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...Lorsque le théâtre dépasse toutes les attentes. Au cœur de la chaleur estivale d'Avignon, une pièce de théâtre apporte une bouffée de fraîcheur et d'originalité : "Agathe Royale". Catherine Jacob, talentueuse actrice, incarne brillamment le rôle d'Agathe, une grande diva du théâtre. Brice Hillairet, dans le rôle de Quentin, son partenaire, livre une performance sensible en tant que jeune comédien débutant. « Chaque représentation théâtrale est unique, mais celle-ci se démarquera de toutes les autres. » Agathe Royale, une éminente diva du théâtre, se retrouve ce soir face à une série d'imprévus ! Sans filtre et avec un humour cinglant, cette célèbre comédienne dévoilera la face cachée de son monde. Cependant, derrière cette façade comique, se cachent les blessures et les déceptions qui ont marqué sa carrière. Comment abandonner ce que l'on a tant aimé sans souffrir ? Agathe Royale est une pièce au comique décapant qui offre une plongée émouvante dans l'univers intérieur d'une star du théâtre, abolissant la frontière entre sa vie et la nôtre. Catherine Jacob livre une performance époustouflante dans le rôle d'Agathe . Son talent et son énergie se conjuguent parfaitement avec le personnage de cette diva excentrique. Parallèlement, Brice Hillairet (le merveilleux interprète d'Hedwig and the Angry Inch ) apporte toute sa sensibilité pour incarner Quentin . Mais Agathe Royale ne se limite pas à son aspect comique. L'auteur, Jean-Benoît Patricot , propose de belles réflexions sur le théâtre et dresse le portrait d'une actrice complexe, en dépit de sa renommée et de ses succès. Les répliques soigneusement travaillées de Catherine Jacob oscillent entre malice et vulnérabilité, rendant hommage aux grandes comédiennes qui ont marqué l'histoire des planches. L'auteur exploite habilement les caprices des stars pour offrir à Catherine Jacob une mise en abyme vertigineuse qui interroge le sens de son propre travail et sa reconnaissance en tant qu'actrice. Dans un festival regorgeant de propositions, Agathe Royale apporte une légèreté bienvenue. Cette pièce théâtrale est un véritable bijou qui séduit par son authenticité et son originalité. Elle rappelle avec force que le théâtre a le pouvoir de dépasser les attentes et de toucher l'âme du public. Avec des acteurs aussi talentueux que Catherine Jacob et Brice Hillairet, et une mise en scène soignée de Christophe Lidon, Agathe Royale est un chef-d'œuvre à ne surtout pas manquer. Avis Foudart 🅵🅵🅵🅵 AGATHE ROYALE  de Jean-Benoît Patricot   mise en scène de Christophe Lidon avec Catherine Jacob et Brice Hillairet Crédit photo Cyrille VALROFF Festival OFF Avignon Théâtre des Gémeaux Du 29 juin au 21 juillet relâches les mardis à 15h05 • Durée 1h20

Depuis 1982, la danse urbaine a révolutionné les codes de l’art contemporain. Que ce soit à travers le rap, la danse, le graffiti, le DJing, le beatmaking, le beatbox ou encore la mode, les cultures urbaines ont foisonné et influencé le monde entier. C'est dans ce contexte que François Gautret, après son exposition immersive présentée au Musée de la musique – Philharmonie de Paris en 2022, poursuit son exploration de l'univers du hip-hop avec le Hip-Hop 360 Show. Une Frise Chronologique Vivante Un spectacle en trois actes avec plus d’une vingtaine d’artistes de toutes disciplines pour présenter une frise chronologique qui promet d’être décoiffante, retraçant cinquante ans d'histoire du hip-hop. Elle célèbre, au Théâtre du Châtelet, dans le cadre des olympiades culturelles, les grands moments des cultures et sports urbains, depuis les rues du Bronx jusqu'aux Jeux Olympiques. Une Scénographie Immersive Le Hip-Hop 360 Show se distingue par sa scénographie immersive à 360 degrés. Les décors, inspirés de scènes mythiques de films, plongent le public dans les cultures urbaines passées et contemporaines. Cette immersion totale permet aux spectateurs de vivre une expérience unique, au cœur de l'authenticité et de l'évolution du hip-hop. Une Ode à l'Inventivité Le spectacle ne se contente pas de retracer l’histoire du hip-hop, il met également en lumière l’inventivité constante de ce mouvement. À l’écoute des nouvelles formes de création et de diffusion, le hip-hop continue d'innover et de se réinventer. Le Hip-Hop 360 Show est ainsi une ode à cette capacité d'adaptation et à cette créativité sans cesse renouvelée. Le Hip-Hop 360 Show est une célébration de l'impact profond et durable du hip-hop sur la culture mondiale. En transportant le public des rues du Bronx aux scènes des Jeux Olympiques, François Gautret offre une plongée fascinante dans un mouvement qui continue de façonner l'art et la culture contemporains. HIP-HOP 360 SHOW Un spectacle de François Gautret Mise en scène Leïla Sy Artistes Alain Massabova, Andy Mouigni Abdou, Anatole Rahain, Andreas Cetkovic, CJMS, Chris Fargeot, Dj Cut Killer, DJ Fly, Gloria Colston, Haiper, Jesus Gil, Jonathan Mahoto, Junior Bosila Banya, Laurence Sabas, Lamia Barka, Marlone Alvarez, Matthias Dandois, Mohamed Ech Charquaouy, Nabil Hadim, Salomon Asaro, Sando, Sarah Nait Hamoud, Sophie Tracy Montanus, Storm, Taz, Wael, Yasmine Ouadi… Chorégraphie Xavier Plutus, Saïdo Lehlouh , Marion Motin • Scénographie Julien Mairesse • Musique Niko Noki • Créations médias Studio CutBack • Stylisme Rachèle Raoult, Léa Boublil Théâtre du Châtelet Du jeudi 4 au dimanche 21 juillet 2024 • Du mardi au samedi à 20h • Le dimanche de 15h

Un Enfant au Parcours Hors du Commun L'histoire de Courgette, alias Icare, nous emmène dans un voyage émouvant et poignant à travers les yeux d'un enfant de presque 10 ans, dont la vie a été marquée par la souffrance et la résilience. Vivant avec sa mère alcoolique, Courgette se retrouve placé dans un foyer pour enfants après un tragique accident familial. Dans ce nouveau milieu, il rencontre Simon, Ahmed, et la mystérieuse Camille. Là, où le jeu, la musique et la poésie deviennent des éléments essentiels de leur quotidien, ces enfants apprennent à se reconstruire et à recoudre leur cœur ensemble. Les liens humains, la force de l'amitié et la rencontre avec l'autre deviennent des sources d'espoir. Une Adaptation Théâtrale Captivante Adaptée au théâtre par Pamela Ravassard et Garlan Le Martelot, "Autobiographie d’une Courgette" de Gilles Paris offre une perspective unique et touchante sur l'aide sociale à l'enfance. Mais ce n’est pas seulement une très bonne adaptation. Avec une mise en scène renversante et une interprétation virtuose, ce spectacle est une vraie réussite, une pépite ! Pamela Ravassard a découvert l'histoire de Courgette au cinéma avant de dévorer le roman. Pendant le confinement, inspirée par sa fille, elle a lu l'histoire aux enfants, voyant en Courgette une métaphore parfaite pour aborder le thème du confinement et de la résilience humaine. La mise en scène de la pièce, qui place les instruments de musique au cœur de la structure scénique, crée une ambiance immersive et rappelle l'élévation du mythe d'Icare. La Musique Comme Élément Central La musique joue un rôle essentiel dans cette adaptation, où chaque interprète est à la fois musicien et comédien, incarnant les personnages de la vie de Courgette et accompagnant son parcours de résilience. Les acteurs, maniant piano, batterie, guitare et harmonica, intègrent leurs harmonies vocales à leur performance théâtrale. Ils passent habilement d'un instrument à un autre, puis reviennent à des scènes purement théâtrales, ajoutant à l'intensité émotionnelle de la pièce. La qualité vocale des acteurs est impressionnante. Garlan Le Martelot, totalement investi dans le rôle de Courgette, tient la scène avec une intensité remarquable. Vanessa Cailhol, avec son mélange de notes et son jeu d'acteur impeccable, transmet chaleur et réconfort. Les autres artistes ne sont pas en reste : en plus d'incarner leurs personnages principaux, ils jouent également des rôles secondaires avec une agilité remarquable, enchaînant les changements de costumes et de perruques avec fluidité. La scénographie lumineuse et la structure en amphithéâtre renforcent encore l'intensité émotionnelle de la pièce, où les souvenirs et les rêves de Courgette s'entremêlent de manière captivante. Un Spectacle Optimiste et Humain Courgette est plus qu'une simple pièce de théâtre; c'est une réflexion sur la résilience et la capacité humaine à surmonter les épreuves. La pièce aborde des thèmes graves avec délicatesse et humanité, rendant hommage à ceux qui redonnent espoir aux enfants en difficulté. Les acteurs, excellents musiciens, apportent une dimension supplémentaire à la performance, rendant chaque scène encore plus poignante et mémorable. Un Événement Incontournable Courgette est un spectacle tout public qui enchante les petits comme les grands, touchant les cœurs avec sa simplicité et sa profondeur. C'est une célébration de l'espoir, de l'amitié et de la force intérieure. À travers les aventures de Courgette, le public est invité à redécouvrir la vie avec les yeux d'un enfant, plein de curiosité et de résilience. Ne manquez pas cette adaptation théâtrale unique qui promet de captiver et d'inspirer tous ceux qui la verront. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 COURGETTE De Gilles Paris Adaptation Pamela Ravassard et Garlan Le Martelot Mise en scène Pamela Ravassard Avec Vanessa Caillhol, Florian Choquart, Garlan Le Martelot, Lola Roskis Gingembre, Vincent Viotti Lumière Cyril Manetta • Scénographie Anouk Maugein • Son Frédéric Minière • Costumes Hanna Sjödin • Coach vocal Stéphane Corbin • Chorégraphie Johan Nus Crédit photos Fabienne Rappeneau Théâtre Tristan Bernard Du  7 juin au 6 juillet • Mardi 20h/ Mercredi – Jeudi – Vendredi 20h30 / Samedi 17h30 et 20h30 • Durée 1h25 • À partir de 9 ans 7 NOMINATIONS AUX MOLIÈRES 2024 MOLIÈRE DE LA COMÉDIENNE DE THÉÂTRE PUBLIC : VANESSA CAILHOL 3 RÉCOMPENSES AUX TROPHÉES DE LA COMÉDIE MUSICALE

Bienvenue dans l’univers de Muriel, une maman qui jongle entre des montagnes de linge, des baby-sitters insaisissables et des dictées farfelues… en somme, le quotidien de bien des parents ! Mais comment répondre à sa fille qui questionne l’absence d’un père alors qu’elle-même reste sans réponses ? Aujourd'hui, plus d'un quart des familles en France sont monoparentales. Malgré leur nombre, cette réalité reste curieusement absente des discussions publiques. Pourquoi cette situation si commune reste-t-elle dans l’ombre ? Ce paradoxe social a poussé Muriel Habrard à plonger au cœur de son vécu de maman solo pour créer "Single Mother", un spectacle drôle, profond et poétique qui donne voix à ces expériences souvent négligées. « Au départ, l’écriture de ce texte était une échappatoire personnelle, un moyen de fuir la solitude sociale, la précarité financière et le surmenage émotionnel que connaissent de nombreux parents seuls. Rapidement, cette écriture a pris une dimension plus collective. Réalisant que mes expériences résonnaient avec celles de nombreux autres, j’ai été incitée à partager mes récits au-delà de l’intime. » - Muriel Habrard Une Fresque Émotionnelle et Un Lien Intime avec Le Public "Single Mother" offre une parole sincère, souvent drôle et parfois mordante, mettant en lumière les complexités et les paradoxes de la parentalité isolée et du couple féminin. La pièce aborde des thèmes rarement explorés au théâtre, tels que les familles monoparentales et homosexuelles, apportant un éclairage nouveau et des perspectives positives sur ces sujets. Muriel Habrard signe un texte percutant, tiré de son expérience personnelle mais offrant une réflexion universelle sur la condition des parents isolés. Son approche distanciée et poétique nous permet de nous identifier facilement à son récit. À travers des situations délicates parfois décrites avec une ironie mordante, cette œuvre théâtrale se veut un miroir de la vie. "Single Mother", un manifeste qui s’adresse à tous, nous conquiert par sa poésie et son réalisme. Il dépeint avec subtilité et humour la vie quotidienne d’une mère célibataire, traitant également de l’abandon et de l’amour au sein du couple féminin. Le Tourbillon de la Vie : Entre Rires et Larmes Avec une mise en scène énergique, rythmée par la musique et la danse, le spectacle montre comment ne pas se laisser submerger par le tourbillon de la vie quotidienne. Les décors physiques, les vidéos et les interactions musicales symbolisent les défis quotidiens, chaque élément révélant sa signification au fil de la pièce. La performance de Muriel Habrard est expressive et énergique, alternant entre rires et larmes. La mise en scène, mêlant chorégraphies et une touche d’humour salvateur, est à saluer pour sa sensibilité et son efficacité à transmettre les épreuves de la vie. Ce spectacle, recommandé pour sa simplicité et son émotion, éclaire brillamment la trajectoire des familles monoparentales, offrant une vision nouvelle et touchante de leur quotidien. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 SINGLE MOTHER Un spectacle de Muriel Habrard Mis en scène Ninon Brétécher Avec Muriel Habrard Lumière Stéphanie Daniel • Musique Mia Delmaë • Chorégraphie Viola Chiarini Festival OFF Avignon 3 S Théâtre Du 30 juin au 21 juillet 2024 à 13h20 • Relâche les 1, 8, 15 juillet • Durée 1h05

Hong Kong, 23h34. Dans une chambre d’hôtel de luxe immaculée de blanc, évoquant un vaisseau spatial ou un bloc opératoire, un homme interprété par le talentueux Jacques Weber, tout de noir vêtu mais blême comme un linge, s'apprête à livrer son ultime chant d'amour avant de mourir. Il incarne cet homme puissant, anéanti par le chagrin, ayant perdu le goût de vivre depuis la disparition de son être cher. Sa voix d’acier devient douce et fragile, nous murmurant des fragments de sa mémoire, tissés de joies et de peines. Une Écriture Délicate et Sincère Pascal Rambert, explore les thèmes de l'amour éternel, de la perte et du deuil. Il a écrit pour Jacques Weber un rôle sur mesure, un monologue poignant et une déclaration d'amour au-delà de la mort où chaque geste et chaque mot sont une préparation minutieuse à une fin choisie. De façon métaphorique, l’homme range méticuleusement ses souvenirs, ses sentiments et ses amours, jette son prix littéraire à la poubelle, avale des médicaments et boit de l'alcool avant de partir. Mais juste avant, ce colosse se fait tendre et malicieux, esquissant une danse entre la vie et la mort. Une danse d’un charme fou, mêlant lascivité et désespoir, sensualité et douleur. L'Interprétation de Weber : Entre Deux Mondes L'interprétation de Jacques Weber est criante de vérité, riche en nuances émotionnelles. Il passe de la douleur à l'espièglerie, de la sagesse à l'enfance, créant un personnage à la fois vulnérable et puissant. Entre le comédien et son rôle, la frontière s'efface, laissant place à une performance bouleversante de profondeur et d'humanité. "Ranger" émeut par sa mélancolie, son humanité et l'interprétation magistrale de Jacques Weber. Pascal Rambert signe ici une œuvre sublime, à la fois intime et universelle, où l'amour et le langage se rencontrent pour offrir une réflexion profonde sur la vie, la mort et ce qui les relie. En ce sens, "Ranger" est bien plus qu'un spectacle : c'est un chant d'amour sublime, un testament théâtral vibrant de vérité et de sensibilité. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 RANGER Texte, mise en scène et scénographie Pascal Rambert Avec Jacques Weber Création lumières Yves Godin Costumes Anaïs Romand Crédit photo ©Louise Quignon THÉÂTRE DES BOUFFES PARISIENS DU 31 mai au 29 juin 2024 • Du mardi au samedi 20h, dimanche 15h • Relâche le 11 juin • Durée 1h15

Publié en 2006, King Kong Théorie de Virginie Despentes s'est imposé comme un essai autobiographique fondateur, remettant en question les stéréotypes de la féminité dans notre culture. À travers son expérience personnelle, notamment le traumatisme de son viol à l'adolescence, Despentes aborde la sexualité, la prostitution et la pornographie avec une perspective radicale et iconoclaste. Son témoignage puissant interroge l'évolution vers une société plus tolérante et juste, explorant la condition des femmes et des hommes dans un monde post-révolution sexuelle. Mise en scène par Vanessa Larré Vanessa Larré a choisi d'adapter ce texte dense pour la scène, offrant une mise en scène incisive et vivante. Interprétée par trois comédiennes, la pièce donne vie aux mots de Despentes, créant une dynamique polyphonique qui nous engage de manière directe et sans fard. À travers sa note d’intention, Larré souligne l'importance de cette adaptation théâtrale comme un acte politique et subversif. Elle évoque la nécessité de donner une voix à ces paroles libératrices et urgentes dans un contexte où les libertés semblent reculer. La pièce devient ainsi un manifeste pour un féminisme humaniste, appelant à une réinvention de la condition féminine et à une révolution des rapports de pouvoir. Une Scénographie Intelligente et Énergique La mise en scène de Larré se distingue par son inventivité et son énergie. Utilisant des accessoires, des vidéos en direct et une scénographie millimétrée, le spectacle parvient à captiver et interpeller sans jamais tomber dans la vulgarité ou la provocation gratuite. Un Trio de Comédiennes Exceptionnelles Anne Azoulay, Marie Denarnaud et Valérie de Dietrich incarnent avec brio la pensée percutante de Despentes. Leur performance est à saluer pour son intensité et son engagement, faisant passer la brutalité et la crudité du texte avec une certaine classe et un humour souvent mordant. King Kong Théorie est une expérience théâtrale rare et précieuse. La force du texte de Despentes, combinée à la mise en scène audacieuse de Larré et à l'interprétation vibrante des comédiennes, fait de cette pièce un moment de théâtre intense et nécessaire. Ce spectacle est un appel à la révolution, à une prise de conscience collective pour un monde plus juste et égalitaire, où la parole des femmes et des opprimés trouve enfin sa place. C'est un tour de force intellectuel et esthétique à ne pas manquer. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 KING KONG THÉORIE Texte Virginie Despentes Adaptation Valérie de Dietrich et Vanessa Larré Mise en scène Vanessa Larré Avec Anne Azoulay, Valérie de Dietrich, Marie Denarnaud Son - Musique live Stan Bruno Vallette Scénographie - Lumière Laïs Foulc Vidéo Christian Archambeau Costumes Ariane Viallet THÉÂTRE SILVIA MONFORT Du 04 au 15 juin 2024 • Du mardi au vendredi à 20h, le samedi à 18h • Durée 1h15 • Déconseillé aux moins de 16 ans

Durant tout le mois de juin, le Mois Molière investit, entre autres, la cour des grandes écuries de Versailles, transformée en un théâtre éphémère pour accueillir "Le Souper" de Jean-Claude Brisville, porté par Daniel et William Mesguich. Ce face-à-face historique entre deux brillants manipulateurs politiques du XIXe siècle, Talleyrand et Fouché, est magnifiquement incarné par ce duo père-fils, offrant une performance captivante qui nous plonge au cœur des intrigues politiques post-napoléoniennes. Une Mise en Scène Exquise Daniel Mesguich, dans le rôle de Talleyrand, et son fils William, dans celui de Fouché, parviennent à capturer l’essence de ces personnages historiques avec une précision remarquable. La cour de la grande écurie de Versailles sert de cadre parfait pour cette rencontre dramatique, ajoutant une dimension presque tangible à cette reconstitution historique. Si proches des comédiens, nous avons l'impression d'être invités à ce souper décisif, partageant la table et les confidences de ces deux hommes d'État. Un Texte aux Résonances Politiques Singulières L’écriture de Jean-Claude Brisville, serrée et élégante, brille par sa capacité à recréer le style de l’époque, tout en injectant une dose de modernité dans les dialogues. Le texte est un triomphe de la langue française, chaque réplique est ciselée avec soin, ajoutant à la tension dramatique de la pièce. Le défi est de taille : Talleyrand et Fouché doivent, en deux heures, s'accorder pour établir un nouveau régime pour la France, tandis que le peuple gronde à leurs portes. Un Huis-Clos Cruel et Fascinant La pièce se déroule en juillet 1815, après la défaite de Waterloo et l'exil de Napoléon. Le Duc de Wellington et les troupes coalisées sont à Paris, et il est impératif de décider qui gouvernera la France. Talleyrand, surnommé "l'évêque apostat", souhaite restaurer la monarchie des Bourbons, tandis que Fouché, le "féodal régicide", milite pour une république. Ce duel verbal est un huis-clos cruel, où chaque mot, chaque silence est lourd de sens. Les deux comédiens rivalisent de talent, peaufinant chaque intonation pour mettre en avant la richesse de la langue du XIXe siècle. Une Réflexion Éternelle sur le Pouvoir Daniel Mesguich a voulu mettre en lumière la dimension politique de la pièce, révélant le caractère intrinsèquement opportuniste et illégal de la politique, montrant que toute constitution commence par des discussions secrètes entre quelques individus influents. Cette réflexion trouve un écho universel et intemporel, soulignant que les décisions politiques naissent souvent dans l'ombre, loin des principes légaux ou sacrés. William Mesguich, quant à lui, décrit "Le Souper" comme un duel rhétorique de haut niveau, explorant les thèmes de la restauration monarchique contre la marche vers une république. La pièce est un joyau d’éloquence et d’esthétisme, offrant une réflexion profonde sur la nature du pouvoir et de la politique. Un Chef-d'œuvre Intemporel "Le Souper" est bien plus qu'une reconstitution historique. C'est un miroir de nos propres consciences, où chaque spectateur peut se voir tour à tour dans les personnages de Talleyrand et de Fouché. La performance de Daniel et William Mesguich transcende la simple représentation théâtrale, pour devenir un véritable régal intellectuel et esthétique. Le public est invité à une réflexion sur les coulisses du pouvoir, toujours aussi pertinentes aujourd'hui qu'en 1815. "Le Souper" de Jean-Claude Brisville, par son dialogue magistral et ses résonances politiques, reste une œuvre captivante qui continue de fasciner et de régaler le public. Les Mesguich, par leur complicité et leur talent, offrent une interprétation mémorable de ce duel historique, faisant de cette pièce un incontournable du théâtre français. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 LE SOUPER De Jean-Claude BRISVILLE Mise en scène Daniel et William MESGUICH Avec Daniel MESGUICH - Talleyrand William MESGUICH - Fouché Costumes Dominique Louis Copyright Juliette Glaesener / Ville de Versailles Le Mois Molière Représentation exceptionnelle, le 4 juin à 20h30 THÉÂTRE DES GEMEAUX PARISIENS À partir du lundi 30 septembre. Tous les lundis à 19h

15, rue du Retrait 75020 PARIS Cette année, la rentrée théâtrale s’annonce exceptionnelle avec l'ouverture d'un nouvel espace culturel au cœur de Paris. Le Théâtre de Ménilmontant, profondément enraciné dans l’histoire artistique de son quartier, subit une transformation majeure en 2023 et 2024 sous la nouvelle direction de Serge Paumier et Nathalie Lucas. Ce duo passionné, tous deux nés sous le signe des Gémeaux, a rebaptisé ce lieu historique en Théâtre des Gémeaux Parisiens, marquant ainsi le début d'une nouvelle ère. Un Héritage Artistique Riche Le Théâtre de Ménilmontant a été traversé par des générations d’artistes emblématiques, tels qu'Édith Piaf, Maurice Chevalier et Laurent Terzieff. Ce riche héritage artistique confère au lieu une aura particulière que Serge Paumier et Nathalie Lucas souhaitent préserver tout en y apportant une touche de modernité. Leur objectif est de créer un espace de création éclectique et exigeant, fidèle à l'esprit de ses prédécesseurs. Une Transformation Ambitieuse Après des travaux de rénovation et de mises aux normes significatifs, le Théâtre des Gémeaux Parisiens se présente comme le frère jumeau presque identique du Théâtre des Gémeaux à Avignon. Les directeurs envisagent de bâtir deux salles jumelles, créant ainsi un lien artistique entre Paris et Avignon, deux villes emblématiques de la scène théâtrale française. Un Lieu de Vie et de Création Serge Paumier et Nathalie Lucas ont pour ambition de faire du Théâtre des Gémeaux Parisiens un lieu de vie chaleureux pour les habitants du XXème arrondissement, mais aussi pour l’ensemble des Parisiens. Ils souhaitent attirer un nouveau public au théâtre, en offrant des spectacles de qualité, accessibles et diversifiés. Leur programmation éclectique vise à enrichir la dynamique culturelle locale et à contribuer au développement économique des commerces environnants. Une Dynamique Culturelle Enrichissante La mission du Théâtre des Gémeaux Parisiens est de créer une vitalité culturelle enrichissante pour tous. En attirant de nouveaux spectateurs, ce lieu espère devenir un pilier de la vie culturelle parisienne, tout en générant des retombées économiques positives pour le quartier. La vision de Serge Paumier et Nathalie Lucas est de faire du théâtre un espace de rencontre et de partage, où l'excellence artistique se mêle à la convivialité. La naissance du Théâtre des Gémeaux Parisiens marque une étape importante pour la scène théâtrale parisienne. Avec une direction passionnée et une ambition claire, ce théâtre rénové est prêt à devenir un lieu incontournable de la création artistique et de la vie culturelle du XXème arrondissement et au-delà. Le rendez-vous est pris pour découvrir cette nouvelle pépite du théâtre parisien.

Le théâtre, cette forme d'art séculaire, possède le pouvoir singulier de mettre en lumière les situations les plus profondes et parfois troublantes de la vie réelle. C'est ce qu'a accompli François de Mazières avec sa pièce "Le Géniteur", inspirée d’un fait réel lu dans un article de presse : Un couple, nés tous les deux d’une fécondation in vitro, tente de découvrir leurs origines génétiques. Cette quête se transforme en une comédie pleine de rebondissements, où l'on explore non seulement l'impact de la science sur nos vies, mais aussi les questions existentielles qui en découlent. Comme l'a souligné Mazières, cette pièce est une « comédie sérieuse », traitant d'un sujet brûlant d'actualité avec humour et profondeur. « J'ai souhaité une succession de scènes courtes, rapides, pour maintenir le souffle comique ». François de Mazières, plus connu comme homme politique, est également un passionné de théâtre. Ancien élève du conservatoire de Versailles, il a été formé par la grande Marcelle Tassencourt. Il est également le fondateur du festival renommé, le Mois Molière. Sa passion pour l'écriture l'a conduit à créer de multiples pièces mais aussi des fables sous le pseudonyme discret de Francois Zéméaris. Nicolas Rigas, renommé tant pour son chant lyrique que pour ses mise en scènes. Celui qui depuis de longues années collabore avec le Festival du Mois Molière, a vu dans "Le Géniteur" une opportunité de plonger dans les dilemmes modernes. Rigas met en lumière le contraste entre le contrôle que nous croyons avoir sur nos vies et les conséquences inattendues de nos actions. Magnifiquement interprétée par un trio d'acteurs talentueux, les Interprètes sont brillamment choisis : Martin Loizillon incarne Pierre. Après sa formation au Théâtre du Petit Monde et au Steppenwolf Theater de Chicago, Loizillon a accumulé une expérience impressionnante, apparaissant dans de nombreux rôles à travers la France. Salvatore Ingoglia, interprétant Roger, est un visage connu du théâtre. Ayant travaillé avec de grands noms du cinéma, c'est sur scène qu'il brille le plus, offrant des performances mémorables dans des rôles classiques et modernes. Mylène Bourbeau, dans le rôle de Victoire, est une artiste polyvalente, alliant chant et jeu. Canadienne d'origine, elle a conquis le public français avec son talent et sa formation exhaustive. "Le Géniteur" est une fusion entre la réalité et la comédie, une pièce qui nous pousse à réfléchir tout en nous amusant. Grâce à la vision de Mazières et à l'expertise de Rigas, cette histoire va certainement prendre vie sur scène. Une comédie tirée d'un fait d'hiver, mais qui, au cœur, aborde des sujets profonds avec un sérieux subtil. Le Géniteur Une comédie de François de Mazières Mise en lecture Nicolas Rigas Avec Mylène Bourbeau, Martin Loizillon, Salvatore Ingoglia Le Mois Molière de Versailles les 2 et 22 juin à 19h Festival OFF Avignon L'Ancien Carmel Du 3 au 21 juillet à 17h Un spectacle vu au Théâtre de Poche Montparnasse

Au Théâtre du Rond-Point, la fin de saison s'annonce émouvante et pleine de rires avec le spectacle « Sono io ? » du Circus Ronaldo. Cette création, signée par Danny et Pepijn Ronaldo, explore la relation entre père et fils au sein d'une grande famille de circassiens, en mêlant tradition et modernité avec une virtuosité époustouflante. Une Histoire de Filiation et de Transmission Le duo père-fils, composé de Danny Ronaldo et son fils Pepijn, incarne avec brio la transmission intergénérationnelle. Fondé à la fin du XIXe siècle, le Circus Ronaldo représente la septième génération de cette famille flamande de circassiens. Leur spectacle, bien que teinté de nostalgie et de mélancolie, déborde d'humour et de tendresse, offrant au public un voyage au cœur des émotions humaines. Le spectacle raconte avec une grande finesse l’histoire de Danny, un père dont la gloire s’est estompée, et de Pepijn, un fils avide de faire ses preuves. Ensemble, ils naviguent entre leurs ressemblances et leurs différences, créant un pont entre passé et présent. Cette dynamique est illustrée par des acrobaties spectaculaires, du jonglage, de l’équilibrisme et un humour subtil, rappelant les œuvres d’un Chaplin qui serait en voyage en Italie. Une Scénographie Minimaliste et Symbolique La mise en scène de « Sono io ? » est marquée par une sobriété poignante. Des objets symboliques, tels qu’un vieux chapeau de clown et un appareil à cassettes, sont utilisés pour accentuer l’atmosphère nostalgique. Le décor simple mais particulièrement poétique laisse place à l’essentiel : la performance des artistes et l’émotion brute qu’ils transmettent. Le duo s’appuie sur la commedia dell’arte et le réalisme magique pour créer un univers où chaque détail compte. L’utilisation des des objets hérités ajoute une dimension historique et sentimentale au spectacle, rappelant la résilience du cirque face aux adversités. Un Hommage au Passé et un Regard vers l’Avenir Danny Ronaldo, clown renommé, et son fils Pepijn, formé à l’École internationale de théâtre Lassaad, conjuguent leurs talents pour offrir un spectacle où l’ancien rencontre le nouveau. Danny, avec son expérience et sa maîtrise des traditions circassiennes, et Pepijn, avec sa fraîcheur et son énergie juvénile, forment un duo complémentaire et harmonieux. L’histoire personnelle de Danny, qui se souvient de son propre père et des difficultés rencontrées par leur famille de circassiens, résonne profondément. Le spectacle évoque non seulement la gloire passée, mais aussi les défis contemporains, comme la crise sanitaire qui a momentanément interrompu leur activité, renforçant encore la thématique de la résilience. « Sono io ? » n’est pas seulement un spectacle de cirque, c’est une ode à la famille, à la transmission et à la persévérance. Danny et Pepijn Ronaldo nous emmènent dans un voyage émotionnel où rire et larmes se mêlent, nous rappelant la beauté et la fragilité des relations humaines. Le Circus Ronaldo, avec son histoire riche et sa capacité à se renouveler, continue de nous captiver et de nous émouvoir, génération après génération. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 Sono io ? Conception, mise en scène et interprétation Danny Ronaldo et Pepijn Ronaldo Son Seppe Verbist • Musique David Van Keer, Birger Embrechts, Seppe Verbist, Piotr Ilitch Tchaïkovski • Costumes Dotje Demuynck • Décors, accessoires Danny Ronaldo, Erik Van den Broeck, Seppe Verbist, Marjolijn Midori, Nanosh Ronaldo, David Ronaldo, Johanna Daenen, Pepijn Ronaldo Crédit photo © Jean Philipse Théâtre du Rond-Point 30 mai — 16 juin 2024 • Du mercredi au vendredi, 20h30 • samedi, 19h30 • dimanche, 15h En tournée 10 février 2024 Maison des Arts du Léman / Thonon-les-Bains (74) 18 février 2024 Lokeren (Belgique) 21 février 2024 Schoten (Belgique) 22 février 2024 Diksmuide (Belgique) 23 février 2024 Eeklo (Belgique) 26, 27 et 28 mars 2024 Festival Spring – La Brèche / Cherbourg-en-Cotentin (50) 28, 29 et 30 juin 2024 Bornem (Belgique)

Une exploration théâtrale poignante et réaliste "Frères" est une pièce de théâtre qui allie habilement récit et mise en scène pour explorer les nuances et les défis de l'amitié dans un contexte professionnel intense. Une rencontre déterminante Au cœur de cette pièce, nous suivons Maxime et Émile, deux jeunes aspirants cuisiniers que tout oppose : l’un est nerveux et issu de la banlieue, l’autre est timide et vient d’un milieu plus aisé. Leur rencontre est décrite comme un coup de foudre amical, une alliance inattendue qui les aide à surmonter les rigueurs de leur apprentissage et les dures réalités du monde culinaire. La mise en scène et le théâtre-récit La mise en scène s’inspire du théâtre-récit, où deux comédiens incarnent non seulement les protagonistes principaux mais aussi les personnages secondaires qui croisent leur chemin. Cette approche exigeante permet une fluidité narrative et une profondeur dans l’exploration des relations interpersonnelles, bien que parfois prévisible. En incarnant plusieurs rôles, les comédiens apportent une richesse et une complexité intéressantes, bien que cette technique puisse sembler répétitive à certains. Les coulisses de la cuisine : entre rêve et réalité L’auteur révèle les contrastes entre la perception idéalisée de la cuisine, souvent vue sur les réseaux sociaux et les émissions de téléréalité, et la réalité des sacrifices et des épreuves endurées par ces professionnels : maltraitances, racisme, sexisme et cadences infernales. Cette perspective réaliste et touchante rend hommage à ceux qui se consacrent corps et âme à leur métier. Une création collective La pièce résulte d’un travail collectif, où acteurs, musiciens, chorégraphes, scénographes et créateurs lumière ont uni leurs talents pour créer un langage commun et authentique. La scénographie, épurée mais évocatrice, utilise des volumes abstraits qui peuvent être réagencés pour représenter divers lieux. Ce dispositif permet de contribuer à la création d'images mentales, tandis que la création lumière sculpte l’espace et les corps, ajoutant une couche poétique à l’ensemble. La chorégraphie, conçue par Delphine Jungman, renforce l’émotion par un travail physique intense qui évoque la cuisine sans la mimer directement. Cette vision féminine des masculinités différentes apporte un ajout précieux à l’expérience théâtrale. "Frères" est une œuvre théâtrale qui, malgré quelques clichés, offre un regard profond et sincère sur l’amitié et les sacrifices dans le monde exigeant de la restauration. Cette pièce, tout en divertissant, pousse à la réflexion et à l’empathie pour ces artisans de l’ombre. Elle captive et touche par sa représentation authentique et émotive des liens amicaux et des réalités du monde culinaire. Avis de Foudart 🅵🅵 FRÈRES Écrit et mis en scène par Clément Marchand Avec Guillaume Tagnati et Jean-Baptiste Guinchard Chorégraphie Delphine Jungman • Musiques Patrick Biyik • Scénographie Natacha Markoff • Lumières Julien Barrillet Crédit photo François Fonty Festival OFF d'Avignon Théâtre des Corps Saints Du 3 au 21 juillet à 18h05

Angelin Preljocaj, chorégraphe renommé pour ses audacieuses innovations stylistiques, revient à la Grande Halle de la Villette avec une nouvelle création envoûtante intitulée "Requiem(s)". Ce projet s’inscrit dans la continuité de son œuvre éclectique, alliant minimalisme et narrativité, avec une chorégraphie conçue pour une vingtaine d’interprètes. Une Œuvre Tribale et Universelle Depuis plusieurs années, le public de La Villette a pu apprécier la capacité d'Angelin Preljocaj à se réinventer sans cesse. En 2018, il proposait "Still Life", une pièce inspirée par les vanités et la nature morte, avec une bande sonore contemporaine signée Alva Noto et Ryūichi Sakamoto. Par la suite, "Blanche-Neige" revisitait le célèbre conte des frères Grimm, mis en musique par Gustav Mahler. "Gravité" explorait, quant à elle, les défis de la pesanteur. Avec "Requiem(s)", Preljocaj poursuit cette quête de renouvellement et de prise de risque artistique. La nouvelle création mobilise les danseurs du Ballet Preljocaj pour une chorégraphie ample et tribale. Ce projet ambitieux vise à fusionner une écriture intime avec une mise en scène grandiose, adaptée aux volumes de la Grande Halle de la Villette. À travers ce spectacle, Preljocaj aspire à révéler la beauté et l’émotion universelles que la danse peut susciter. La Genèse de "Requiem(s)" L’inspiration derrière "Requiem(s)" est profondément personnelle. En 2023, Preljocaj a perdu ses parents et plusieurs amis proches, ce qui l’a poussé à explorer les thèmes du deuil et de la mort. Cette œuvre n’est pas seulement une méditation sur la fin de vie, mais aussi une célébration de la vie et un hommage aux êtres chers disparus. La dimension rituelle de "Requiem(s)" met en lumière l’importance des rites funéraires dans les civilisations, comme l’a souligné le sociologue Émile Durkheim. Preljocaj évoque des exemples de rituels joyeux autour des morts en Indonésie pour illustrer l’importance de ces cérémonies dans la création de sens et d’émotion. Une Diversité Rituelle et Musicale Le pluriel de "Requiem(s)" reflète la diversité des rituels représentés dans le spectacle. Chaque rituel est accompagné d’une ambiance musicale spécifique, allant du classique "Requiem" de Mozart à des créations sonores contemporaines. Cette diversité musicale, incluant des œuvres de György Ligeti, Olivier Messiaen, System of a Down, Hildur Guðnadóttir et des chants médiévaux, enrichit la profondeur émotionnelle de la pièce. Un Processus Créatif Collaboratif Preljocaj décrit son processus créatif comme une exploration loin des clichés, laissant la création elle-même le guider. Il travaille en étroite collaboration avec ses danseurs, utilisant son propre corps pour générer des mouvements que les interprètes reprennent et enrichissent. Cette collaboration aboutit à un langage chorégraphique unique, influencé à la fois par les interprètes originaux et ceux qui reprennent les rôles. Une Première Éblouissante La première image de "Requiem(s)" est saisissante : trois quatuors fixent attentivement et se meuvent sous trois corps suspendus dans des cocons transparents, symbolisant la naissance, tandis que le "Requiem" de Ligeti résonne. La lumière, conçue par Éric Soyer, met en valeur la délicatesse des poses et la lenteur des mouvements suspendus. Soudain, toute la troupe de dix-neuf danseurs envahit la scène, créant une chorégraphie d'une complexité remarquable. La pièce oscille entre expansion et densité, courbes et contours, forgeant un langage chorégraphique unique. Entre transe méditative, spiritualité et baroque, ce ballet enivrant nous émerveille et nous laisse sans voix. Une Œuvre Visuelle et Émotionnelle Les costumes d’Eleonora Peronetti, principalement en noir et blanc avec des nuances de gris, ajoutent à l’atmosphère picturale de "Requiem(s)". Les références visuelles abondent, de Goya à William Blake, en passant par la "Danse macabre" de Mary Wigman. La danse macabre lie la mort à la vie, un thème central de cette création, particulièrement pertinent en ces temps de conflits mondiaux. "Requiem(s)" d’Angelin Preljocaj est une œuvre puissante et émotive, explorant la mort et la vie à travers une chorégraphie tribale et poétique. Elle témoigne de la foi inébranlable de Preljocaj dans la danse comme moyen de communication universel. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 Angelin Preljocaj : Requiem(s) Chorégraphie Angelin Preljocaj Danseurs Lucile Boulay, Elliot Bussinet, Araceli Caro Regalon, Leonardo Cremaschi, Lucia Deville, Isabel García López, Mar Gómez Ballester, Paul-David Gonto, Béatrice La Fata, Tommaso Marchignoli, Théa Martin, Víctor Martínez Cáliz, Ygraine Miller-Zahnke, Max Pelillo, Agathe Peluso, Romain Renaud, Mireia Reyes Valenciano, Redi Shtylla, Micol Taiana Musiques G.Ligeti, W.A.Mozart, System of a Down, J-S.Bach, H.Guðnadóttir, G.Deleuze, Chants médiévaux (anonymes), O.Messiaen, G.F Haas, J.Jóhannsson, 79D Lumières Éric Soyer Costumes Eleonora Peronetti Crédit photo © Jean-Claude Carbonne LA VILLETTE - GRANDE HALLE Du 23 au 31.05.2024 • Mar, ven 20h. Sam 18h. Dim 16h • Relâche le 27.05 • Durée estimée 1h30