Entre Bouffonnerie et Profondeur Dans "Pauvre Bitos ou le dîner de têtes", Jean Anouilh dévoile une œuvre complexe, aussi captivante qu'énigmatique. Située dans une petite ville de province des années 1950, l'élite locale se réunit autour d'un dîner thématique, où chacun est invité à jouer le rôle d'une figure de la Révolution française. La désignation d'André Bitos, un magistrat d'origine modeste, pour incarner Robespierre, est significative. Anouilh explore par ce moyen les dynamiques de pouvoir, la précarité de la vertu et l'autoritarisme de la conformité. Depuis 1967, la pièce n'avait pas été représentée jusqu'à ce que Thierry Harcourt propose une nouvelle mise en scène. En utilisant la Révolution et l'épuration post-Seconde Guerre mondiale comme prismes, Anouilh critique la tendance humaine vers l'autoritarisme, indépendamment de l'époque. La pièce offre un dialogue fascinant pour les passionnés d'histoire, en mettant en parallèle deux périodes cruciales de l'histoire de France, créant un contexte dense pour le drame. Cependant, "Pauvre Bitos" pourrait sembler difficile d'accès pour ceux moins familiers avec ces époques ou moins disposés à s'immerger dans des œuvres chargées de références historiques et politiques. La mise en scène d'Harcourt, tout en préservant l'aspect contre-révolutionnaire et conservateur du texte, ne manque pas de souligner l'essence humaniste de l'œuvre. Les personnages, bien que caricaturaux et interprétés avec excès par des comédiens comme Maxime d’Aboville, révèlent une humanité profonde dans leurs faiblesses, leurs peurs et leurs aspirations à la grandeur. Les dialogues, marqués par la finesse d'Anouilh, naviguent entre grotesque et caricature. "Pauvre Bitos" se présente comme une comédie sombre, une farce acerbe qui, derrière ses éclats de rire, cache une critique virulente de la société et de ses institutions, rappelant que l'histoire, avec ses héros et ses tyrans, est souvent une distorsion de nos propres contradictions. La pièce est un jeu de miroirs où les personnages, incarnant des figures de la Révolution, reflètent les tensions et contradictions de l'après-guerre. Cette dualité narrative enrichit l'expérience du spectateur averti, mais peut constituer un obstacle pour ceux cherchant un simple divertissement. Il est essentiel de noter que, malgré sa complexité apparente et son style parfois alambiqué, "Pauvre Bitos" reste incroyablement pertinent, interrogeant les mécanismes du pouvoir, de la vertu et de la justice. Anouilh invite à une réflexion sur la nature humaine, ses ambitions et ses échecs. Pour ceux disposés à s'engager dans cette exploration, "Pauvre Bitos" promet des récompenses intellectuelles et émotionnelles importantes. Pour les autres, elle peut représenter un défi, une incitation à sortir de leur zone de confort pour explorer la complexité de l'histoire et de la condition humaine. Quoi qu'il en soit, "Pauvre Bitos" reste un témoignage du talent dramatique d'Anouilh, capable d'émouvoir, de provoquer et de faire réfléchir, quel que soit le degré de connaissance du contexte historique. Avis de Foudart 🅵🅵 PAUVRE BITOS LE DÎNER DE TÊTES Une pièce de Jean Anouilh Mise en scène Thierry Harcourt Avec Maxime d’Aboville, Adel Djemai, Francis Lombrail, Adrien Melin, Étienne Ménard, Adina Cartianu, Clara Huet, Sybille Montagne Décors Jean-Michel Adam • Lumières Laurent Béal• Costumes David Belugou • Musiques Tazio Caputo Crédit photo @Bernard Richebé Théâtre Hébertot Du 9 février 2024 au 5 mai 2024 • Du mercredi au samedi à 19h et matinée le dimanche à 17h30

Être déclaré mort pendant quelques heures... Quel impact cela aurait-il sur notre vie ? Inspiré librement par la nouvelle "La Mort d’Olivier Bécaille" d’Émile Zola, "L'Aquoiboniste" est un spectacle qui laisse une empreinte indélébile grâce à son traitement étonnant de thèmes universels tels que la mort, l'amour et la résilience. Jean-Benoît Patricot, s'inspirant de cette œuvre ainsi que de ses propres expériences et de celles du comédien Bertrand Skol, chacun devenu veuf très jeune, explore avec finesse la complexité de ces sujets au travers d'un spectacle qui mêle théâtre, musique et une grande performance d'acteur. Olivier Bécaille, confronté au défi de revenir à la vie après avoir été déclaré mort, entame une quête introspective et émouvante. Cette prémisse sert de fil conducteur pour réapprivoiser son existence et surmonter un profond désespoir. Devenu "aquoiboniste", constamment hanté par la question "à quoi bon ?", parviendra-t-il à abandonner cette posture, ce détachement procuré par la mort, pour chercher à retrouver la force et la lumière qui se sont éclipsées de sa vie ? La performance de Bertrand Skol se distingue par son intensité remarquable, offrant une présence scénique entre puissance et vulnérabilité qui reflète la quête de sens en touchant profondément l'âme. La musique originale d’Olivier Mellano enrichit ce voyage, créant une atmosphère immersive qui souligne l'interaction entre le texte et la musique. La mise en scène de Patricot, combinée aux éclairages de Johanna Legrand, donne au spectacle une dimension à la fois intime et universelle, plongeant le spectateur dans un espace où la réalité et le surréalisme se fusionnent. Cependant, il est nécessaire de tempérer cet enthousiasme par une réserve concernant la structure du spectacle. Si la première partie, inspirée de l'œuvre de Zola, captive par sa puissance, décrivant avec intensité la découverte de sa propre mort par le protagoniste, la seconde, centrée sur sa reconstruction et sa quête d'amour, peine parfois à maintenir cette dynamique. Le passage de la mort à la renaissance, bien que chargé d'émotions, montre des transitions parfois difficiles entre les deux récits, rendant la pièce légèrement longue. Toutefois, cette transition ne diminue en rien l'impact émotionnel. "L'Aquoiboniste" est une œuvre profonde qui interroge, émeut et invite à la réflexion sur la mort et la renaissance. Ce voyage à travers la mort, la résilience et l'amour se révèle être une célébration de la capacité humaine à trouver un sens, même dans les plus profondes ténèbres. Ce spectacle ne se termine pas sur scène ; il continue de vivre dans l'esprit de ceux qui ont été témoins de cette ode à la vie, rappelant que chaque fin peut marquer le début d'une nouvelle renaissance. Avis de Foudart 🅵🅵 L’AQUOIBONISTE Librement inspiré de la mort d’Olivier Bécaille de Zola Texte et mise en scène Jean Benoît Patricot Avec Bertrand Skol Musique originale Olivier Mellano • Voix Salomé Villiers , Tessa Volkine, Olivier Pajot • Crédit photos Cédric Vasnier La Scène Libre Du 1er février au 24 mars • Les jeudis, vendredis,samedis 21H • Les Dimanches 19H • À partir de 14 ans

Dans "L'Oiseau de Prométhée", la compagnie Les Anges au Plafond, pilotée par Camille Trouvé et Brice Berthoud, déploie un véritable feu d'artifice artistique, embrassant théâtre, musique, arts plastiques et la magie de la marionnette. Ce spectacle ambitieux tente de faire dialoguer le mythe de Prométhée avec la crise financière grecque récente, dans une démarche audacieuse mêlant l'ancien au contemporain. Toutefois, cette richesse foisonnante, bien qu'admirable, tend par moments à disperser l'attention, nous laissant ébloui mais parfois désorienté. Une Scénographie Spectaculaire Visuellement, le spectacle est une réussite indéniable. La partie mythologique, incarnée par des marionnettes imposantes et des effets scénographiques ingénieux, offre des tableaux d'une beauté saisissante. Ces moments, où l'art de la manipulation atteint des sommets d'expressivité, allègent le propos dense et chargé du spectacle, offrant des respirations bienvenues au milieu de réflexions profondes sur la politique et l'économie. Un Mélange des Arts Éblouissant mais Complexe La volonté de mêler différents arts dans une même production crée une expérience riche et multidimensionnelle. Néanmoins, cette ambition a ses revers. La diversité des formes et des contenus, bien que captivante, peut parfois donner l'impression d'une certaine dispersion, comme si l'abondance des stimuli visuels et auditifs rendait difficile de saisir pleinement le fil conducteur du spectacle. Nous nous retrouvons devant une profusion de messages et de techniques qui, bien que fascinants, pourraient bénéficier d'un ciblage plus serré pour éviter une surcharge sensorielle. Des Thématiques Variables en Impact Le fil rouge suivant un groupe d'amis européens dont les relations se détériorent avec le temps cherche à illustrer les tensions et les divisions au sein de l'Union Européenne face à la crise grecque. Bien que cette trame narrative vise à humaniser le discours économique et politique, elle paraît quelque peu légère comparée à la gravité des autres sujets abordés. Ce contraste entre la légèreté de certains passages et la densité du contexte historique et mythologique peut laisser une impression d'inégalité thématique, où certaines parties semblent moins abouties ou moins intégrées dans l'ensemble du récit. Un Spectacle d'Une Ambition Remarquable "L'Oiseau de Prométhée" est indéniablement une œuvre d'une ambition remarquable, tentant de tisser ensemble des éléments disparates en un tout cohérent. Si le spectacle réussit à émerveiller par sa richesse artistique et visuelle, il pourrait gagner en force en affinant son propos et en équilibrant mieux les différents éléments de sa narration complexe. Malgré ces nuances, cette production reste un témoignage puissant de la capacité du théâtre à questionner, à émouvoir et à engager le public dans une réflexion profonde sur notre monde. Avis de Foudart 🅵🅵 L’OISEAU DE PROMÉTHÉE Un spectacle de Camille Trouvé et Brice Berthoud Écrit avec Chrístos Chryssópoulos Avec Rhiannon Morgan, Victoire Goupil, Souleymane Sylla, Achille Sauloup • Marionnettiste Christelle Ferreira • Sur le fil Olivier Roustan • Musique live Stéphane Tsapis • Crédits photos © Vincent Muteau Spectacle vu au Théâtre des Quartiers d’Ivry ~ CDN du Val de Marne (94) • Tout public dès 12 ans Durée estimée 1h45 TOURNÉE 2024 16 & 17 janvier 2024 Le Grand R ~ Scène nationale | La Roche-sur-Yon (85) 24 & 25 janvier 2024 maisondelaculture de Bourges ~ Scène nationale (18) 30 & 31 janvier 2024 Théâtre Jean Lurçat ~ Scène nationale d’Aubusson (23) 7 & 8 février 2024 Théâtre des Quartiers d’Ivry ~ CDN du Val de Marne (94) 21 & 22 février 2024 Maison de la Culture d’Amiens ~ Pôle européen de création et de production (80) 7 & 8 mars 2024 Les Passerelles ~ Scène de Paris ~ Vallée de la Marne | Pontault-Combault (77) 21 & 22 mars 2024 Festival MARTO Malakoff scène nationale (92) 26 mars 2024 Théâtre Paul Eluard ~ Scène conventionnée d’intérêt national art et création pour la diversité linguistique | Choisy-le-Roi (94) 3 & 4 avril 2024 Le Sablier ~ Centre National de la Marionnette en collaboration avec la Comédie de Caen ~ CDN de Normandie | Hérouville-Saint-Clair (14)

Depuis plus de 45 ans, la France reconnaît l'avortement comme un droit fondamental. Pourtant, des stigmates sociaux persistants restreignent la parole des femmes sur ce sujet si intime et personnel. C'est dans ce contexte que Sandra Vizzavona, avocate au Barreau de Paris, a décidé de porter la voix de ces femmes à travers son ouvrage "Interruption, l'avortement par celles qui l'ont vécu". Publié en 2021 aux éditions Stock, ce livre est une fenêtre ouverte sur une multitude d'expériences liées à l'avortement. Vizzavona y dépeint avec authenticité et sensibilité la mosaïque des émotions et des réalités entourant cette décision parfois difficile. Elle révèle à quel point chaque expérience est unique, influencée par les croyances, le vécu et l'entourage de chaque femme. L'adaptation théâtrale de cet ouvrage par Hannah Levin Seiderman, en collaboration avec Pascale Arbillot et Sandra Vizzavona elle-même, apporte une dimension supplémentaire à ces témoignages. Pascale Arbillot, actrice talentueuse, donne vie sur scène à son histoire, oscillant entre douleur et soulagement. La mise en scène en forme de compilation de témoignages bien que parfois sujet à débat, réussit à souligner l'importance cruciale d'un dialogue ouvert sur l'avortement. "Interruption" va au-delà de la simple représentation théâtrale ou littéraire. C'est un mouvement, un cri du cœur. La pièce, tout en rendant hommage à la diversité des voix féminines, interpelle le public et l'invite à plonger dans un tourbillon d'émotions. Elle met en lumière le paradoxe souligné par Vizzavona : bien que la loi française autorise l'avortement, la société impose souvent un lourd silence aux femmes qui y ont eu recours. Dans une époque où les droits des femmes sont plus que jamais au cœur des débats, "Interruption" se présente comme une œuvre indispensable, rappelant l'urgence d'écouter, de comprendre et de reconnaître les expériences de chacune. En brisant les tabous, Sandra Vizzavona donne une voix à celles qui, trop longtemps, ont été privées de parole. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 Interruption Texte Sandra Vizzavona Adaptation Pascale Arbillot, Hannah Levin Seiderman et Sandra Vizzavona Mise en scène Hannah Levin Seiderman Avec Pascale Arbillot, Sanda Codreanu, Kenza Lagnaoui THEATRE ANTOINE À partir du 18 Septembre 2023 • Du Jeudi au Samedi à 19h • Dimanche à 16h NOUVELLES DATES Jeudi 29 février à 19h, Vendredi 1e mars à 19h, Samedi 2 mars à 19h, Vendredi 8 mars à 19h, Samedi 9 mars à 19h

Dans l'univers de l'opéra, rares sont les œuvres qui parviennent à capturer avec autant de fougue et de passion les tumultes du cœur humain que "Adriana Lecouvreur" de Francesco Cilea. Cette production remarquable, ancrée dans l'histoire de l'art dramatique et de la musique, nous transporte dans le Paris du XVIIIe siècle, où amour, ambition et trahison se mêlent dans un tourbillon d'émotions. L'opéra tire son inspiration de la vie d'Adrienne Lecouvreur, éminente tragédienne de la Comédie-Française, célèbre pour ses interprétations inoubliables des pièces de Corneille et Racine. Sa vie, marquée par d'intenses passions et scandales, sert de trame à Francesco Cilea et à son librettiste Arturo Colautti, qui tissent ensemble une intrigue complexe et fascinante de rivalités amoureuses et professionnelles. Cette saga se termine par le décès tragique de l'héroïne, victime d'un empoisonnement via un bouquet de violettes. La dernière représentation de cet opéra majestueux a été marquée par l'interprétation époustouflante d'Anna Pirozzi, soprano italienne de renom, dont la performance a été saluée par une émotion palpable tant sur scène que dans le public. Pirozzi, considérée comme l'une des sopranos dramatiques italiennes les plus brillantes de sa génération, a su incarner avec brio l'esprit et la complexité d'Adrienne, naviguant avec aisance entre force et fragilité, passion et désespoir. "Adriana Lecouvreur" se distingue non seulement par son intrigue captivante mais aussi par sa musique expressive et ses airs magnifiques, qui permettent de mettre en valeur le talent vocal des interprètes. Cilea utilise habilement des motifs récurrents pour tisser une continuité musicale, créant ainsi une œuvre d'une cohérence et d'une beauté remarquables. Le succès de l'opéra depuis sa création en témoigne, avec des interprètes légendaires comme Caruso ayant prêté leur voix aux personnages. Au-delà de l'histoire d'Adrienne, l'opéra est une réflexion sur l'art, le théâtre et la vérité. La protagoniste elle-même déclare : "ma voix est un souffle", soulignant la puissance de l'expression artistique, qu'elle soit sur les planches de la Comédie-Française ou dans la partition d'un opéra. Adrienne Lecouvreur, par sa vie et sa mort, incarne l'idéal d'une artiste dévouée à la vérité, à l'émotion et à l'authenticité. "Adriana Lecouvreur" est un hommage vibrant à l'art dramatique, un pont entre la maison de Molière et l'univers de l'opéra, où se rencontrent la fougue, la romance, l'amour, mais aussi les trahisons et les drames. C'est une œuvre qui continue de toucher le cœur des spectateurs, rappelant que les émotions les plus profondes de l'âme humaine restent éternelles et universelles. ADRIANA LECOUVREUR Un Opéra de Francesco Ciléa, Arturo Colautti Mise en scène David McVicar Direction musicale Giacomo Sagripanti, Jader Bignamini Avec Anna Netrebko, Anna Pirozzi, Yusif Eyvazov, Giorgio Berrugi, Ekaterina Semenchuk, Clémentine Margaine, Ambrogio Maestri, Sava Vemic, Leonardo Cortellazzi, Alejandro Balinas Vieites, Nicholas Jones, Ilanah Lobel-Torres, Marine Chagnon, Se-Jin Hwang Crédit Photo Vincent Ponter

Le Hangar Y, en collaboration avec la Fondation Art Explora et Oasis Immersion, présente pour la première fois en Europe l'exposition immersive numérique "RECHARGER". Inspirée de l'exposition "RECHARGER/UNWIND" qui a connu un grand succès à Montréal, cette expérience unique propose aux visiteurs une plongée dans un monde imaginaire grâce à des installations audiovisuelles de pointe. Une Technologie Révolutionnaire au Service de l'Art Située au Hangar Y, cette exposition utilise un espace LED haute résolution, offrant une qualité d'image spectaculaire, conçu spécialement pour le bateau-musée du Festival Art Explora, qui sera inauguré en juin 2024 à Marseille en juin 2024. Cette innovation unique permet de créer une expérience immersive et qualitative, où les couleurs vibrantes et les contrastes profonds enrichissent l'expérience visuelle des spectateurs, même à courte distance. Quatre Pilliers pour une Expérience Complète "RECHARGER" s'articule autour de quatre piliers conceptuels : relaxation, énergisation, reconnexion, et stimulation. Chacun de ces thèmes est exploré à travers cinq œuvres immersives, permettant aux visiteurs de découvrir différentes facettes de l'art numérique génératif. Des Artistes de Renom Yoshi Sodeoka, Odaibe, Julius Horsthuis, et Alex Le Guillou sont les artistes visionnaires derrière les œuvres présentées. Leur maîtrise de l'art numérique et leur capacité à fusionner art et technologie offrent une expérience riche et variée, marquant "RECHARGER" comme un moment phare de l'art contemporain. Un Évènement à ne pas Manquer Situé au cœur de la démarche d'ouverture et de démocratisation de l'accès à l'art, le Hangar Y offre avec "RECHARGER" une opportunité unique de vivre une expérience à la fois apaisante et stimulante. Cet événement marque une étape importante dans la reconnaissance de l'art numérique comme un moyen puissant de bien-être et de réflexion. Les visiteurs ont jusqu'au 11 février 2024 pour découvrir cette odyssée numérique au Hangar Y. "RECHARGER" est plus qu'une exposition, c'est une expérience positive et réconfortante qui repousse les limites de l'art numérique pour offrir un moment unique de détente et d'émerveillement. Ne manquez pas cette occasion de plonger dans un univers d'art numérique innovant et de participer à une expérience culturelle qui renouvelle le rapport à l'art et à la culture. RECHARGER HANGAR Y Jusqu’au 11 février 2024 Crédit Photo © Patrick Khoury PROGRAMME Relaxation avec "Ondes Collectives", une œuvre invitant à la méditation collective. Énergisation par "Horizon" d'Alex Le Guillou, une expérience audiovisuelle qui réinterprète la réalité, les rêves et les souvenirs. Stimulation grâce à "Petals" de Yoshi Sodeoka, une vidéo générative audio-réactive. Reconnexion à travers "Quiet Pond" d'Odaibe, une métaphore de la zone de confort, et "Recursive reflections" de Julius Horsthuis, explorant les motifs géométriques infinis.

Une Œuvre Courageuse et Engagée Dans "Elaha", Milena Aboyan aborde avec sensibilité et intelligence la complexe question de l'autonomie corporelle face aux traditions oppressives. Elaha, une jeune femme kurde cherche par tous les moyens à faire reconstruire son hymen, pensant ainsi rétablir son innocence avant son mariage. Ce film représente un défi courageux, plongeant dans le dilemme entre respect des traditions et désir d'indépendance. Choix Délibéré d'un Sujet Profond Milena Aboyan aurait pu choisir un thème moins complexe pour son premier long métrage. Elle explique son choix captivant, mettant en lumière les inégalités auxquelles les femmes sont confrontées, notamment en matière de pureté et de virginité, et soulève des questions de jugement et de perception méritant exploration. Une Réalisation Classique au Service du Récit La mise en scène, tout en étant assez classique, sert efficacement l'histoire. Aboyan parvient à créer une intimité avec son sujet, permettant une immersion totale dans l'expérience d'Elaha, et souligne son combat intérieur. Performance Transcendante de Bayan Layla La performance de Bayan Layla, dans le rôle principal, apporte une profondeur émotionnelle captivante. Elle incarne la complexité de son personnage, illustrant le conflit entre les attentes sociétales et ses propres désirs. Traitement Respectueux des Sujets Délicats Le film excelle dans sa capacité à aborder des thèmes sensibles avec respect et authenticité. L'attention aux détails et la sensibilité d'Aboyan enrichissent la narration, offrant une perspective riche et engageante. Message Puissant sur l'Émancipation Féminine "Elaha" transmet un message fort sur la nécessité de l'émancipation féminine dans un monde dominé par les traditions patriarcales, offrant une plateforme pour la performance remarquable de Bayan Layla. Une Contribution Significative au Cinéma Malgré une mise en scène qui peut sembler conventionnelle, "Elaha" se distingue comme une œuvre significative, révélant les talents de Milena Aboyan en tant que réalisatrice engagée et sensible. Avis de Foudart 🅵🅵 ELAHA Un film de Milena Aboyan Avec Bayan Layla, Derya Dilber, Derya Durmaz Sortie cinéma, le 7 février • Wayna Pitch • Durée 1h50 • Image (c) Wayna Pitch

Peu de pièces parviennent à conjuguer avec autant de brio la profondeur émotionnelle et la pertinence sociétale comme le fait "Prima Facie". Cette création de la dramaturge australo-britannique Suzie Miller nous plonge dans la vie tumultueuse d'une jeune avocate pénaliste, Tessa Ensler, confrontée à des épreuves qui ébranlent sa perception de la justice et de son rôle en son sein. Les Débuts de Tessa Ensler Tessa, avocate brillante au parcours prometteur, se dévoile devant nous : de sa jeunesse et son cadre familial à ses années universitaires et ses premières amours. La Justice vue de l'intérieur Le récit, enrichi d'anecdotes sur ses premiers pas dans l'univers judiciaire, illustre la justice avec une clarté et une acuité remarquables. L'écriture, fusionnant élégance, simplicité et finesse, démystifie l'univers judiciaire et captive notre attention. C'est fascinant, et pourtant, nous sommes poussés à nous interroger sur les imperfections et les fissures de ce portrait en apparence idéal. Soudain... mais nous ne révélerons rien de plus ici, car ce n'est pas le lieu pour dévoiler la suite de l'histoire. Ce qui est sûr, c'est que l'intrigue s'oriente vers une tournure nettement plus sombre et plus dramatique. Victime ou Coupable "Prima Facie" en mettant en exergue les défis et les luttes internes de son héroïne, interroge le pouvoir et le patriarcat, explore la fragilité de la justice et la dualité victime-coupable. L'Impact de l'Écriture de Suzie Miller Le texte de Suzie Miller, ayant suscité une vive réaction au Royaume-Uni par son intensité et sa pertinence, est stupéfiant. L'adaptation française, œuvre de Dominique Hollier et Séverine Magois, oscille avec aisance entre lyrisme et réalisme. Transformant les didascalies, souvent perçues comme des éléments intrusifs au théâtre, en atouts narratifs, cette adaptation témoigne d'une inventivité remarquable. Une Interprétation Magistrale Élodie Navarre est époustouflante. Passant de la joie à la peine, de la sensualité à la gravité, avec une authenticité et une intensité rare, elle offre une performance si nuancée que même son reflet dans le grand miroir en fond de scène nous apporte une dimension supplémentaire à son personnage. Sa présence devient majestueuse lorsqu'elle endosse sa robe d'avocate, tandis que sa danse libératrice contraste avec des instants de vulnérabilité profonde. Une Grande intelligence Sous la direction de Géraldine Martineau, collaborant avec Élodie Navarre depuis une décennie, la mise en scène atteint des sommets d'expression et d’intelligence. La scénographie, minimaliste et nuancée de gris, et les lumières de Nieves Salzmann, créent un espace qui accentue chaque moment clé de la pièce. L'ambiance sonore enrichit cette impression, nous enveloppant dans une atmosphère émotionnelle et intense. Une Expérience Théâtrale Incontournable "Prima Facie" se distingue non seulement par son script percutant mais aussi par une mise en scène et une interprétation qui transcendent le théâtre traditionnel, offrant une expérience mémorable et inoubliable. Cette pièce qui vient tout juste de démarrer son exploitation au Petit Montparnasse, représente une expérience théâtrale profondément enrichissante et essentielle. Ne soyez pas intimidé par la force et l’intensité du sujet. Découvrir "Prima Facie", c'est soutenir une œuvre qui mérite d'être vue, ressentie et, espérons-le, largement honorée pour son audace et sa beauté. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 PRIMA FACIE Un texte de Suzie Miller Traduction Dominique Hollier et Séverine Magois Mis en scène Géraldine Martineau Avec Élodie Navarre Scénographie Salma Bordes • Lumières Nieves Salzmann • Création Sonore Antoine Reibre • Costumes Vanessa Coquet Théâtre Petit Montparnasse Depuis le 17 JANVIER 2024 • Du mardi au samedi à 21h • Le samedi à 16h30

Au théâtre, il est rare de tomber sur une pièce qui résonne non seulement avec l'écho profond de la littérature classique mais qui réussit aussi à capturer l'essence brute de la condition humaine. La récente adaptation théâtrale de "Les Travailleurs de la Mer", chef-d'œuvre de Victor Hugo, par Elya Birman et mise en scène par Clémentine Niewdanski, est une telle rareté. Une Immersion Totale dans le Courage et l'Amour Jouée jusqu'au 17 mars 2024 au Lucernaire, cette pièce offre une immersion totale dans un récit de courage, d'amour inavoué et de lutte contre les éléments déchaînés. Au cœur de cette adaptation se trouve Gilliatt, un personnage marginal et solitaire, interprété avec intensité et passion par Elya Birman. Une Quête Périlleuse en Pleine Tempête Gilliatt est secrètement amoureux d'une jeune fille, mais son amour semble destiné à rester non partagé. Tout change lorsque le navire La Durande fait naufrage. Son propriétaire promet la main de la jeune fille au sauveur de l'épave, propulsant Gilliatt dans une quête périlleuse en pleine tempête pour sauver le bateau. Une Mise en Scène pleine de Créativité La mise en scène de Clémentine Niewdanski est une merveille de créativité et d'ingéniosité. Sur un plateau étroit, elle réussit à évoquer l'immensité de la mer et le chaos du naufrage, transformant chaque débris en élément de décor et chaque geste en partie intégrante du récit. La scénographie minimaliste et les jeux de lumière contribuent à créer un univers à la fois intime et universel, où notre imaginaire est sollicité pour reconstruire le présent de l'histoire. Un Voyage Émotionnel avec Birman Birman, seul sur scène, devient à la fois narrateur et personnages, nous transportant au cœur des tumultes naturels et émotionnels de Gilliatt. Sa lutte pour récupérer l'épave de La Durande, face à la faim, la fatigue et même une pieuvre acharnée, est racontée avec une énergie et une conviction qui nous suspend à ses mots. Une Expérience Théâtrale Unique et Universelle C'est une histoire qui, malgré son cadre du XIXe siècle, parle à l'expérience universelle de l'isolement, de l'espoir et de la persévérance. Nous sortons de la salle profondément touchés, épuisés mais émerveillés, avec l'impression d'avoir partagé une aventure humaine intense. Un Spectacle Incontournable "Les Travailleurs de la Mer" s'impose ainsi comme un spectacle incontournable, à la fois un hommage vibrant à Victor Hugo et un rappel puissant de la capacité du théâtre à nous transporter dans les profondeurs de l'âme humaine. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 LES TRAVAILLEURS DE LA MER de Victor Hugo Mise en scène Clémentine Niewdanski Adaptation Elya Birman et Clémentine Niewdanski Avec Elya Birman Création sonore Thibaut Champagne • Lumières Florent Penide • Décor Estelle Gautier • Crédit photo © Filip Flatau Théâtres le Lucernaire Du 24 janvier au 17 mars 2024 • Du mardi au samedi à 19h • Dimanche 15h30

En 1999, Arthur Nauzyciel marquait ses débuts de metteur en scène avec une interprétation audacieuse du "Malade Imaginaire" de Molière, enrichie par "Le Silence de Molière", une œuvre fictionnelle de Giovanni Macchia. 23 ans après, il revisite ce spectacle clé, animé par le désir de le partager avec le public actuel. « Aujourd’hui, je souhaite offrir à une nouvelle génération de spectatrices et spectateurs la possibilité de s’inscrire dans une histoire, de tisser des liens d’une création à l’autre, de découvrir le spectacle fondateur, celui qui contient déjà tous les autres. » - Arthur Nauzyciel Une Occasion de Dialoguer avec le Passé pour Éclairer le Présent Nauzyciel ne se limite pas à réinterpréter le classique ; il orchestre un dialogue entre Molière et sa fille, Esprit-Madeleine, dont la vie, marquée par le silence et le renoncement, est révélée grâce aux recherches de Macchia. Cette démarche, à la fois réparatrice et testamentaire, transforme la relation père-fille en symbole d'échange intergénérationnel et de transmission de la mémoire artistique. Mémoire et Transmission : Un Pont entre les Siècles La comédie se mue alors en un récit intime et poignant, explorant les relations père/fille, maître/élève, et metteur en scène/acteur. Elle célèbre la capacité du théâtre à transcender les époques, à unir les âmes des vivants et des disparus, tout en interrogeant la notion de transmission, tant dans le domaine artistique que dans les expériences humaines fondamentales. Une Distribution Envoûtante : Le Renouvellement de l'Art Arthur Nauzyciel réinvite la magie de cette œuvre avec deux comédiens de la première heure : Laurent Poitrenaux, dont l'interprétation oscille avec brio entre emphase, fougue et nostalgie, et Catherine Vuillez, incandescente dans le rôle d'Esprit-Madeleine. Ils sont rejoints par sept jeunes talents prometteurs. Sous une direction rigoureuse, cette troupe renouvelée, bien qu'en quête parfois de repères, révèle une alchimie captivante. Raphaëlle Rousseau, dans le rôle de Toinette, brille particulièrement. Un Cadre Intemporel : La Magie Visuelle La scénographie originale, composée de panneaux de lin jouant avec la transparence pour estomper les frontières de l'espace et du temps, les éclairages de Marie-Christine Soma, et les costumes atemporels de Claude Chestier et Pascale Robin, crée une atmosphère unique. Cette fidélité aux éléments visuels initiaux enrichit encore l'expérience théâtrale, la rendant encore plus émouvante. Un Renouveau Artistique : La Vision d'Arthur Nauzyciel La mise en scène d'Arthur Nauzyciel du "Malade Imaginaire" illustre magistralement comment une œuvre classique peut continuer à briller et à toucher profondément, affirmant son rôle comme un pilier pour l'avenir. Cette interprétation transcende la simple représentation pour devenir un vibrant hommage à l'art, capable de consoler, guérir et créer des passerelles entre les époques. Nauzyciel se révèle comme un visionnaire, un relais de mémoire qui établit un dialogue intemporel, soulignant que le théâtre, par sa nature éphémère, capture l'essence de l'éternité. Il réaffirme le rôle du théâtre comme moyen de transmission, révélant les strates de notre histoire et encourageant une réflexion continue sur notre condition. Le Théâtre, Reflet de l'Âme Dans cette démarche, Nauzyciel nous convie à une introspection, créant un échange constant avec notre temps. Il met en lumière le théâtre comme espace de questionnement et de découverte, où le passé et le présent se rencontrent, enrichissant notre perception du monde et de nous-mêmes. Une Odyssée Artistique et Temporelle "Le Malade Imaginaire ou Le Silence de Molière", sous la houlette de Nauzyciel, devient une quête qui questionne nos liens familiaux, artistiques et sociaux. L'œuvre souligne la capacité de l'art à transcender le temps, à apaiser les douleurs et à inspirer l'avenir. Nauzyciel émerge comme un maillon entre les temps, illustrant avec éloquence que le théâtre demeure un espace vital pour la réflexion, la remise en question et la célébration de notre complexité. En fusionnant "Le Malade Imaginaire" avec "Le Silence de Molière", il ne se limite pas à moderniser un classique ; il forge un théâtre rénové, une caisse de résonance pour les échos du passé et un phare d'espoir pour demain. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 LE MALADE IMAGINAIRE OU LE SILENCE DE MOLIÈRE MOLIÈRE D’après Molière et Giovanni Macchia Mise en scène et adaptation Arthur Nauzyciel Avec Hinda Abdelaoui, Aymen Bouchou Valentin Clabault, Maxime Crochard , Arthur Nauzyciel, Laurent Poitrenaux, Arthur Rémi, Raphaëlle Rousseau, Salomé Scotto, Catherine Vuillez Scénographie Claude Chestier • Costumes Claude Chestier, Pascale Robin • Lumières Marie-Christine Soma • Création Sonore Xavier Jacquot • Crédit photo © Philippe Chancel THÉÂTRE NANTERRE AMANDIERS Du 26 janvier au 9 février 24 • Les mardis et mercredis à 19h30 • Les jeudis et vendredis à 20h30 • Samedi à 18h • Dimanche à 15h • Durée estimée 2h30 DATES APRÈS LES AMANDIERS 21/02 2024 Bourges, Maison de la Culture – Scène nationale 13/03–14/03 2024 Caen, Comédie de Caen – CDN de Normandie 03-04–05/04 2024 Cergy, Points Communs – Scène nationale 11–12/04 2024 Dunkerque, Le Bateau Feu – Scène nationale Du 24 au 27/04 2024 Paris, La Villette

Le court métrage "Boléro" de Nans Laborde-Jourdàa, une fresque audacieuse et émouvante qui fusionne danse, mémoire et désir, se distingue par son approche unique de la célèbre composition de Maurice Ravel. Ayant déjà conquis le cœur du public et des critiques à Cannes où il a remporté la Queer Palm, le Prix Leitz Cine Discovery et le Prix Canal+, "Boléro" poursuit son impressionnante trajectoire en étant nommé pour le César 2024 dans la catégorie du Meilleur Film Court Métrage. Une réinterprétation audacieuse Le film suit Fran, de retour dans son village natal, dans un voyage intérieur rythmé par le Boléro de Ravel. Cette traversée, entre souvenirs et désirs, conduit à une apothéose chaotique et joyeuse. Laborde-Jourdàa offre ainsi une vision singulière et subversive, marquée par une sorte de cérémonie de renaissance queer, une célébration des corps et des voix marginalisés. Hommage et innovation Le film rend hommage à la chorégraphie originelle de Nijinska tout en s'inspirant des œuvres de Kazuo Ōno et Tatsumi Hijikata, évoquant la révolte de la chair à travers une esthétique queer affirmée. François Chaignaud, dans le rôle principal, incarne cette fusion de mémoires dansantes, créant une performance qui défie les normes et embrasse pleinement l'expression queer. Nans Laborde-Jourdàa : Un artiste pluridisciplinaire Laborde-Jourdàa, cinéaste et comédien, s'est illustré à travers des projets variés, allant du théâtre au cinéma, démontrant une prédilection pour les histoires intimes et les narrations non conventionnelles. Son œuvre précédente, "Looking for Reiko" et "Léo la nuit", témoignent de son engagement à explorer des thèmes complexes avec sensibilité et audace. L'Érotisme et la Mémoire au Cœur du Récit "Boléro" se distingue par son érotisme organique et son utilisation métaphorique de la danse comme moyen de connexion et de rébellion. La performance centrale, entrelacée avec des flashbacks et des rencontres significatives, offre une réflexion poignante sur l'identité, la solitude et le besoin d'appartenance. Pour Laborde-Jourdàa, cette expérience marque non seulement un succès personnel mais aussi une étape importante dans sa carrière artistique. "Boléro" est une célébration vibrante de l'art comme vecteur de changement, d'acceptation et de liberté. Alors qu'il se prépare pour les César 2024, ce court métrage reste un témoignage puissant de la richesse et de la diversité des voix queer dans le cinéma contemporain, promettant de captiver encore davantage de spectateurs avec son message d'amour et de résilience. BOLÉRO Un court-métrage de Nans Laborde-Jourdaà Avec François Chaignaud, Muriel et Mellie Laborde-Jourdàa, Roger Marcillaud, Loïc M'Bora et Yan Jumbou Production Margaux Lorier, Wrong Films & Memo Films • 17 min.

Paris, Théâtre du Châtelet – L'opéra "Cosi fan tutte" de Mozart, actuellement en représentation, offre une expérience révolutionnaire aux spectateurs grâce à l'introduction de lunettes de réalité augmentée. Celles-ci permettent de suivre l'opéra dans différentes langues. Vision du Directeur Cette innovation est le fruit de la volonté d'Olivier Py, le directeur du théâtre, de moderniser l'expérience théâtrale et de la rendre accessible à un public plus large, incluant les personnes en situation de handicap. Surmontant la Barrière Linguistique Le défi posé par la langue italienne de l'opéra n'est plus un obstacle pour les non-italophones. Les lunettes connectées offrent une solution élégante aux problématiques de traduction et de surtitrage dans les théâtres. Expérience Spectateur Améliorée Fini les torticolis. Rien ne peut désormais empêcher les spectateurs de se plonger totalement dans le spectacle vivant : le texte et la traduction, projetés directement dans le champ de vision des utilisateurs, changent la donne. Personnalisation de l'Expérience Les lunettes, légères et accompagnées d’un petit boîtier, permettent de personnaliser l'expérience en ajustant la taille et la couleur du texte, la luminosité, et même la langue du surtitrage, ainsi que son positionnement sur les verres. Cela permet de choisir l'emplacement optimal sans perdre de vue l'essence de la performance. Technologie et Inclusion Ce projet ne se limite pas à améliorer l'accessibilité linguistique ; il vise également à inclure les personnes en situation de handicap, envisageant même l'intégration d'une traduction en langue des signes. L'initiative souligne le rôle de la technologie comme vecteur d'inclusion et d'innovation dans le monde du théâtre. Vers l'Avenir de la Performance en Direct Avec la mise à disposition gratuite d'une vingtaine de paires de lunettes pour chaque représentation de "Cosi fan tutte", le Théâtre du Châtelet fait un pas de géant vers l'avenir de la performance en direct, harmonisant tradition et technologie. Un Tournant dans l'Expérience Théâtrale L'adoption de cette technologie au Châtelet marque un tournant dans l'expérience théâtrale, promettant une ère nouvelle où l'accès et l'immersion totale dans les œuvres culturelles seront facilités pour tous. Ceci ouvre la voie à une révolution tant attendue dans le monde du spectacle vivant.