« Votre fils est mort » Il peut être parfois judicieux d’aller voir un spectacle sans connaître son sujet. Après le chaos est typiquement ce type de proposition au thème si effroyable qu’il pourrait vraiment donner envie de fuir. Mais c’est aussi l’occasion, en se plaçant sur un point de vue différent, le ressenti de la mère d’un monstre, de réfléchir et de penser le monde différemment : Comment surmonter la perte, le deuil de l’être le plus cher quand celui-ci a commis l’impardonnable ? Comment se positionner, que penser ? Comment continuer à vivre, à aimer dans de pareilles conditions ? Une femme, une mère, seule en scène qui vient d’apprendre l’innommable, la mort de son fils meurtrier, va témoigner et se confesser. C’est après les attentats de 2015 qu’Élisabeth Gentet-Ravasco a eu l’idée d’écrire ce texte. Comme beaucoup de mères, mon cœur s’est serré en imaginant mon enfant au milieu de ces cris, de cette foule paniquée, de cette violence, de ces morts. Élisabeth Gentet-Ravasco « En tant qu’être humain, mais aussi en tant qu’autrice, je m’interroge souvent sur les motivations des uns et des autres » Et cette idée, disons le… est géniale ! Avec cette pièce brillante et magnifiquement écrite, nous allons partir au cœur de la tragédie, à la rencontre de l’horreur et nous allons tenter de comprendre l’incompréhensible. Au compte goutte, au milieu d’un plateau presque vide, avec un véritable suspense digne d’un film noir, des mots rudes, directs et crus, le récit des évènements tragiques va nous être dévoilé. J’ai voulu que Après le chaos se vive comme un parcours théâtral dans lequel chaque spectateur accompagne cette femme. J’ai voulu orienter la direction d’acteur vers une recherche de la simplicité, de l’authenticité, de la vérité et de l’intensité. Stéphane Daurat, metteur en scène Véronique Augereau, bouleversante et déroutante, compose avec la lumière, la bande son étrange, les projections mystérieuses et abstraites et nous livre ce texte si puissant, imprégné d’émotion. L’ambition d’Avant l’Aube est de proposer une connexion sonore tout à la fois sous et sus-jacente au texte, tel un écho sensoriel au drame et au monologue intérieur de cette mère. Avant l'Aube, création musique Après le chaos est un spectacle qui parle du jour d’après Ce jours, après un crime effroyable, où tout a été détruit, anéanti. Ce spectacle, ce cri, à la fois effroyable et d’une beauté incroyable, toujours juste, subtil et sans jamais être pathétique, nous propose un voyage au coeur de l’intime et de l’émotion de cette mère fracassée. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 Après le chaos Texte Élisabeth Gentet-Ravasco Mise en scène Stéphane Daurat Avec Véronique Augereau Musique Avant l'Aube Scénographie Sébastien Sidaner Lumière Sébastien Vergnaud Conception et réalisation vidéo Fanny-Gaëlle Gentet Photos et visuel Fanny Gaëlle Gentet Spectacle vu à la Manufacture des Abbesses FESTIVAL OFF AVIGNON THÉATRE DES CORPS SAINTS Du 7 au 29 juillet 2023 à 11h40 • Relâche les lundis 10, 17 et 24 juillet

« Tout est politique. Même la coupe mulet. » T.I.N.A. : There is no alternative est un spectacle qui pousse le public à remettre en question l'idéologie ultra-libérale des années 80 et ses conséquences sur notre époque contemporaine. À travers une réflexion profonde, l'interprète et auteure de la pièce explore la notion de coupe mulet comme symbole de cette vision individualiste de la vie. Dès le titre, on est plongé dans une proposition artistique audacieuse et engagée. Le texte, bien que long et parfois décousu, parvient à captiver l'attention du spectateur en lui offrant une expérience unique. L'auteure remet en question l'idée selon laquelle il n'y aurait pas d'alternative à cette vision ultra-libérale, invitant chacun à repenser notre société et à envisager d'autres possibilités. L'intrigue Le spectacle se démarque par sa volonté de ne pas se résumer ni se classer. L'auteure refuse de le définir clairement, laissant cette tâche à d'autres personnes de son entourage. Les réflexions de Lucie Reinaudo, co-metteuse en scène, et d'Alexandre Pavlata, qui avoue ne pas avoir tout compris mais ressentir le besoin de le mettre en scène, témoignent de la profondeur et de la pertinence du propos. Le metteur en scène, Alexandre Pavlata, parvient à trouver le juste équilibre pour mettre en valeur le texte. L'utilisation de l'image du Clown Blanc est une brillante idée, offrant des moments d'intimité et de grandiloquence. La mise en lumière de Fabrice Peineau contribue à créer une atmosphère visuelle captivante, ajoutant une dimension supplémentaire à la performance de l'interprète. Tout au long du spectacle, l'interprète et auteure se dévoile avec une autodérision touchante. Elle explore les contradictions de notre société contemporaine, interrogeant la notion de réussite et d'échec, ainsi que les injonctions contradictoires qui nous sont imposées. Sa fragilité devient sa force, et ses angoisses se transforment en perles d'humour qui résonnent en nous. Une invitation à la réflexion « Depuis que je suis enfant, je cherche à donner un sens à ce qui n’en a pas » La pièce met en lumière les dérives de notre monde moderne et appelle à une remise en question des valeurs qui le régissent. Elle revendique le droit au doute dans une société où l'efficacité semble prédominer. T.I.N.A. : There is no alternative est un spectacle qui se démarque par sa volonté de repenser notre société contemporaine. À travers une approche humoristique et introspective, l'interprète et auteure de la pièce nous pousse à remettre en question les normes et les idées préconçues qui façonnent notre réalité. Elle nous invite à explorer de nouvelles perspectives, à envisager des alternatives et à embrasser le droit au doute. Si vous cherchez un spectacle qui bouscule les certitudes et stimule la réflexion, T.I.N.A. est fait pour vous. Pendant 1h, ne manquez pas l'occasion de vous installer sur le bas-côté de la route avec l'interprète et auteure, et ensemble, explorons un monde où les alternatives sont possibles, faisons ensemble notre propre état des lieux et rions… ou pas. Avis de Foudart 🅵🅵 « On ne va pas finir sur un enterrement. Enfin si. Indéniablement si. Ca se terminera comme ça pour nous tous. Mais pas tout de suite. Enfin j’espère. » T.I.N.A. There is no alternative Jeu & écriture Garance Legrou Mise en scène Alexandre Pavlata Création lumière Fabrice Peineau Création costume Agathe Laemmel Création musicale Judicaël Denecé Crédit photo ©Marie-Charbonnier FESTIVAL OFF AVIGNON THÉÂTRE DES BÉLIERS Du 7 AU 29 JUILLET 2023 à 11H05 • RELÂCHE LES LUNDIS • DURÉE 1H15

La pièce de théâtre "Coupures" aborde la question de la démocratie et du débat démocratique en mettant en scène un maire écologiste qui, malgré ses convictions, décide de déployer des antennes-relais de la dernière génération dans sa commune, sans en informer la population. Une comédie satirique, à la fois féroce, puissante, drôle et intelligente ! Samuel Valensi et Paul-Eloi Forget ont eu l'idée d’écrire cette pièce en l'absence de débat démocratique lors des discussions autour de l'installation de la 5G. Ils ont été choqués par le fait que les citoyens, premiers concernés, n'aient pas été consultés. En dehors des thèmes particulièrement actuels comme l'écologie, les problèmes économiques des exploitations agricoles et les tensions du débat démocratique, cette coupure entre les lieux de pouvoir et les gens est, certainement, le thème principal de cette pièce. "Coupures" est même au pluriel car les auteurs ont constaté une solitude commune chez les citoyens qui ne supportent plus que les élus trahissent leurs promesses. Des situations conflictuelles, pleines d’ironies et de cruautés, étant créer par les gens qui ne parlent plus la même langue et ne se comprennent plus. Si la pièce est bien construite et intelligente, si le rythme est particulièrement fluide et enlevé, ce spectacle a tout de même quelques longueurs et quelques raccourcis assez alambiqués. Mais cette pièce qui fait réfléchir, tout en étant drôle et émouvante, reste nécessaire, utile et passionnante. Avis de Foudart 🅵🅵 COUPURES Écriture et mise en scène Paul-Eloi Forget et Samuel Valensi Avec June Assal, Michel Derville, Lison Favard en alternance avec Emelyne Chirol, Paul-Eloi Forget, Valérie Moinet et Samuel Valensi Crédit / Copyright © JulesDespretz Spectacle vu au THÉÂTRE DE L’ŒUVRE FESTIVAL OFF AVIGNON THÉÂTRE DES BÉLIERS Du 7 au 29 juillet 2023 à 10h • relâches les lundis 10, 17 et 24 • Durée 1h30

Après 2 soeurs qui se joua à guichet fermé lors du Off 2022, Marien Tillet revient avec une nouvelle création théâtrale intitulée Une vampire au soleil. Le metteur en scène musicien explore l'irruption du fantastique et brouille les frontières entre fiction et réalité. Cette pièce met en scène une vampire qui brave les dangers du soleil pour se livrer au grand jour et prendre la parole. Toutefois, sa mémoire défaillante remet en question l'immortalité et la pertinence d'une existence sans fin. Le récit instable et sinueux de la vampire remet en cause son identité et son authenticité. Est-elle réellement ce qu'elle prétend être ? Ou bien son histoire n'est-elle qu'un prétexte pour fuir une réalité qu'elle ne souhaite pas affronter ? Le musicien présent sur scène intervient par moments, reprenant des phrases et modifiant quelques détails, ajoutant ainsi une dimension de trouble à l'histoire. Ce road trip mental nous plonge dans l'emprise et la vulnérabilité d'une femme qui se risque à l'exposition et à la brûlure irrémédiable. À travers le personnage de la vampire, l'œuvre soulève la question de la perte des repères et de la désorientation liées à la vie nocturne. Ces individus décalés dans le temps, vivant la nuit, évoluent dans un monde où le son a plus d'espace pour se diffuser, où les soleils sont gâchés. La fragilité de la mémoire et la toute-puissance de l'immortalité s'entrechoquent, laissant la vampire dans un état de confusion rappelant celui d'une personne atteinte d'Alzheimer. L'imagination, à la fois refuge et arme L'histoire de la prétendue vampire peut être vue comme une échappatoire à une agression vécue, permettant au personnage de se reconstruire et de se protéger. La relation entre l'éclairage et la distance avec la source de lumière résonne avec la difficulté de la protagoniste à raviver ses souvenirs et à assumer son côté sombre. Le musicien, dans l'ombre, représente la seule connexion avec la réalité, faussement discret et effacé. La musique occupe une place prépondérante dans la pièce, créée intégralement sur scène. Pour Marien Tillet, la musique est un acte théâtral qui ne peut pas être simplement lancé depuis la régie. Elle est visible, signifiante et annexée à celui qui la produit, le musicien lui-même. L'utilisation de la musique en direct est une véritable prouesse artistique. Les sonorités blues et folk créent une ambiance envoûtante, amplifiant les émotions et les questionnements du personnage principal. La musique devient ainsi le langage de l'âme tourmentée de la vampire, résonnant en chacun de nous. La performance de Marik Renner est remarquable. Elle parvient à capter l'essence tourmentée de la vampire en oscillant entre force et fragilité, entre le désir de s'exposer et la peur d'affronter la réalité. Le jeu subtil des lumières et des ombres renforce l'atmosphère mystérieuse et introspective de la pièce. Une vampire au soleil est une création théâtrale audacieuse et captivante qui explore les méandres de la mémoire, de l'identité et de l'immortalité. Marien Tillet, à travers son utilisation novatrice de la musique et et sa façon d’introduire le fantastique, nous plonge dans un univers troublant où la frontière entre fiction et réalité devient floue. Cette pièce nous pousse à remettre en question nos certitudes et à réfléchir sur notre propre rapport à la mémoire et à l'éphémère. Malgré la complexité narrative qui peut parfois nous égarer et nous rendre perplexe, cette expérience théâtrale se révèle indéniablement puissante. Elle reste dans notre mémoire et ne laisse personne indifférent. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 UNE VAMPIRE AU SOLEIL avec Marik Renner & Marien Tillet Texte, mise en scène et musique Marien Tillet co-écriture Marik Renner Scénographie et lumières Samuel Poncet Son Pierre-Alain Vernette Crédit photo ©JO FESTIVAL OFF AVIGNON LA MANUFACTURE - INTRA MUROS Du 7 au 24 juillet • 21h20 • Relâches les 12 et 19 juillet • à partir de 13 ans • Durée 1h15

« C'est curieux, un chef d’oeuvre ! Bien souvent, on trouve ça fascinant simplement parce que d’autres, avant nous, ont dit que c'était fascinant. Mais en vérité, c'est quoi un chef-d'œuvre ? ». En creusant la piste, et en remontant le fil de Mona Lisa dans le labyrinthe des siècles, l’auteur Stéphane Landowski, souhaite nous faire découvrir ce chef-d'œuvre fascinant à travers un récit captivant. Le Testament Médicis nous entraîne dans une épopée familiale extravagante, remplie d'humour, de rythme et d'émotion. À travers les yeux d'un gardien du musée du Louvre sur le point de prendre sa retraite, nous sommes transportés dans une histoire qui explore les secrets et les mystères entourant ce chef-d'œuvre emblématique. La pièce débute par la dernière nuit de service du gardien, qui décide de partager ce moment avec son fils, Laurent. Ce dernier se retrouve alors plongé dans l'histoire de Mona Lisa, une toile qui a traversé les siècles et suscité de nombreuses interrogations. Grâce aux récits de son père, Laurent est emmené dans un voyage extraordinaire à travers le temps, rencontrant des personnages tels que François Ier, Léonard de Vinci et Vincenzo Peruggia, qui ont tous joué un rôle dans l'histoire de la Joconde. « Les enfants ont besoin d'histoires pour s'endormir. Les adultes ont besoin d'histoires pour s'éveiller. » À travers une intrigue captivante, nous découvrons les différentes histoires qui ont émergé autour de la Joconde de Vinci, tout en suivant les parcours des personnages gravitant autour d'elle. La mise en scène astucieuse de Raphaëlle Cambray nous permet de voyager d'une époque à une autre et de plonger dans l'histoire de la famille du gardien, grâce à son ingéniosité et à sa capacité à maintenir l'attention du public. Les acteurs ont l'occasion de se glisser dans plusieurs rôles, créant ainsi une véritable galerie de personnages hauts en couleur. La scénographie inventive et ludique nous offre un véritable spectacle visuel, renforçant l'immersion dans cet univers captivant. La pièce nous rappelle que la valeur d'un chef-d'œuvre ne réside pas seulement dans sa renommée, mais dans sa capacité à toucher notre humanité. Le Testament Médicis propose une réflexion sur l'importance de l'art et de l'histoire dans nos vies. Au-delà d'un simple tableau accroché aux murs d'un musée, Mona Lisa se révèle être une femme avec sa propre histoire et sa version des faits. Le Testament Médicis va bien au-delà d'une simple pièce de théâtre sur l'histoire de Mona Lisa À travers un mélange habile de fiction et de faits historiques, cette pièce nous plonge dans une épopée palpitante. Les personnages gravitant autour de la Joconde sont autant de pièces d'un puzzle complexe : un banquier ambitieux, un roi en proie au doute, un génie de la peinture en fuite et même un voleur maladroit. Chacun d'entre eux contribue à l'histoire mouvementée de ce chef-d'œuvre, apportant sa propre couleur et révélant des aspects inattendus. Préparez-vous à rire, frissonner et voyager à travers les siècles et les secrets de familles En mêlant habilement fiction et réalité historique, Le Testament Médicis nous offre une nouvelle perspective sur l'histoire de Mona Lisa. Une véritable plongée dans l'univers de l'art et de ces mystères. Si vous êtes curieux de connaître les histoires qui se cachent derrière le triste sourire de Mona Lisa, cette pièce est un incontournable. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 Le Testament Médicis De Stéphane Landowski Mise en scène Raphaëlle Cambray Avec Karina Testa, Éric Prat ou Jean-Marie Frin, Antoine Pelletier, Mickaël Abiteboul ou Sébastien Lalanne, Nicolas Poli, Massimo Riggi ou Audran Cattin Création lumière Denis Schlepp Création musicale Raphaël Sanchez Scénographie Pauline Gallot Costumière Mélisande de Serres Crédit Photo Bastien Spiteri THÉÂTRE LEPIC Jusqu’au 03 Septembre 2023 Du mardi au vendredi à 21h00 • Les samedis à 17h00 et 21h00 • Les dimanches à 15h00 • Durée 1h15

Louise Weber, surnommée La Goulue, était une icône emblématique de la Belle Époque à Paris. Elle était bien plus qu'une simple danseuse du Moulin Rouge ; c'était une femme audacieuse et rebelle, vivant une vie affranchie des contraintes sociales et morales de son époque. Son histoire méconnue est désormais portée sur scène par Delphine Grandsart, qui incarne avec passion et énergie cette personnalité hors du commun. La Goulue est principalement connue pour sa carrière au Moulin Rouge et son association avec le peintre Toulouse-Lautrec, qui a immortalisé son image dans ses célèbres affiches. Cependant, cette période faste ne représente qu'une fraction infime de la vie de Louise Weber. Delphine Gustau, l'auteure de la pièce, souhaite mettre en lumière la femme derrière La Goulue, et non simplement la danseuse de cancan. Elle estime que Louise Weber mérite d'être célébrée pour sa personnalité et sa quête de liberté. « La Goulue revendiquait une liberté personnelle et sociale, n'ayant pas peur de défendre ses idéaux, même si cela impliquait de braver les conventions de l'époque ». La mise en scène du spectacle se veut fidèle à l'époque de La Goulue, rendant hommage à l'œuvre de Toulouse-Lautrec et célébrant la gouaille du peuple ainsi que le quotidien de ceux qui se moquaient des normes de bienséance. Toutes les femmes d'une époque « Célébrer La Goulue, c'est aussi rendre hommage à toutes les femmes de l'époque qui ont lutté pour leur liberté bien avant que le féminisme ne devienne un enjeu politique. » Louise Weber était une femme au destin incroyable, marquée par l'abandon, la perte de ses parents et une vie tumultueuse. Elle a bravé les conventions sociales, affronté des procès et assumé sa bisexualité. Après sa carrière de danseuse, elle est devenue danseuse du ventre et dompteuse de fauves dans les foires, allant jusqu'à porter des pantalons, ce qui était alors considéré comme scandaleux. Malheureusement, sa vie a pris une tournure tragique, marquée par la perte de son fils, l'alcoolisme et la misère. Le récit nous transporte dans le temps, de l'enfance de Louise Weber jusqu'à sa fin tragique, abordant des thèmes toujours pertinents tels que l'homosexualité, les violences conjugales, la syphilis et l'avortement. Pendant une heure émouvante et sincère, la scandaleuse reine du cancan, décédée dans l'indifférence en janvier 1929, renaît sur scène et nous captive. Delphine Grandsart, l'actrice qui incarne La Goulue sur scène, partage cette vision. Elle admire la volonté d'indépendance de Louise Weber, qui résonne encore aujourd'hui et fait d'elle un personnage d'une grande modernité. Portée sur scène avec passion et énergie par Delphine Grandsart, La Goulue représente non seulement une icône emblématique, mais aussi une source d'inspiration moderne grâce à sa volonté d'indépendance et de défi des conventions. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 LOUISE WEBER DITE LA GOULUE De Delphine Gustau Mise en scène Delphine Grandsart et Delphine Gustau Avec Delphine Grandsart Musique Matthieu Michard Lumière Jacques Rouveyrollis Costumes et décors Delphine Grandsart Crédit photo © Philippe Wojazer THÉÂTRE LE LUCERNAIRE Du 21 juin au 30 août 2023 Du mercredi au samedi à 19h • Le dimanche à 15h30

« Tout le monde connaît le tableau, personne ne connaît l’histoire. » L'œuvre spectaculaire de Théodore Géricault, Le radeau de la Méduse, occupe indéniablement une place de choix parmi les œuvres les plus célèbres de l'histoire de l'art, et peut-être même parmi les plus scandaleuses. Cependant, peu de gens sont familiers avec les détails tragiques qui ont précédé ce terrible naufrage réel survenu en 1816, l'une des plus grandes catastrophes maritimes du XIXe siècle. Heureusement, nous pouvons compter sur la présence de Pierre-Laurent Coste, l'un des survivants, pour éclairer notre lanterne… Dans cette pièce de théâtre captivante, les auteurs Geoffrey Callènes et Antoine Guiraudnous plongent dans une histoire méconnue et nous font revivre les événements qui ont inspiré Géricault. L'idée de raconter cette histoire sur scène est née de la volonté de donner vie aux personnages et de créer une expérience immersive pour le public. Les auteurs pensent que le théâtre offre une possibilité unique de combiner le pouvoir des mots, du corps et de la voix pour raconter une histoire de manière vivante. Ainsi, plutôt que de simplement relater les faits dans un récit traditionnel, ils ont choisi la forme d'un seul en scène, permettant à Geoffrey Callènes (dans le rôle de Pierre-Laurent Coste) de se mettre dans la peau des différents personnages et de les interpréter avec virtuosité. Le récit plonge dans la période où Théodore Géricault s'est isolé pendant des semaines pour préparer la création de son chef-d'œuvre. À travers les yeux du peintre lui-même, nous sommes transportés dans un univers où les personnages fictifs et les événements réels s'entremêlent, donnant ainsi une dimension singulière à ce drame maritime. Nous suivons les méandres de la pensée d'un peintre de génie, engagé dans un processus de création où il cherche à découvrir sa vérité artistique profonde. Cette exploration nous plonge également dans des thèmes universels tels que l'incompétence, l'ambition et les luttes de pouvoir, qui ont joué un rôle déterminant dans cette catastrophe. Les puissants de l'époque, aveuglés par leur arrogance et leur indifférence, ont condamné des centaines de vies à une mort certaine. C'est une critique sociale qui résonne encore aujourd'hui, rappelant la négligence et l'insouciance des classes dirigeantes envers les plus vulnérables. Les aspects les plus sombres de la nature humaine… se dévoilent dans ce récit captivant où la folie, le sang et l'horreur se mêlent, mettant en lumière la lutte pour la survie dans des circonstances désespérées. La mise en scène de la pièce est tout aussi remarquable que l'interprétation de Geoffrey Callènes. Les jeux de lumières tranchées et picturales créent une atmosphère immersive, plongeant le spectateur dans les abysses de la psyché humaine. Les contrastes entre clair-obscur et expressionnisme reflètent à la fois la folie, la rage, l'impuissance, mais aussi l'amusement de l'imagination artistique. La radicalité des images accompagne la puissance du récit, faisant de cette représentation théâtrale un moment inoubliable. Malgré toutes les qualités de la pièce, il est vrai qu'elle peut parfois souffrir d'un excès de précisions qui rallonge sa durée. Le grand nombre de personnages et les explications détaillées peuvent nous égarer, nous empêchant ainsi de ressentir pleinement l'émotion attendue. Cela donne l'impression que la performance devient le point central, reléguant l'aspect émotionnel au second plan. Cependant, grâce à la finesse de la mise en scène d'Antoine Guiraud, à l'intensité de la performance de Geoffrey Callènes et à une conclusion très réussie, nous restons totalement captivés du début à la fin du spectacle. Les Secrets de la Méduse est une pièce de théâtre captivante qui nous plonge au cœur d'une histoire méconnue et tragique. À travers une interprétation magistrale et une mise en scène soignée, la pièce nous transporte dans les eaux agitées de ce drame maritime. Elle nous rappelle également l'importance de l'art pour révéler les vérités de notre condition humaine et nous invite à redécouvrir l'histoire derrière l'œuvre intemporelle de Théodore Géricault. Assister à cette représentation est une expérience inoubliable qui nous laisse marqués par les secrets enfouis au fond de La Méduse. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 LES SECRETS DE LA MÉDUSE De Geoffrey Callènes et Antoine Guiraud Avec Geoffrey Callènes Mise en scène Antoine Guiraud Lumières Rémi Saintot THEATRE DE LA HUCHETTE Du 6 juin au 29 juillet 2023 Du mardi au samedi à 21H00 • Durée 1h25

Benjamin Abel Meirhaeghe, à seulement 27 ans, est déjà un metteur en scène de spectacles reconnu avec plusieurs réalisations à son actif. En plus de cela, il est l'un des directeurs artistiques du Toonelhuis d'Anvers. Contre-ténor, interprète et metteur en scène de spectacles lyriques, musicaux et visuels, Meirhaeghe est réputé pour sa créativité débordante et son audacieux mélange des genres. Il contribue à promouvoir la scène artistique belge et repousse les limites de l'opéra et du ballet. Son dernier spectacle, intitulé A Revue, est un cabaret rétro-futuriste qui nous transporte dans un monde où nous sommes projetés deux mille ans dans le futur. Les habitants de la Terre organisent une revue nocturne où des numéros musicaux et de danse couvrent une période allant du Moyen Âge jusqu'à l'année 4020. Que ce soient des demi-humains, des extraterrestres ou des androïdes, les protagonistes réalisent cette revue dans l'espoir de mieux comprendre le passé et de s'y connecter. Le spectacle interroge les sources et les artefacts avec lesquels ces créatures interagiront : partitions musicales, vinyles, CD, costumes, décors, pistes numériques, clips vidéo musicaux. Comment ces créatures déchiffreront-elles, interpréteront-elles et façonneront-elles ce matériel avec leurs (in)capacités ? Chanteurs, instrumentistes, danseurs, performeurs et artistes visuels construisent ensemble un nouveau monde en plongeant dans l'histoire de la musique Ils recherchent la puissance brute de la voix et du corps. Le théâtre devient alors une machine à remonter le temps, à la fois nostalgique et révolutionnaire. L'idée de départ d'A Revue est une réflexion exercée par la science-fiction, à moins qu'on ne la regarde autrement. Les extraterrestres dont il est question sont en réalité nous-mêmes, chaque fois que nous tentons de donner un sens aux artefacts du passé. Qu'il s'agisse d'un musicien essayant de déchiffrer une mélodie médiévale à partir d'une série de boucles sur un parchemin, d'une soprano chantant un air baroque du XVIIe siècle avec une partition sommaire, d'un musicien de jazz improvisant sur une progression d'accords standard, d'un touriste parcourant le Forum Romanum et essayant de reconstituer une maison de temples disparus, ou d'un architecte découvrant une histoire derrière chaque petit fragment d'un vase brisé. « Chaque interaction avec les traces du passé est une quête dans l'obscurité. La non-compréhension et l'aliénation nous rendent tous étrangers dans l'histoire de l'opéra et au-delà », déclare Benjamin Abel Meirhaeghe. En nous transportant dans ce monde rétro-futuriste, l’artiste défie les conventions et nous plonge dans une expérience visuelle et auditive captivante. Il a sélectionné des morceaux emblématiques de différentes époques et les a transformés en un matériau musical qui sert de fondement à ce nouveau monde qu'il a créé avec son équipe. Le répertoire ainsi choisi met en valeur toute la gamme des possibilités musicales, des airs baroques de Claudio Monteverdi aux compositions contemporaines des musiciens pop. L'audace de Benjamin Abel Meirhaeghe se reflète également dans ses choix de scénographie, d'éclairage et de costumes. La scène se présente comme une ruine désolée où des structures métalliques brillantes rappellent les formes d'objets du passé. Chaque acte de la revue est accompagné d'une mise en scène unique, créant ainsi un paysage visuel fascinant. Mais c'est peut-être le corps de ballet qui incarne le mieux la vision de Benjamin Abel Meirhaeghe. Les danseurs, autrefois relégués au rôle de soutien, deviennent le centre de l'attention, formant un corps céleste fluide et sans genre défini. Ils symbolisent la société futuriste et permettent d'explorer des thèmes tels que l'égalité des genres et la fluidité de l'identité. Benjamin Abel Meirhaeghe, avec son énergie contagieuse et son talent indéniable, nous bouscule mais réussit à nous captiver tout au long de la revue. Sa capacité à mélanger les genres musicaux, à repousser les limites de la scène et à créer une expérience immersive est remarquable. Avec A Revue, un mélange audacieux de baroque et de rock, empreint de folie et de sensualité, Benjamin Abel Meirhaeghe bouleverse les conventions et nous offre une expérience artistique inoubliable. Son approche novatrice de la musique, de la danse et de la narration est captivante et ouvre de nouvelles perspectives dans le monde de l'opéra et du ballet. Avis de Foudart 🅵🅵 A REVUE Un spectacle de Benjamin Abel Meirhaeghe Texte et Dramaturgie Louise van den Eede Dramaturgie musicale Katherina Lindekens, Lena Meyskens Composition Laurens Mariën, Jasper Segers Piano Maya Dhondt Avec Ellen Wils, Maribeth Diggle, Arnout Lems, Hanaka Hayakawa, Dolly Bing Bing, Simon Van Schuylenbergh, Jelle Haen, Bjorn Floreal, Sophia Rodriquez, Oriana Mangala, Adrien De Biasi, Eurudike De Beu, Lionel Couchard Artistes visuels Julian Weber, Sietske van Aerde, Daan Couzijn, Benjamin Abel Meirhaeghe Costumes Benjamin Abel Meirhaeghe, Julian Weber, Sietske van Aerde Maquillage Jelle Haen Scénographie Bart van Merode, Julian Weber Lumières Bart van Merode Crédit photo Fred de Brock GRANDE HALLE La Villette 211 avenue Jean-Jaurès Du 28 au 30.06.2023 Tlj 20h Durée 1h50 • Spectacle conseillé à partir de 16 ans

Dans la continuité de son précédent spectacle, Les Fils de la terre, Elise Noiraud poursuit sa quête sur la filiation et l'émancipation avec Ressources Humaines. Ce spectacle, adapté du film de Laurent Cantet, aborde de manière subtile des questions sociales, des enjeux politiques et les liens familiaux. L'histoire se concentre sur un fils d'ouvrier qui, après avoir étudié dans une grande école de commerce parisienne, retourne dans l'usine où son père travaille pour effectuer un stage au sein du service des Ressources Humaines. Ce jeune homme se retrouve confronté aux défis liés à sa situation de "transfuge de classe", coincé entre deux mondes différents. Cependant, il découvre également que son stage, initialement destiné à la mise en place des 35 heures dans l'usine, dissimule un plan de licenciement qui affectera son propre père. Entre réussite professionnelle et loyauté envers son enfance, entre succès individuel et luttes collectives, le protagoniste devra faire un choix déchirant. Le spectacle se distingue par sa belle efficacité et regorge de trouvailles, portées par une équipe qui dégage une solidarité et une harmonie remarquables. Le choix de traiter du monde ouvrier, après avoir exploré le monde agricole, témoigne de la volonté d’Elise Noiraud de mettre en scène des populations souvent peu représentées au théâtre. Ainsi, l’artiste, exprime son souhait de « créer un théâtre engagé qui aborde à la fois les questions humaines et sociales ». Elle croit que les questions politiques et sociales sont d'autant plus puissantes lorsqu'elles sont incarnées par des êtres et des histoires. La scénographie lumineuse occupe une place centrale dans le spectacle. Elle accompagne les corps des acteurs, véritables piliers du récit. La mise en scène vise à maintenir un rythme rapide, en harmonie avec la structure fragmentée du texte. Elle cherche à évoquer plus qu'à reconstituer les différents espaces, en utilisant des éléments réalistes tout en ouvrant la voie à l'onirisme. Le travail sonore joue également un rôle important, créant des ambiances et accompagnant le récit, tout en apportant une dimension émotionnelle et évocatrice. Les comédiens, dans une économie d'effets et un jeu précis, donnent vie à des personnages en ligne claire, créant des contrastes saisissants. En mêlant habilement des éléments sociaux, politiques et familiaux, le spectacle soulève des questions sensibles et propose un regard pertinent sur notre société. Ressources Humaines est un spectacle puissant et édifiant, porté par une interprétation remarquable. Il offre des portraits sublimes et une tragédie bouleversante, laissant une impression forte. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 RESSOURCES HUMAINES d’après le film de Laurent CANTET ADAPTATION ET MISE EN SCÈNE Elise Noiraud Avec Benjamin Brenière, François Brunet, Sandrine Deschamps, Julie Deyre, Sylvain Porcher, Vincent Remoissenet, Guy Vouillot Crédit photo © Christophe Raynaud De Lage Théâtre Paris-Villette Du Mardi 27 juin au Dimanche 2 juillet Du mardi au jeudi à 20h • Le vendredi à 19h • Le samedi à 20h • Le dimanche à 15h30 • Durée 1h30 Tournée 2023-2024 2 septembre 2023 : Festival Derrière les Fagots (Torçay - 28) 6 octobre 2023 : SN Chateau Gontier 16 novembre 2023 : ATP Dax 16 janvier 2024 : Théâtre de Châtillon 23 janvier 2024 : Moulin du Roc SN Niort 9 février 2024 : Théâtre Antoine Watteau et du Pavillon Baltard 1er mars 2024 : Théâtre Jean Marais / St Gratien (95) 5 mars 2024 : Les 3 Pierrots – St Cloud 9 avril 2024 : Le Salmanazar à Epernay 10 avril 2024 : Théâtre de Charleville-Mézières 17 mai 2024 : Scène Conventionnée de Rethel

La troisième édition de La Route des Vannes approche à grands pas et promet d'être encore plus folle et hilarante que les années précédentes ! Depuis trois ans, ce festival d'humour unique en son genre s'est fixé pour mission de parcourir les magnifiques vignobles du Sud de la France, offrant des spectacles en plein air dans des domaines viticoles pittoresques. Cette initiative audacieuse vise à rencontrer le public tout en apportant la culture dans des endroits où elle se fait souvent rare. Chaque soir, La Route des Vannes s'installera dans un domaine différent, garantissant ainsi au public une expérience inoubliable. Des humoristes renommés de la scène stand-up se produiront pendant plus d'une heure, promettant des éclats de rire à tous les spectateurs présents. « En mai 2021, une idée est née ! » Tout a commencé en mai 2021, lorsque six humoristes ont pris l'autoroute du soleil pour partir à l'aventure et faire rire les gens dans des endroits magnifiques. Et devinez quoi ? Ce fut un énorme succès ! Près de 3000 personnes ont vécu des moments incroyables dans six domaines différents. Forts de cette expérience, les organisateurs de La Route des Vannes ont décidé de pousser les limites cette année en lançant un appel aux propriétaires de domaines et aux habitants de la région pour qu'ils accueillent le festival chez eux. Et si tout cela nous permettait de vivre un été de détente et de rires ? C'est là que vous intervenez ! Sans votre participation et votre accueil chaleureux, La Route des Vannes 3 ne pourra pas avoir lieu. Imaginez un spectacle d'humour en plein air dans votre propre région, avec des artistes talentueux venus vous divertir. Ce serait une occasion unique de partager des moments de rire et de créer des souvenirs mémorables. Parmi les humoristes qui participeront à La Route des Vannes 3, nous retrouverons des noms bien connus tels que Bun Hay Mean, Thomas Marty, Alexis Le Rossignol, Oldelaf, Rosa Bursztein, Tania Dutel, David Voinson, Elodie Arnould et Aymeric Lompret. Ces artistes talentueux sauront vous faire oublier tous vos soucis grâce à leur humour décapant et leur sens de la répartie. Alors, préparez-vous à rire aux éclats, à vous détendre et à passer une soirée magique lors de la troisième édition de La Route des Vannes. LA ROUTE DES VANNES Les 30 juin et 1er juillet - TALENCE (près de Bordeaux) Le 2 juillet - BEAUMONT-SUR-LÈZE (près de TOULOUSE) Les 5 et 6 juillet - MONTPELLIER / Château Flaugergues Le 7 juillet 2023 - LA CADIÈRE D’AZUR (près de TOULON) Le 8 juillet 2023 - AIX-EN-PROVENCE

À l'approche de son 25e anniversaire, le Festival International de Belle-Île, également connu sous le nom de Lyrique-en-mer, se prépare à une saison exceptionnelle. Fondé par Richard Cowan et dirigé artistiquement par Philip Walsh, ce festival a su maintenir le cap malgré les difficultés et est devenu un événement incontournable dans le monde de la musique lyrique. La saison à venir promet d'être riche et variée, avec des moments forts mettant en avant des artistes talentueux. Le festival ouvrira ses portes avec une soirée d'ouverture mettant en vedette Nemanja Radulović et son ensemble Double Sens, qui interpréteront la musique de leur album "Roots". Cette performance promet d'être époustouflante et de donner le ton pour le reste de la saison. Le programme comprendra des représentations d'opéra telles que "Didon et Enée" et "La Passion selon Saint Jean" de Bach. Une attention particulière sera accordée aux femmes pionnières de la musique, qui ont composé des œuvres incroyables dans un monde largement dominé par des hommes. Une femme en particulier sera honorée : Sarah Bernhardt, qui a fait de Belle-Île sa deuxième résidence. Les soirées lyriques seront également à l'honneur, avec des chants de passion romantique et d'amour pour la voix et la guitare. De plus, une soirée spéciale sera dédiée aux souvenirs des 25 ans d'opéra sur l'île, permettant de revivre les moments marquants de l'histoire du festival. Le festival ne se limite pas à la scène principale. Il s'engage également à transmettre son savoir et sa passion aux jeunes artistes en formation. Des masterclasses seront proposées pendant l'été, offrant aux jeunes talents une occasion unique d'apprendre auprès de solistes de renommée internationale. Lyrique-en-mer a su établir des partenariats solides avec des acteurs publics et privés, ainsi qu'avec des particuliers qui ont cru en ce projet depuis ses débuts. Le soutien de ces partenaires fidèles a permis d'assurer la pérennité du festival. Philip Walsh, directeur artistique du festival, est un musicien accompli et un chef d'orchestre renommé. Sa passion pour la musique l'a amené à diriger des orchestres et des opéras dans le monde entier. Son expérience et son dévouement sont essentiels pour maintenir la qualité artistique du festival. La metteure en scène Véronique Roire joue également un rôle important dans le festival. Formée en tant que comédienne au Conservatoire National d'Art Dramatique de Lyon, elle apporte une approche unique à la mise en scène des productions lyriques. Son expérience théâtrale enrichit les performances et crée des spectacles captivants pour le public. Alors que le Festival International de Belle-Île célèbre son 25e anniversaire, il continue de grandir et d'évoluer, attirant chaque année un public toujours plus nombreux et diversifié. Grâce à ses efforts constants pour assurer la pérennité du festival et transmettre son amour de la musique lyrique, Lyrique-en-mer est devenu un rendez-vous incontournable pour les amateurs d'opéra et de chant. Que cette 25e saison soit une célébration vibrante de la musique, de l'amour de l'art et de la magie de Belle-Île en mer ! Festival LYRIQUE ~ EN-MER Festival International de Belle-lle Du 26 juillet au 12 août 2023 25 CONCERTS EXCEPTIONNELS Fondateur RICHARD COWAN Directeur Artistique PHILIP WALSH PROGRAMME DU 25E ANNIVERSAIRE Mercredi 26 juillet ROOTS NEMANJA RADULOVIĆ, violon DOUBLE SENS Vendredi 28 juillet LES COMPOSITRICES MUSIQUE VOCALE DE CLARA SCHUMANN, FANNY MENDELSSOHN, CÉCILE CHAMINADE... Dimanche 30 juillet DIDON ET ENÉE OPÉRA DE HENRY PURCELL Didon: Jazmin Black Grollemund, soprano Belinda: Maria Koroleva, soprano Enée : Michael Kelly, baryton Les jeunes artistes L’orchestre de Lyrique en Mer Direction musicale : Philip Walsh Mise en scène : Véronique Roire Lundi 31 juillet CONCERT JEUNE PUBLIC Éléonore Gagey, mezzo-soprano Guillaume Bleton, guitare Mardi 01 août « ROMANCERO » Éléonore Gagey, mezzo-soprano Guillaume Bleton, guitare Jeudi 03 août LA PASSION SELON SAINT-JEAN J. S. BACH Évangéliste : William Searle, ténor Jésus : Ihor Mostovoi, baryton-basse Maria Koroleva, soprano, Blythe Gaissert, mezzo-soprano Michael Kelly, baryton Le chœur du Festival - L’orchestre de Lyrique-en-mer Direction musicale : Philip Walsh Vendredi 04 août DIDON ET ENÉE OPÉRA DE HENRY PURCELL Didon: Jazmin Black Grollemund, soprano Belinda: Maria Koroleva, soprano Enée: Michael Kelly, baryton Les jeunes artistes L’orchestre de Lyrique en Mer Direction musicale : Philip Walsh Mise en scène : Véronique Roire Dimanche 06 août / journée anniversaire Concert Promenade Les musiciens du festival GALA D’OPÉRA Extraits des 25 ans des opéras de Lyrique-en-mer Jazmin Black Grollemund, Maria Koroleva, soprano Blythe Gaissert, mezzo-soprano Michael Kelly, baryton, Ihor Mostovoi, baryton-basse Yedam Kim, Andrew Macmillan piano Lundi 07 août LA PASSION SELON SAINT-JEAN J. S. BACH Évangéliste: William Searle, ténor Jésus : Ihor Mostovoi, baryton-basse Maria Koroleva, soprano, Blythe Gaissert, mezzo-soprano Michael Kelly, baryton Le chœur du Festival - L’orchestre de Lyrique-en-mer Direction musicale : Philip Walsh Mardi 08 août VENEZ CHANTER ! LE GLORIA DE VIVALDI ZADOK THE PRIEST DE HAENDEL Les 150 choristes de Venez Chanter L’orchestre de Lyrique-en-mer Les jeunes artistes Direction musicale : Philip Walsh Mercredi 09 août et jeudi 10 août HOMMAGE À SARAH BERNHARDT Jazmin Black Grollemund, Maria Koroleva, soprano Blythe Gaissert, mezzo-soprano William Searle, ténor Michael Kelly, baryton, Ihor Mostovoi, baryton-basse Yedam Kim, Andrew Macmillan piano Vendredi 11 août LA PASSION SELON SAINT-JEAN J. S. BACH Évangéliste : William Searle, ténor Jésus : Ihor Mostovoi, baryton-basse Maria Koroleva, soprano, Blythe Gaissert, mezzo-soprano Michael Kelly, baryton Le chœur du Festival - L’orchestre de Lyrique-en-mer Direction musicale: Philip Walsh Samedi 12 août ANNE QUEFFÉLEC et GASPARD DEHAENE Récital Piano

Le Festival des Nuits de la Mayenne célèbre son 50e anniversaire du 17 juillet au 11 août 2023. Cet événement itinérant, qui mêle théâtre, danse, cirque et arts de rue, parcourt le département depuis 1973. De la mi-juillet à la mi-août, le festival va à la rencontre des habitants, mettant en lumière la richesse du patrimoine à travers les spectacles vivants. Des châteaux aux théâtres antiques, des abbayes aux cours de fermes, des carrières de chaux aux ateliers d'usine… « Ces lieux, qu'ils soient historiques, naturels ou industriels, deviennent toujours exceptionnels lorsque le spectacle s'en empare » En tant que seul événement de ce type en Mayenne, le Festival des Nuits de la Mayenne, crée par Jean Guichard en 1973, a attiré près de 263 000 spectateurs et plus de 7 500 artistes au cours de ses 49 éditions. Pour sa 50e édition, le festival propose une programmation riche avec 14 spectacles, dont du théâtre, de la danse, de l'art de rue et du cirque. Mais bien avant, la soirée anniversaire, le 20 juin 2023, sera marquée par un concert exceptionnel intitulé "Le Petit Prince". Ce spectacle musical, avec la musique de Jean-Pascal Beintus et les textes d'Antoine de Saint-Exupéry, mettra en scène l'Ensemble instrumental de la Mayenne et Thibault de Montalembert en tant que récitant. Cette adaptation du célèbre conte de Saint-Exupéry permettra au public d'ouvrir son cœur à la poésie et de redécouvrir ce récit à portée symbolique et philosophique. Convivialité, culture et patrimoine Le Festival des Nuits de la Mayenne est une aventure artistique et humaine portée par l'association Mayenne Culture qui rassemble les acteurs locaux tels que les collectivités locales, les entreprises, les associations et les habitants pour chaque spectacle. Dans le cadre de son 50e anniversaire, vous pourrez découvrir le projet "Paysages et compagnies", mené en partenariat avec les Archives départementales, met en avant les archives du festival à travers une résidence artistique avec les artistes plasticiens OPJ Cyganek et Julie Poulain. Ils ont créé une série d'œuvres poétiques liées à l'histoire du festival. Ces créations seront déployées de manière participative juste avant le début des représentations, créant ainsi des apparitions poétiques. De plus, une exposition gratuite et accessible sera organisée. Les artistes y présenteront leurs œuvres tout au long du festival, offrant ainsi aux visiteurs une expérience artistique immersive. En sillonnant le département et en proposant des spectacles de qualité, le Festival des Nuits de la Mayenne, contribue au dynamisme de la vie culturelle locale et fait rayonner la Mayenne à travers les arts et la culture. Pour les amateurs de théâtre, de danse, de cirque et d'arts de rue, ce festival constitue un rendez-vous incontournable. Sa 50e édition promet d'être spéciale, avec une programmation variée et des surprises qui raviront les spectateurs. Les Nuits de la Mayenne vous attendent pour une expérience culturelle unique et mémorable ! FESTIVAL DES NUITS DE MAYENNE Du 17 juillet au 11 août 2023 Pour plus d'informations, pour consulter le programme entier et pour rester en contact avec le festival, vous pouvez consulter le site officiel du Festival des Nuits de la Mayenne.