"Le Grand Œuvre" de René Obscur, à l'affiche au Cirque électrique du 12 au 24 septembre 2023, marque une nouvelle étape audacieuse pour Bertrand de Roffignac, talent issu de la prestigieuse troupe du Théâtre du Soleil. il s'était déjà illustré par sa performance mémorable dans "Ma Jeunesse Exaltée" d’Olivier Py, présenté au festival d'Avignon. Aujourd'hui, il étonne en triplant la mise : auteur, metteur en scène et interprète. Cette pièce, suite attendue des "Sept Colis sans Destination" de Nestor Crévelong - un succès au Théâtre de Vanves et au Festival Impatience au Centquatre-Paris - nous plonge dans une odyssée cauchemardesque conjuguant théâtre, cirque, cinéma et danse. Dans une société dystopique, René Obscur, réalisateur audacieux, conçoit une caméra révolutionnaire capable d'offrir une jouissance sexuelle et spirituelle inégalée tout en défigurant irrémédiablement les acteurs qu’il capture. La quête de René pour le film parfait attire l'attention du riche héritier Ange Cratère. La mise en scène est impressionnante, rappelant l'esthétique des films fantastiques à l'instar de "La Cité des enfants perdus" de Caro et Jeunet. La pièce explore les liens entre pornographie et politique, art, désir et argent. Le début mystérieux happe et électrise mais qui s’étiole sur la longueur Bien que la pièce se distingue par une esthétique saisissante et une énergie indomptable, illustrée par des scènes visuelles époustouflantes - telles que cette projection filmique extatique ou cette séquence magistrale dans laquelle le réalisateur, caméra en main, s'envole dans une transe créative - elle offre également des instants empreints d'une délicatesse sublime, en particulier lors des numéros de danse et de voltige. Ces performances, magnifiées par une trame sonore rock et des éclairages audacieux, font parfois place à une surabondance théâtrale. Des monologues surchargés tendent à l'excès de verbiage, faisant ainsi perdre à l'œuvre son essence première, au risque de désorienter et d'instaurer même un certain malaise. Même le jeu, gagnerait à être nuancé Le jeu excessif des comédiens manquent parfois de nuances, et ce vacarme finit par l’emporter sur le reste. Malgré tout, l’œuvre est d’une inconditionnelle originalité et Bertrand de Roffignac continue de repousser les limites du théâtre conventionnel, proposant une œuvre à la fois perturbante et fascinante, qui laisse une trace indélébile dans notre esprit. Une dystopie cinématographique, cauchemardesque et mégalo, sortie de l’imagination éruptive et transgressive de Bertrand de Roffignac. Avis de Foudart 🅵 Le Grand Œuvre de René Obscur Conception, texte et mise en scène Bertrand de Roffignac Scénographie Henri-Maria Leutner Création Sonore Axel Chemla Avec Adriana Breviglieri, Axel Chemla, Bertrand de Roffignac, Gall Gaspard, Marion Gautier, Xavier Guelfi, Loup Marcault-Derouard, François Michonneau, Pierre Pleven, Erwan Tarlet, Baptiste Thiébault Crédit photo ©Christophe Raynaud de Lage , ©Vahid Amanpour Cirque électrique Du 12 au 24 Septembre 2023 • Du mardi au samedi à 21h - dimanche à 18h • durée 2h Bertrand de Roffignac - Actualités automne 2023 * du 11 au 26 novembre : Ma jeunesse exaltée - Théâtre Amandiers Nanterre - TNP Villeurbanne * 13 et 14 décembre : Les Sept Colis sans Destination de Nestor Crévelong au Centquatre-Paris dans le cadre du Festival Impatience

Chaque histoire a un commencement, une conclusion, et entre les deux, se déroule un miracle. Si vous lisez ces lignes, si vous allez voir ce spectacle, c'est que vous croyez aux miracles, n'est-ce pas? Alexis Moncorgé, grâce à son incommensurable talent, nous rappelle cette sensation d'être un enfant écoutant un conte avant le coucher. Un conte sur l'exploration, l'humanité et le voyage intérieur. En 1528, Alvar Nuñez Cabeza de Vaca, un conquistador espagnol, débarque en Floride avec l'espoir de découvrir la légendaire cité d'Eldorado. Malheureusement, son voyage se solde par un désastre, aboutissant à un naufrage. Mais huit ans après cette tragédie, Alvar fait une réapparition au Mexique, méconnaissable, presque nu, et à la tête d'un cortège de mille indigènes. Mais que s'est-il vraiment passé durant cette disparition ? Quels mystères, quelles révélations ont façonné l'homme qu'il est devenu ? "ELDORADO 1528" nous entraîne dans le sillage de cet explorateur, dévoilant pas à pas l'une des sagas les plus incroyables de l'ère de la découverte. Acclamé lors du OFF Avignon 2023, des critiques dithyrambiques fusent : "Une odyssée mémorable!", "Magistral conteur", ou encore "Moncorgé, l'orateur inégalé". Ce succès est attribuable non seulement à la performance transcendante d'Alexis Moncorgé, mais aussi à la vision de la metteuse en scène, Caroline Darnay, qui nous rappelle que l'histoire, dans son ensemble, est façonnée par des destins individuels aussi vibrants et fascinants que celui d'Alvar. Pour Alexis Moncorgé, la pièce est bien plus qu'un récit historique. C'est une introspection sur la nature humaine, un questionnement sur nos désirs les plus intimes et un hommage à l'humanisme d'un homme qui a choisi d'aller à contre-courant de son époque. Caroline Darnay l'exprime avec justesse : « Mettre en scène, n'est-ce pas avant tout révéler ? ». Elle nous invite à voir au-delà des faits, à vivre l'expérience aux côtés d'Alvar, à marcher avec lui à travers le Nouveau Monde, à découvrir la tribu des Charrucos et la Cité majestueuse du Désert. « ELDORADO 1528 » n'est pas seulement une pièce, c'est un voyage, une exploration et une redécouverte de notre humanité. Les retours des spectateurs en témoignent : « c'est une œuvre fascinante, passionnante et remarquablement interprétée. Pour tout aventurier de l'âme, c'est une expérience à ne pas manquer ». Entouré par l'ingéniosité visuelle de Caroline Darnay, la magie lumineuse de Denis Koransky et les mélodies ensorcelantes de Romain Trouillet, Alexis, auréolé de ses succès dans "Amok" et "Rouge", est transcendant. Il se métamorphose sous nos yeux, endossant une myriade de rôles avec une aisance déconcertante. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 « ELDORADO 1528 » Une pièce écrite et interprétée par Alexis MONCORGE mise en scène Caroline DARNAY Avec Alexis MONCORGÉ Scénographie Morgane BAUXCostumes Colombe LAURIOT PREVOSTLumières Denis KORANSKYMusique Romain TROUILLETPhotographies Fabienne Rappeneau & Julien Jovelin Théâtre du Petit Montparnasse Actuellement à 19h00

ACTION! Un simple mot qui évoque un monde de mouvement, de dynamisme, de créativité. C'est sous cet impératif que s'annonce l'ouverture de "La Fabrique de l'époque" à la Gaîté Lyrique. Un lieu qui, loin d'être seulement un espace d'exposition ou de performance, semble vouloir se poser comme le cœur battant de la culture contemporaine. Mais qu'est-ce qui rend cette Fabrique si singulière ? Depuis mai, ce lieu fusionne création et engagement, marquant la rencontre entre curiosité et conscience… et l'automne s'annonce chargé d'événements exceptionnels ! De l'éclat des points de vue africains aux puissantes voix des féministes iraniennes, La Fabrique nous offre une immersion dans les dialogues contemporains. Une sollicitation à revoir les récits dominants et à étendre nos perspectives. Chassol, avec son flair artistique, réinterprète les films Gaumont, nous rappelant l'impact indélébile du cinéma dans la construction de nos imaginaires collectifs. Tout en explorant la riche histoire du septième art. Les écoles d'art nationales et les résidences d'artistes internationales ont également trouvé leur place dans cette mosaïque culturelle. Et pour les plus jeunes ? Une programmation dédiée qui promet d'éveiller et d'inspirer les esprits de demain. Au cœur de tout cela, La Gaîté Lyrique n'est pas seulement un espace, mais un sentiment. Un endroit pour se rencontrer, partager, créer, ou tout simplement pour s'évader avec un bon livre et un verre à la main. ACTION! Que la découverte commence Alors, si vous cherchez à redéfinir votre rapport à la culture, à découvrir des perspectives nouvelles et à vous immerger dans un univers foisonnant d'idées et de créativité, marquez vos calendriers : du 12 septembre au 22 décembre, la Gaîté Lyrique est l'endroit où il faut être. ACTION! Gaité Lyrique Du 12.09 au 22.12.23

La performance de la metteuse en scène belge Miet Warlop, "One Song", est une ode à la puissance collective de la musique. Au sein d'un stade transformé, des artistes de différents horizons, des musiciens aux pom-pom girls, s'unissent pour interpréter une seule chanson. Cette représentation explore la capacité d'une chanson à unir une communauté malgré les obstacles et les différences. La Nature Cyclique de l'Art Le travail de Warlop reflète une approche cyclique, illustrée par la répétition de thèmes et de motifs tout au long de sa carrière. Elle aborde le théâtre non pas comme une série d'événements isolés, mais comme un ensemble d'expériences interconnectées, influencées par des moments personnels et des interactions artistiques. L'effort physique, en particulier, est un élément central de son travail. Dans "De Sportband / Afgetrainde Klanken", Warlop l'a utilisé comme une métaphore du voyage émotionnel qu'elle a entrepris après le décès de son frère, Jasper. La performance physique, associée à la musique, devient une célébration de la vie et un moyen de comprendre et de traiter la douleur. L'Interprétation Collective Dans "One Song", la notion d'effort s'étend à la performance collective. Chaque artiste est invité à s'aventurer hors de sa zone de confort, à expérimenter et à explorer de nouvelles formes d'expression. Cette dynamique crée un environnement où chaque individu, bien que performant, est indissociable du groupe. La pièce évoque également les complexités des interactions humaines. Les spectateurs, tout en étant encouragés à célébrer et à soutenir les artistes, peuvent également exprimer leur désapprobation, reflétant les défis auxquels sont confrontées les sociétés contemporaines. "One Song" de Miet Warlop est une exploration profonde de l'unité, de l'effort et de la persévérance. En mettant en scène des artistes qui repoussent leurs limites dans un environnement de soutien et parfois de critique, elle interroge notre capacité à trouver l'harmonie et la compréhension dans un monde de plus en plus fragmenté. Le spectacle est un rappel puissant de la capacité de la musique à unir, à guérir et à inspirer. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 ONE SONG Texte, conception et mise en scène Miet Warlop Avec Simon Beeckaert, Stanislas Bruynseels, Rint Dens (†), Judith Engelen, Elisabeth Klinck, Marius Lefever, Willem Lenaerts, Luka Mariën, Milan Schudel, Melvin Slabbinck, Joppe Tanghe, Karin Tanghe, Wietse Tanghe et Flora Van Canneyt Musique Maarten Van Cauwenberghe, accompagné par les membres du groupe. Crédit © Michiel Devijver THEATRE DU ROND-POINT Du 12 septembre au 1 octobre 2023 • Du mardi au vendredi, 19h - Samedi, 18h - Dimanche, 17h • Relâche : les lundis et jeudi 14, mardi 19, vendredi 22, mardi 26 et vendredi 29 septembre • Durée 1h Tournée 13 et 14 octobre 2023 Dublin Theatre Festival (IE) 19 et 20 octobre 2023 Transform Festival / Leeds (UK) 24 et 25 octobre 2023 Battersea Arts Centre / London (UK) 10 et 11 novembre 2023 Tanzquartier Wien (AT) 17 et 18 novembre 2023 Festival de Otoño / Madrid (ES) 22 et 23 novembre 2023 Mons arts de la scène / Mons (BE) 5 — 9 décembre 2023 Théâtre National Wallonie-Bruxelles (BE) 25 et 26 janvier 2024 Point Communs – Nouvelle Scène / Cergy-Pontoise 8 février 2024 CC De Werf / Alost (BE) 10 février 2024 C-Mine / Genk (BE) 15 — 17 février 2024 Théâtre de Liège (BE) 19 et 20 mars 2024 Le Lieu Unique / Nantes (44) 27 — 29 mars 2024 Théâtre national de Bordeaux en Aquitaine (33) 5 et 6 avril 2024 PBA – Palais des Beaux-Arts / Charleroi (BE) 4 mai 2024 Cultuurcentrum Brugge (BE) 9 — 11 mai 2024 PAFFF – Stadsschouwburg De Harmonie / Leeuwarden (NL)

Le théâtre a cette magie d'exprimer et de sonder l'essence même de la réalité. "L'Échange" de Paul Claudel est l'incarnation de cette quête, mêlant avec finesse les paradoxes de la nature humaine à travers un drame poignant et poétique. Sur une plage américaine, deux couples d'univers contrastés se croisent : Marthe et Louis, Français, face à Thomas, riche homme d'affaires, et Lechy, actrice libre d'esprit. Leur interaction atteint son apogée lorsqu'une audacieuse proposition d'échanger leurs conjointes pour de l'argent surgit. Claudel, dans "L'Échange", plonge avec profondeur dans des thèmes universels. Ses personnages, reflets de ses propres expériences et interrogations durant ses voyages aux États-Unis, incarnent des idéaux, des aspirations et des craintes, offrant un prisme riche sur la complexité humaine. La mise en scène de Didier Long, malgré sa complexité, est essentielle pour capturer l'âme de cette pièce. Chaque choix, de la sélection des acteurs au décor, vise à nous immerger dans cet univers intense. Les dialogues, bien que par moments ésotériques, sont si chargés de poésie et de symbolisme qu'ils captivent et nous incitent à une introspection profonde. Claudel maîtrise l'art de la dualité : l'amour face à l'argent, le devoir versus la liberté, le spirituel contre le matérialiste "L’Échange" est une exploration magistrale des dilemmes intérieurs, qui nous incite à contempler nos contradictions et à chercher notre vérité. Plus qu'une simple histoire d'échanges et de passions, la pièce est un hommage au théâtre en tant que miroir de l'âme, une réflexion sociétale profonde. Avec Claudel, nous sommes invités à embrasser nos imperfections et à célébrer la beauté de nos dualités. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 L’ÉCHANGE De Paul CLAUDEL Mise en scène Didier LONG Avec Pauline BELLE Mathilde BISSON François DEBLOCK Wallerand DENORMANDIE Décor Nicolas SIRE Lumières Denis KORANSKY Musique et sons François PEYRONY Théâtre de Poche-Montparnasse Du mardi au samedi 21h, dimanche 17h

Joseph Kessel, un homme aux multiples talents, a marqué le XXe siècle de son empreinte indélébile. Écrivain, grand reporter, aviateur et résistant, Kessel a mené une existence hors du commun, avide de liberté et assoiffé de découvertes. Son parcours exceptionnel est raconté avec malice dans le spectacle intitulé "Kessel - La liberté à tout prix", brillamment interprété par Franck Desmedt. « Il est de ces êtres à qui tout excès aura été permis, et d’abord dans la témérité du soldat et du résistant, et qui aura gagné l’univers sans avoir perdu son âme ». François Mauriac Né en Argentine en 1898, Joseph Kessel a suivi des études de Lettres en France avant de s'engager dans l'aviation pendant la Première Guerre mondiale. Après avoir survécu aux horreurs du conflit, il a embrassé une carrière de grand reporter, couvrant des événements majeurs à travers le monde. Ses reportages l'ont conduit aux quatre coins de la planète, l'exposant aux réalités les plus bouleversantes de son époque. Lorsque la Seconde Guerre mondiale éclata, Kessel ne se contenta pas d'être un simple témoin. Il rejoignit la Résistance et contribua activement à la lutte contre l'occupation nazie. Il fut même coauteur des paroles du "Chant des partisans", un hymne de résistance devenu symbole de courage et de détermination. Après la guerre, Joseph Kessel continua à écrire des romans inspirés de ses voyages et de ses expériences. Ses récits captivants transportaient les lecteurs dans des contrées lointaines, où aventures et émotions se mêlaient habilement. Son style d'écriture percutant et sa capacité à dépeindre la complexité de la nature humaine lui ont valu une renommée internationale. En 1962, Kessel fut élu membre de l'Académie française, consécration de sa carrière littéraire exceptionnelle. Il décéda en 1979, laissant derrière lui un héritage littéraire et un exemple de vie audacieuse et engagée. Le spectacle "Kessel - La liberté à tout prix" ne prétend pas résumer en une heure la vie foisonnante de cet homme d'exception. Au contraire, il cherche à transmettre l'élan vital qui animait Joseph Kessel, le tourbillon incessant de sa vie. À travers une mise en scène captivante, nous somme transporté dans les pas de cet aventurier passionné, ressentant l'empreinte de son existence singulière. Mathieu Rannou, auteur et metteur en scène du spectacle, explique que l'objectif est de toucher et d'inspirer les spectateurs en leur transmettant le courage, la force et l'enthousiasme de se lancer dans l'inconnu. À l'instar des grands hommes, Joseph Kessel suscite admiration et émulation. Son exemple incite chacun à se jeter corps et âme dans l'aventure et à explorer les beautés que recèlent le monde et l'humanité. Kessel, bien sûr, mais aussi le général de Gaulle, Humphrey Bogart et même Huster Le génial Franck Desmedt, qui interprète avec malice le rôle de Kessel sur scène, fait revivre l'esprit intrépide de cet homme d'exception. « Kessel était exalté par la vie, par la beauté du monde » Celui qui a été témoin des affres et des joies du monde, qui préférait les hommes aux idées, qui n'était pas un idéologue pédant et moralisateur, mais un aventurier exalté, un explorateur de la nature humaine. Joseph Kessel restera à jamais un symbole de courage, d'engagement et d'aventure. Son héritage perdure, et "Kessel - La liberté à tout prix" rend un bel hommage à cet homme qui a su vivre intensément chaque instant de sa vie, sans jamais perdre son âme. Avis Foudart 🅵🅵🅵 KESSEL, LA LIBERTÉ À TOUT PRIX Texte et mise en scène de Mathieu Rannou Avec Franck Desmedt Costumes Virginie H. Lumières Laurent Béal Musique Mathieu Rannou Crédit photo © Studio Vanssay THÉÂTRE LE LUCERNAIRE De et mis en scène par Mathieu Rannou Mardi < Samedi 18h30 | Dimanche 15h • Durée 1h10 • À partir de 12 ans

Enfin ! La comédienne et autrice, Françoise Cadol, très active dans le doublage de films, dans l'animation et dans les voix off pour la télévision qui a présenté, au dernier festival off d’Avignon, Une Nuit avec Monsieur Teste qu’elle a écrit et mis en scène, s'installe à Paris, au Lucernaire, dès le 18 janvier, avec la très belle pièce, La femme qui ne vieillissait pas. Betty a trente ans quand elle devient un modèle du grand projet photographique de Fabrice, Du temps. Depuis vingt ans déjà, il photographie des modèles chaque année, à date fixe. Les années se suivent, les photos se prennent, mais au bout du Temps, Betty a toujours trente ans. La femme est si magnifique Grégoire Delacourt s’est penché sur l’âge qui passe ou plutôt qui ne passe pas et rend un hommage poignant à la beauté des femmes. Au moment où, à travers le monde, les femmes s’unissent enfin pour dénoncer les injustices dont elles sont victimes, La Femme qui ne vieillissait pas en délivre une autre : l’injonction qui leur est faite de rester jeune. Grégoire Delacourt Ce spectacle est une pure merveille Un peu un Horla au féminin, en plus doux et délicat, un bijou d’élégance tout en légèreté et émotions. Un magnifique texte superbement adapté pour le théâtre, servi par une très belle lumière et une mise en scène parfaite. Ce n’est pas une narration de l’explication mais un voyage du ressenti. Tristan Petitgirard Françoise Cadol devient la représentation de toutes les femmes « En allant murmurer à l’oreille de toutes ces femmes que vieillir est une chance » Françoise Cadol nous surprend et nous prend aux tripes. Elle survole la scène, elle rit, elle pleure, elle chante, elle danse et crie « La femme est si magnifique » La femme qui ne vieillissait pas est un immense coup de cœur. Un spectacle à voir absolument. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 Interview de Francoise Cadol Lors du Festival Off d'Avignon 2021 FRÉDÉRIC BONFILS. J'ai adoré ce spectacle. J'ai trouvé qu'il y avait une vraie délicatesse, une douceur, et même une certaine légèreté qui m'a vraiment troublé. Je voulais que vous me parliez de votre rencontre avec ce texte. FRANÇOISE CADOL. Je fais des voix dans des documentaires, des livres audio. En fait, un jour, j'ai reçu un extrait de texte d'un directeur artistique avec lequel je n'avais encore jamais travaillé. Il voulait me faire passer des essais pour le livre audio. « Ça m’a tout de suite interpellée » J'ai lu le livre que j’ai adoré et j'ai demandé à Grégoire (Delacourt - NLDR) si je pouvais en avoir l'exclusivité pour une adaptation théâtrale, pour un seul en scène. Je trouve que ce qu'il a écrit est magnifique. J’ai coupé un peu le texte, je l’ai monté, j'ai mis des petits points, je l’ai adapté en mettant en premier plan le studio photo. Je me suis régalée en faisant cette adaptation. Ensuite Tristan Petitgirard a mis en scène le spectacle et tout s’est monté de façon très fluide et magique. FB. Grégoire Delacourt vous a rendu un bel hommage en disant « vous êtes la femme parfaite pour interpréter ce rôle »… La femme est si magnifique !... Finalement, c'est un peu le sujet de ce spectacle. FC. Tout à fait. J'ai une admiration sans bornes pour les femmes et je voulais vraiment défendre cette thématique sur l'acceptation de l'âge qui passe. Je voulais dire qu’avec le temps, les petites rides qui viennent sur les visages sont si belles, la femme est splendide. FB. C'est très beau et c'est très bien écrit. FC. Grégoire Delacourt pour écrire ce texte, s'est glissé dans la peau d'une femme. Il a mis en mots des sensations, des ressentis. « Sur le visage, on voit la vie, les tempêtes, les alleluiah, les découragements, les joies de toutes les personnes ». C'est ça qui est magnifique.... et quand on le vit pleinement, quand on l'accepte pleinement, je pense qu'à ce à moment là, on n'a plus d'âge. FB. Il y a quelque chose d'extrêmement doux dans la pièce, véritablement… en fait, c'est comme si vous veniez à notre oreille pour nous susurrer un secret. Mais dans cette pièce, il y a aussi un vrai suspense. On s'attend pas du tout à ce qui va se passer. FC. Oui, à la fin, Grégoire Delacourt, a eu une idée géniale. La femme qui ne vieillissait pas D’après le roman de Grégoire Delacourt Adaptatrice théâtrale et interprète Françoise Cadol Metteur en scène Tristan Petitgirard Scénographie Pauline Gallot Créateur lumières Denis Schlepp Compositeur Romain Trouillet Photos © Fabienne Rappeneau Spectacle vu au Festival d'Avignon LUCERNAIRE À partir du 18 janvier 2023 Du mardi au samedi à 21h. dimanche à 17h30

"Les téméraires" est une pièce de théâtre remarquable qui plonge les spectateurs au cœur de l'Affaire Dreyfus, un événement historique majeur qui a profondément divisé la France à la fin du XIXe siècle. Cette comédie historique, mise en scène par Charlotte Matzneff, met en lumière le courage et le sens du devoir de personnages tels qu'Émile Zola et Georges Méliès, qui ont joué un rôle crucial dans la quête de vérité et de justice. La pièce se déroule en 1894, lorsque le capitaine Dreyfus est injustement accusé d'espionnage et condamné. Malgré les pressions et les menaces, Zola, un écrivain à succès, décide de mener sa propre enquête sur l'affaire. De son côté, Méliès, depuis son studio de cinéma, s'engage à dénoncer le mensonge d'État à travers le premier film censuré au monde. Soutenus par leurs femmes et animés d'un courage exceptionnel, ces téméraires défient les fausses rumeurs et l'antisémitisme pour rétablir la vérité. Une scénographie magnifique et ingénieuse Un immense meuble de bureau trône au centre de la scène, se transformant tour à tour en espace de travail pour Zola, en piano, en quai de gare, en comptoir de café, en bureau de réunion et en salle de cinéma. Ce décor évolutif symbolise le pouvoir de l'imagination et de l'écriture de Zola, tandis qu'une verrière en verre et en acier rend hommage aux ateliers de création de Méliès. Les jeux de lumière vacillants rappellent les débuts du cinéma et les figures marquantes de cette époque. La musique occupe une place essentielle dans ce spectacle. Elle nous plonge dans la quête de vérité d'Émile Zola, puis nous transporte dans celle de Georges Méliès. Elle nous fait voyager dans les rues de Paris, dans les imprimeries, dans l'atelier de Zola, mais aussi sur le lieu de tournage du film. Elle accompagne les moments forts de la pièce, les mouvements de l'âme et agit comme un révélateur d'émotions. C'est une autre forme de langage qui se mêle à l'ensemble. Interprétée par sept comédiens talentueux, "Les téméraires" offre une palette de trente personnages, chacun apportant sa propre dimension à l'histoire. Parmi les membres de la distribution, Arnaud Allain, Armance Galpin et Stéphane Dauch se distinguent par leur présence sur scène et leur capacité à incarner différents rôles avec conviction. La metteuse en scène de ce spectacle, Charlotte Matzneff, est une comédienne appréciée de Jean-Philippe Daguerre. Elle a joué dans plusieurs de ses mises en scène, notamment dans "Adieu Monsieur Haffmann", qui a remporté quatre Molières en 2018, et dans "Cyrano de Bergerac", où elle interprète le rôle de Roxane. Elle s'est également lancée dans la mise en scène avec des créations telles que "Le Médecin malgré lui" et "Arlequin serviteur de deux maîtres". "Les téméraires" marque sa quatrième mise en scène. Elle insuffle à la pièce un rythme captivant, celui du corps, de la langue et de la musique, et se révèle être une formidable directrice d'acteurs, d'une créativité folle. "Les téméraires" est une pièce de théâtre historique qui célèbre le courage, le devoir et la vérité… et nous rappelle l'importance de se battre pour la justice, même face à l'adversité. À travers des moments tantôt drôles, tantôt émouvants, elle nous transporte dans une période charnière de l'histoire de France et met en lumière des personnages courageux qui ont marqué leur époque. Ne manquez pas cette pièce de théâtre unique, à la fois divertissante et inspirante. Un véritable voyage théâtral ! Avis Foudart 🅵🅵🅵🅵 Les Téméraires Une pièce de Julien Delpech et Alexandre Foulon Mise en scène Charlotte Matzneff Avec Romain Lagarde, Stéphane Dauch, Sandrine Seubille, Barbara Lamballais, Armance Galpin, Antoine Guiraud, Thibault Sommain Musique Medhi Bourayou Lumière Moïse Hill Scénographe Antoine Milian Copyright Grégoire Matzneff Comédie BASTILLE Jusqu'au 30 mars 2024 • Du mardi au samedi à 19h ou 21h, selon les jours • Le dimanche à 17h EN TOURNÉE CHANTILLY Samedi 2 et dimanche 3 Septembre 2023 (Festival de la Scène au Jardin) DOUAI Lundi 29 janvier 2024 NEUILLY-SUR-SEINE Mardi 27 février 2024 BOULOGNE Mercredi 03 Avril 2024 VERNEUIL-SUR-SEINE Dimanche 21 Avril 2024 MARLY-LE-ROI Jeudi 25 avril 2024 VILLENEUVE-LE-ROI Samedi 27 Avril 2024 VILLEMOISSON-SUR-ORGE Mardi 14 Mai 2024 SAINT-MANDÉ Jeudi 16 Mai 2024 LOUVRES Vendredi 17 Mai 2024

"Le Beau Monde", couronné par le prix Impatience 2022, est bien plus qu'une simple performance artistique. C'est une méditation profonde et onirique sur la nature éphémère du présent et la manière dont nous, en tant que civilisation, considérons notre propre histoire. « Une invitation à réfléchir à ce que nous voudrions revivre, à ce que nous souhaiterions préserver pour l'avenir ».  Au cœur de ce spectacle avant-gardiste, une interrogation persiste : comment les générations futures percevront-elles notre quotidien? Sous le regard astucieux de Simon Gauchet, avec une ingéniosité débordante et beaucoup de talent, Rémi Fortin, Blanche Ripoche et Arthur Amard font revivre avec humour et tendresse les us et coutumes du XXIe siècle, dépeignant notre réalité comme une curiosité historique. Dans une mise en scène à la fois très drôle et touchante, nos routines quotidiennes, souvent négligées, prennent une dimension nouvelle, comme si elles étaient des artefacts d'une époque révolue. Pourtant, “Le Beau Monde” ne se limite pas à être une simple célébration de la mémoire et de la transmission. C'est aussi une introspection sur notre époque actuelle, marquée par ses contradictions. La pièce invite à une réflexion sur ce que nous souhaiterions sauvegarder pour l'avenir. Les acteurs ne prétendent pas avoir toutes les réponses, mais ils présentent des fragments choisis, ouvrant un débat sur ce qui mérite réellement d'être conservé. Une ode à l'humain, à ses habitudes et à ses inventions, aussi banales soient-elles Cette exploration du passé, du présent et de l'avenir se fait dans un lieu préservé du début du XXIème siècle, où les rites, gestes et usages qui caractérisaient notre époque sont invoqués tous les soixante ans. Ces acteurs du futur, bien qu'ils ignorent tout des concepts tels que le théâtre, le football ou même le baiser, s'efforcent de comprendre notre civilisation. Leur quête, accentuée par les chants d'Arthur Amard, est à la fois une ode à l'importance de la mémoire orale et une célébration des imperfections qui la caractérisent. Et si les gestes les plus simples de notre vie quotidienne devenaient des pièces de musée? "Le Beau Monde" n'est pas simplement une performance artistique ; c'est un miroir dans lequel nous pouvons nous voir, rire de nous-mêmes, et surtout, apprécier la magie du moment présent. Une pièce incontournable pour quiconque souhaite réfléchir sur l'essence même de notre existence. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 Le Beau Monde Une création collective de Arthur Amard, Rémi Fortin, Simon Gauchet et Blanche Ripoche Sur une idée originale de Rémi Fortin Avec Arthur Amard, Rémi Fortin, Blanche Ripoche Le Centquatre Prix du Jury Impatience 2022 Du 12 au 23 septembre 2023 • Du mardi au samedi à 20h, le dimanche à 17h • relâche le lundi • Durée 1h15 Tournée 2023/2024 du 2 au 6 novembre - MAIF social club - Paris du 13 au 18 février - Le Trident - scène nationale de Cherbourg du 28 février au 2 mars - Scène Nationale de Sénart - tournée en décentralisation le 5 mars : Théâtre Châtillon Clamart les 26 et 27 mars - Théâtre Jean Vilar - Montpellier le 5 avril - Théâtre Louis Aragon - Tremblay en France du 3 au 5 mai - Scène Nationale de Sénart du 4 au 6 juin - TAP - Poitiers

Après le succès au Off d'Avignon, le théâtre Actuel - Le Bruyère accueille une nouvelle création prometteuse de Jean-Philippe Daguerre, reconnu pour son talent dans la réalisation de transitions fluides et de scènes courtes très réussies, qui confèrent à ses spectacles une atmosphère résolument cinématographique. Jean-Philippe Daguerre présente sa dernière création mettant en vedette Florence Pernel, récemment acclamée pour son rôle dans Le Jour du kiwi de Laëtitia Colombani, mis en scène par Ladislas Chollat. L'intrigue du Huitième Ciel tourne autour d'Agnès Duval, une femme qui a construit 27 immeubles dans 27 pays d'Europe pour le compte d'un immense groupe de BTP. Après avoir atteint le sommet de sa carrière, elle décide de prendre une pré-retraite bien méritée pour profiter de la vie, de sa famille et de sa fortune, tout en étant honorée de la Légion d'honneur. Cependant, même lorsque l'on pense avoir tout accompli, la vie peut réserver bien des surprises et les choses ne se déroulent pas toujours comme prévu. Agnès sera ainsi emmenée jusqu'au huitième ciel, vivant des événements inattendus qui changeront sa vie. Deux sujets majeurs ont inspiré l'écriture de cette pièce captivante. Le premier est la question de la retraite, cette étape de la vie professionnelle à laquelle nous sommes tous confrontés dans notre société. La pièce explore cette "petite mort" dans laquelle nous nous plongeons du jour au lendemain, cherchant à profiter de nos vieux jours en dépensant nos économies en attendant la fin inéluctable. Le second sujet abordé concerne les préjugés qui jalonnent nos vies. Ces préjugés sont souvent guidés par tout ce qui arrange notre conscience, notamment en ce qui concerne notre vision des personnes étrangères à notre culture, à notre famille, à notre milieu social, politique ou religieux. En confrontant ces deux sujets, Jean-Philippe Daguerre imagine l'histoire d'Agnès, une femme puissante et fortunée fraîchement retraitée, dont la nouvelle vie sera marquée par des circonstances dramatiques qui la conduiront à trouver le salut en rencontrant un couple de sans-papiers géorgiens touchés par la tragédie. Cette rencontre entre les plus forts et les plus faibles, les plus riches et les plus pauvres, est au cœur de la narration de ce conte moderne. Jean-Philippe Daguerre veille à éviter le piège du manichéisme qui menace ce type de sujet, en s'amusant à confronter ces deux mondes que tout oppose et nous touchant avec humour et sensibilité. La mise en scène de Huitième Ciel fait appel à l'équipe artistique qui a contribué au succès des précédents spectacles de Jean-Philippe Daguerre. Juliette Azzopardi à la scénographie, Alain Blanchot aux costumes, Moïse Hill aux lumières et Hervé Haine à la création musicale se retrouvent pour explorer l'univers à la fois baroque et contemporain de la pièce, en proposant des angles originaux et subtils pour représenter cette maison lumineuse, son mobilier et ses habitants. En ce qui concerne la distribution, Jean-Philippe Daguerre se réjouit d'avoir pu rassembler tous les comédiens qu'il avait imaginés en écrivant la pièce, avec Florence Pernel dans le rôle central d'Agnès. Florence Pernel, au-delà de sa notoriété à la télévision et au cinéma, est une immense comédienne de théâtre. Charlotte Matzneff, quant à elle, interprète avec brio et malice les rôles de Jeanne et Anna. Avis Foudart 🅵🅵🅵 L'intrigue de Huitième Ciel peut sembler toute simple, mais grâce à l'écriture précise et efficace de Jean-Philippe Daguerre, le spectacle connaît un véritable succès. La distribution impeccable, avec Florence Pernel en tête d'affiche, attire tous les regards au sein d'une troupe composée des fidèles collaborateurs de Jean-Philippe Daguerre. Cette pièce offre une expérience théâtrale riche en émotions et en humour. Le Huitième Ciel est un spectacle captivant qui touchera votre cœur. Le Huitième Ciel Un texte écrit et mis en scène par Jean-Philippe Daguerre Avec Florence Pernel, Bernard Malaka Charlotte Matzneff, Marc Siemiatycki, Antoine Guiraud, Tanguy Vrignault Décors Juliette Azzopardi et Jean-Benoît Thibaud Costumes Alain Blanchot Lumières Moïse Hill Création musique et assistant mise en scène Hervé Haine Crédit photo © Grégoire Matzneff THÉÂTRE ACTUEL - LA BRUYÈRE À partir du mardi 12 septembre 2023 • Du mardi au samedi à 21h. Dimanche à 16h30 • Durée 1h30

En été 1913, après sa libération, Ed Morrell lutte ardemment pour sauver son ami, Jacob Heimer, de la peine capitale. Charmian, la femme du renommé écrivain Jack London, touchée par cet engagement, convie Ed à leur majestueuse demeure : "La Maison du Loup". Dans l'Ombre de Jack London Suite à leur succès avec la pièce "La Machine De Turing", Benoit Solès et Tristan Petitgirard unissent de nouveau leurs talents. Inspirés par "Le Vagabond des étoiles", l'oeuvre magistrale de Jack London, ils explorent la genèse du livre. Centrée sur Charmian, la femme de London, la pièce dépeint la rencontre entre un Jack London en quête d'inspiration et Ed Morrell, un personnage historique. Le spectacle dévoile les différentes facettes, certaines privées et méconnues, de cet illustre auteur. Il aborde également des thématiques telles que l'auto-hypnose, l'addiction à l'alcool, l'amour, la passion, et l'amitié. "Si 'Le Vagabond des Étoiles' met en exergue 'la supériorité de l’esprit sur le corps', 'La Maison du Loup' s'aventure sur des terrains variés et intemporels : l’inspiration artistique, le retour aux sources, la dépendance à l’alcool, le traitement des animaux, la position des femmes dans la société, les abus policiers et la peine de mort." - Benoit Solès "La Maison du Loup" : Un Hommage à l'Inspiration "La pièce se situe à cet instant particulier entre jour et nuit, comme le décrit si bien l'auteur. Le public doit ressentir la chaleur de ce moment, tant dans la lumière que dans l'acoustique." - Tristan Petitgirard L'ensemble est sublimé par un décor époustouflant, une musique envoutante et des costumes remarquablement conçus. Trois acteurs passionnés nous emmènent en voyage au cœur de l'Amérique, dans un spectacle riche en émotions, où l'humour, l'amitié et l'amour s'entrelacent harmonieusement. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 La Maison du loup Un texte de Benoit Solès Mise en scène Tristan Petitgirard Avec Benoit Solès, Amaury de Crayencour et Anne Plantey Scénographie Juliette Azzopardi Illustrations et affiche Riff Reb’s Animation Mathias Delfau Musique Romain Trouillet Costumes Virginie H. Création lumières Denis Schlepp Assistante mise en scène Léa Pheulpin Photos © Fabienne Rappeneau Théâtre RIVE GAUCHE ​À partir du jeudi 14 septembre • Du mercredi au samedi à 21h. dimanche à 15h • durée 1h30 ​ EN SAVOIR PLUS… Jack London a eu mille vies : marin, chercheur d’or, journaliste, romancier. Autant d’expériences qui ont irrigué son œuvre dans laquelle l’autobiographie et le combat pour la vie occupent une place primordiale. Autodidacte, il devint, par un travail forcené, l’écrivain le plus illustre des États- Unis, publiant de son vivant une quarantaine d’ouvrages, traduits dans le monde entier, parmi lesquels L’Appel du monde sauvage, Croc-Blanc et Martin Eden. J

L'année 1969 a vu la sortie de l'un des films les plus audacieux et personnels de Jacques Rivette, "L'Amour Fou". S'éloignant des sentiers battus du cinéma classique, Rivette nous offre une méditation prolongée, s'étalant sur plus de quatre heures, sur le couple et le processus créatif, portée par des interprétations magistrales de Bulle Ogier et Jean-Pierre Kalfon. Histoire d'une Résurrection Cinématographique Tourné au cœur de la période de la Nouvelle Vague, "L'Amour Fou" a failli disparaître pour toujours suite à un tragique incendie survenu en 1973. Mais grâce aux efforts conjoints des Films du Losange et des Films du Veilleur, appuyés par le CNC, le film a pu renaître de ses cendres. Un Regard Novateur sur la Passion Humaine "L'Amour Fou" se concentre sur le duo Claire et Sébastien, interprétés brillamment par Bulle Ogier et Jean-Pierre Kalfon. Sébastien, metteur en scène, et Claire, comédienne, sont plongés dans les répétitions d'Andromaque de Racine. Cependant, une crise personnelle pousse Claire à se retirer, laissant Sébastien face à ses anciens démons et à Marta, son ancienne épouse. Cette histoire d'amour et de jalousie se mêle à la mise en abyme des répétitions théâtrales, offrant au spectateur une expérience cinématographique intense et vertigineuse. Contrairement à beaucoup d'œuvres de la même époque, Rivette refuse l'approche psychologique traditionnelle. Dans une interview mémorable pour le magazine Positif, il révèle son désir de dépasser la psychologie conventionnelle pour plonger dans une représentation pure des passions humaines. L'Art au Service de la Vie Ce film, qui peut sembler exigeant de par sa durée, est une invitation à s'immerger dans l'art cinématographique de Rivette. L'attention minutieuse accordée aux visages, aux émotions et aux corps des acteurs, soulignée par la caméra d'Alain Levent et d'Étienne Becker, permet une exploration sans précédent et encore inégalée du théâtre dans le cinéma. Plus qu'un film, "L'Amour Fou" est une véritable expérience, un voyage à travers l'amour, la jalousie, la création artistique et la passion humaine. Malgré le poids du temps, il demeure un joyau précieux de la Nouvelle Vague, et sa récente restauration promet de ravir de nouvelles générations de cinéphiles. À la croisée de la fiction et du cinéma-vérité, "L'Amour Fou" est une ode au cinéma et à l'art de la représentation. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 L’AMOUR FOU UN FILM DE JACQUES RIVETTE SORTIE NATIONALE LE 13 SEPTEMBRE 2023 • Fiction – France – 252 minutes Photo © Pierre Zucca - Collection Christophel