la solidarité, la pièce se dresse comme un rappel poignant de la puissance du théâtre à émouvoir les cœurs et éveiller les consciences, laissant une empreinte indélébile chez ceux qui la découvrent. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 UNE JOURNÉE PARTICULIÈRE D’après UNA GIORNATA PARTICOLARE De Ettore SCOLA Adaptation pour le Theatre Gigliola Fantoni et Ruggero Maccari Texte français Huguette Hatem Avec Laetitia Casta, Roschdy Zem Et Joan Bellviure, Sandra Choquet Scénographie Bruno de Lavenère • Costumes Agnès Falque • Lumière Laurent Castaingt• Musique Mich Ochowiak • Vidéo Etienne Guiol Crédit photo ©Simon Gosselin THÉÂTRE DE L’ATELIER DU 2 AU 31 DÉCEMBRE 2023 • Du mardi au samedi à 21h, le dimanche à 16h • Double représentation exceptionnelle, le 31 décembre à 16h et 21h • Durée 1h30 Tournée Les 30 et 31 octobre Équilibre & Nuithonie - Fribourg Du 10 au 12 janvier Théâtre National de Nice Les 19 et 20 janvier Châteauvallon- Liberté Scène Nationale Du 23 au janvier Théâtre du Jeu de Paume - Aix-en-Provence Le 13 février Salmanazar Scène conventionnée d’Epernay, Février 2024 Teatro Cucinelli - Perugia

"La femme n'existe plus", la dernière création de Céline Führer et Jean-Luc Vincent, est une comédie qui aborde le féminisme avec un humour décapant et offre peut-être une nouvelle perspective sur le sujet… nous invitant ainsi à remettre nos idées en place ! Fuhrer et Vincent, anciens membres de la troupe Les Chiens de Navarre, sont reconnus pour leur approche audacieuse et satirique des sujets sociopolitiques. Dans cette pièce, en collaboration avec Valérie Karsenti et Cédric Moreau, ils livrent une satire féministe à la fois hilarante et provocatrice. L'intrigue se déroule dans un monde dystopique où le féminisme est plus nécessaire que jamais. Dans cette réalité alternative, Yann Moix et Michel Houellebecq occupent des postes gouvernementaux, tandis que Booba reprend des chansons de Michel Sardou. Le G.R.A.F (Grand Retour Aux Fondamentaux) a instauré une dictature patriarcale. Face à cela, quatre femmes, membres du groupe "Souterraines mais souveraines" et inspirées par des icônes féministes telles que Simone de Beauvoir et Françoise Dolto, se cachent dans un tunnel pour résister et planifier leur rébellion, visant à perturber la Journée de l’Homme, prévue Place Olivier Duhamel. Céline Fuhrer, soulignant que « l'humour, derrière ses gros traits, évite d’être univoque et peut inviter à plus de nuances », utilise cette pièce pour transcender la comédie traditionnelle et créer une satire politique perspicace, interrogeant profondément les luttes féministes contemporaines. L'approche de Fuhrer et Vincent mélange habilement l'absurde avec une riche palette de références culturelles et historiques, offrant ainsi un spectacle divertissant, réfléchi, et profondément hilarant. Dans cet abri chaotique, un tourbillon d'événements se déchaîne La pièce "La femme n'existe plus" se distingue par son mélange unique de genres, combinant le boulevard et le café-théâtre, tout en provoquant des rires incessants. Elle se caractérise par des scénettes variées, oscillant entre humour noir et satire acerbe, apportant ainsi fraîcheur et originalité. L'esthétique de la pièce est marquée par un décor bricolé avec créativité et des costumes excentriques, créant un univers à part. Le dialogue, mêlant références féministes et machistes, est un florilège d'absurdité. Certaines scènes, telles que la danse des vulves ou un avortement simulé, illustrent bien cette approche. Bien que parfois excessive et au rythme inégal, "La femme n'existe plus" est remarquable pour son audace et son humour incisif. Les performances, notamment celle de Valérie Karsenti, méritent des applaudissements. La pièce maintient un équilibre délicat entre divertissement et message substantiel, invitant à réfléchir sur le féminisme et ses enjeux dans notre société contemporaine. "La femme n'existe plus" est un spectacle qui, malgré ses imperfections, propose une vision courageuse du féminisme. Fuhrer et Vincent démontrent que l'humour peut être un outil puissant de réflexion et de transformation sociale, fusionnant comédie, mélodrame et hommages cinématographiques pour créer une œuvre à la fois grinçante, loufoque et profondément engagée. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 La femme n'existe plus Texte et mise en scène Céline Fuhrer et Jean-Luc Vincent Avec Céline Fuhrer, Valérie Karsenti, Cédric Moreau, Jean-Luc Vincent Scénographie François GAUTHIER-LAFAYE Costumes Elisabeth CERQUEIRA • Création lumière Ludovic BOUAUD • Musique originale Christophe RODOMISTO • Voix Caroline BINDER, Solal BOULOUDNINE, Benoît CROU, Camille MEYNENG, Nathalie MEYNENG, Christophe RODOMISTO, Sébastien VION • Chant Katel • Crédit photo © Yannick Debain et © Joseph Philippe Bevillard Théâtre du Rond-Point Du 6 au 31 décembre 2023 • Du mardi au vendredi à 19h30 • Samedi à 18h30 - dimanche 10 et dimanche 17 décembre à 15h30 • Dimanche 31 décembre à 18h • Durée 1h30 • À partir de 14 ans TOURNÉE 8 — 11 novembre 2023 Châteauvallon-Liberté, scène nationale / Toulon (83) 16 — 26 novembre 2023 Théâtre des Célestins (69) 29 novembre — 1er décembre 2023 Moulin du Roc, scène nationale / Niort (79) 12 janvier 2024 Théâtre Châtillon-Clamart (92) 18 janvier 2024 Théâtre des 2 Rives / Charenton-le-Pont (94) 26 janvier 2024 Le Beffroi / Montrouge (92) 22 et 23 février 2024 Théâtre du Bois de l’Aune / Aix-en-Provence (13)

"Le fol optimisme de ceux qui se mangent des murs" Marc Tourneboeuf, un artiste aux multiples facettes - comédien, auteur et metteur en scène - revient pour nous enchanter avec son humour étincelant et une maîtrise sans pareille de la langue de Molière. Après avoir captivé les cœurs avec "Le Récit Poétique mais pas Chiant d'un Amoureux en Voyage", il est de retour, avec un éclat de rire sous le bras, un peu impatient mais toujours indéniablement talentueux. Tenez-vous prêts pour un nouveau spectacle hilarant, promettant un déluge de rires et de finesse à chaque tournure ! Toujours pressé, il jongle avec les distractions incessantes - merci les réseaux sociaux - et ses propres frissons d'inquiétude, créant ainsi une œuvre pétillante. Il travaille dur, avec l'espoir secret que le succès arrive en coup de vent et que « la réussite » le surprenne ! « La réussite, c’est d’aller d’échec en échec sans perdre l’enthousiasme », disait Churchill. Et bien, jusqu’ici, Marc réussit tous ses échecs avec beaucoup d’enthousiasme ! Il transforme chaque raté en fête ! Castings, tournages, amours… Mêlant prose et poésie, il garde son sourire en toutes circonstances et aborde les échecs de la vie avec légèreté et honnêteté. L’Impatient vous invite dans l'aventure trépidante d'un jeune comédien passionné, de Paris à Avignon, de la France à l’Asie, avec un détour par l’Australie, toujours le mot pour rire. Un véritable maestro Avec une mise en scène sobre et efficace qui complète parfaitement l'énergie survoltée de Marc, percutant et surprenant, il excelle dans son jeu, maniant les mots avec une finesse et une précision remarquable. Son interprétation est à la fois poétique et hilarante, rendant son spectacle à la fois drôle et touchant. Un rythme effréné de jeux de mots et d'humour Ce spectacle est un pur divertissement, mais c'est aussi une réflexion sur l'art de la persévérance et la beauté de l'échec dans la quête de la réussite. "L'Impatient ou le fol optimisme de ceux qui se mangent des murs" est une œuvre qui parle de continuer à créer de l'art malgré les désillusions, une ode à la vie et à l'art. Pour tous ceux qui cherchent à rire et à être inspirés, pour les amateurs d'humour intelligent et de poésie, la performance de Marc Tourneboeuf dans "L'Impatient" est incontournable. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 L'IMPATIENT ou le fol optimisme de ceux qui se mangent des murs de et avec Marc Tourneboeuf mise en scène Gretel Delattre Photo Nicolas Valois THÉÂTRE DU MARAIS ACTUELLEMENT • Tous les mardis à 21h • Durée 1h10

Dans le paysage théâtral contemporain, "Une merveilleuse histoire de sexe dégueulasse", écrite par Pierre Notte et mise en scène par Benoît Giros, se distingue comme un voyage théâtral à la fois poignant et provocateur. Cette pièce audacieuse explore sans tabou les thèmes de l'amour, du sexe et de la solitude à l'âge mûr, révélant la complexité des relations humaines à travers les personnages de Benoît et Pierre, deux hommes de plus de cinquante ans. Ayant renoncé à l'amour, un idéal auquel ils ne croient plus, ils se retrouvent pourtant inéluctablement sur des applications de rencontres. En clowns tragiques et grotesques, ils tentent de s'adapter aux outils contemporains du sexe. Pensant connaître leurs désirs, ils se fourvoient souvent, leur lutte intérieure oscillant entre le désir de relations éphémères et une attraction inattendue et puissante, les amenant vers une relation qui défie leurs convictions, ressemblant étrangement à une véritable histoire d'amour. Le partenariat artistique entre Pierre Notte et Benoît Giros, initié avec des projets tels que "La magie lente" et "Jubiler" de Denis Lachaud, atteint ici son apogée. Leur complicité sur scène apporte une authenticité rare, reflétant les fluctuations émotionnelles de leurs personnages. Pierre Notte, perçu par Benoît Giros comme un artiste « écorché vif », aborde l'amour d'une manière inhabituelle, préférant une sincérité brute au romantisme traditionnel. Leur performance, marquée par une grande profondeur émotionnelle et un humour parfois, crée une alchimie scénique palpable et puissante. La prose de Notte, directe mais élégante, captive avec des dialogues incisifs, jonglant entre humour noir et tendresse. « J'avais hâte de me confronter à son style tranchant et ses répliques acérées ». Sous le regard vif de Giros, la pièce raconte l'amour et le sexe "à l'envers" : En explorant comment la haine de soi se transforme. Devient l’amour de l’autre. et comment un amour initialement rejeté, s’immisce dans notre vie, sans qu’on le veuille, sans qu’on le sache, pour finalement changer notre perception du monde et de notre identité. Giros propose un espace scénique évoquant le danger et l'instabilité. Illustrant les défis émotionnels des personnages. « Des objets jonchent le sol. Des aubergines, des bouteilles de chablis, des objets tranchants et aussi, finalement, des pansements », devenant le symbole des risques inhérents à l'amour et aux relations humaines. "Une merveilleuse histoire de sexe dégueulasse" est une interrogation sur l'essence même du désir à une époque où les rencontres sont dominées par l'éphémère. Cette pièce questionne ce qui lie les individus, oscillant entre désir, répulsion, sexe et amour inavoué et suggère que le théâtre peut être un miroir de vérité. Une introspection profonde sur l'amour et les relations humaines Ce spectacle offre une vision intense de l'amour à une époque où la société a tendance à marginaliser les désirs et émotions. Il nous défie de percevoir les choses différemment, sans préjugés. Mariant avec habileté humour, douleur et vérité, cette pièce propose une expérience théâtrale riche et mémorable, voire inoubliable. C'est un voyage révélateur au cœur de l'âme humaine, provocateur tout en étant profondément touchant. UNE MERVEILLEUSE HISTOIRE DE SEXE DÉGUEULASSE Une pièce de Pierre Notte Mise en scène Benoît Giros Avec Pierre Notte et Benoît Giros Costume Sarah Leterrier • Lumières Natacha Raber • Musiques Pierre Notte Crédit photo © Eric Schoenzetter THÉÂTRE LA REINE BLANCHE Du mercredi 29 novembre au vendredi 22 décembre • Les mercredis et vendredis à 21h et les dimanches à 18h • Durée 1h05

Après une série de succès retentissants en France en 2023, culminant avec des ovations debout au Grand Rex et ailleurs, nous avons eu le privilège d'assister à un petit-déjeuner royal au théâtre de la Tour Eiffel. Ce fut l'occasion de rencontrer le talentueux chef d'orchestre Samuel Sené, ainsi que les remarquables interprètes Gwendal Marimoutou et Prisca Demarez. Ils étaient là pour annoncer un événement musical majeur : les 15 et 16 mars 2024, James Bond, l'agent secret iconique, sera à l'honneur au Grand Rex pour un concert exceptionnel. Intitulé "Bond Symphonique", ce concert est une première : une célébration symphonique des thèmes musicaux et chansons des films de James Bond. Cinquante musiciens de l'Orchestre Colonne et Musidrama, accompagnés de deux chanteurs, interpréteront ces mélodies inoubliables. Les spectateurs redécouvriront des classiques comme "Goldfinger", "Skyfall" et "Live and Let Die", entre autres. L'orchestre, composé de deux ensembles - un symphonique et un autre orienté vers la pop et le jazz - promet une performance vibrante, reflétant les 61 ans d'histoire de la franchise James Bond. Samuel Sené fait plus que diriger ; il captive l'audience avec des anecdotes et des explications sur les compositions, offrant une expérience immersive et éducative. Les voix exceptionnelles de Gwendal Marimoutou et Prisca Demarez donneront vie aux chansons emblématiques des films. Marimoutou excelle dans les morceaux pop-rock, tandis que Demarez, avec sa voix puissante et sensuelle, interprète magistralement des titres célèbres de Nancy Sinatra, Shirley Bassey, et Adele. Joseph Faragone, le producteur du projet avec Stéphane Lepellier, souligne le succès du spectacle depuis son lancement en février 2020, malgré les reports. Les ventes pour les dates de mars 2024 sont déjà florissantes, témoignant de l'attrait continu de cet univers musical riche et captivant et il semble qu'une nouvelle tournée se profile à l'horizon, mais pour l'instant, cela reste un secret bien gardé. "Bond Symphonique" est plus qu'un concert ; c'est une célébration de l'héritage de James Bond, une expérience immersive qui transcende le temps et ravive des souvenirs cinématographiques inoubliables. C'est une preuve éclatante de la façon dont la musique peut enflammer l'imagination et réveiller des émotions profondes. Un événement à ne pas manquer pour tous les amateurs de musique et de cinéma. BOND SYMPHONIQUE Le Grand Rex Les 15 et 16 mars 2024 Crédit photo © Yann Salaün