Tina Turner, de son vrai nom Anna Mae Bullock, est décédée à l'âge de 83 ans. Elle était une chanteuse, compositrice et interprète emblématique, reconnue pour sa voix puissante, sa présence scénique dynamique et ses performances électrisantes. Tout au long de sa carrière, elle a laissé une empreinte indélébile dans le monde de la musique. Tina Turner a connu une ascension fulgurante dans les années 1960 en tant que chanteuse principale de l'Ike & Tina Turner Revue. Leurs concerts énergiques et leurs succès tels que "Proud Mary", "River Deep - Mountain High" et "Nutbush City Limits" les ont établis comme l'un des groupes les plus excitants de l'époque. Le talent brut de Tina, son énergie inégalée et sa voix rauque inimitable ont captivé les publics du monde entier. Cependant, la vie personnelle et professionnelle de Tina a été éprouvante en raison de son mariage tumultueux avec Ike Turner. À la fin des années 1970, elle a pris la décision courageuse de quitter cette relation abusive et de commencer sa carrière solo. La carrière solo de Tina Turner a explosé dans les années 1980 avec la sortie de son album "Private Dancer". L'album a produit des succès en tête des classements tels que "What's Love Got to Do with It", "Better Be Good to Me" et "Private Dancer". Son succès s'est poursuivi avec des albums ultérieurs, notamment "Break Every Rule", "Foreign Affair" et "Wildest Dreams". Les performances live de Tina sont devenues légendaires, mettant en valeur son énergie débordante, ses performances vocales incroyables et sa présence scénique captivante. Ses interprétations électrisantes de chansons telles que "Simply the Best", "We Don't Need Another Hero" et "Steamy Windows" ont solidifié son statut de l'une des plus grandes artistes de tous les temps. En reconnaissance de ses remarquables contributions à la musique, Tina Turner a reçu de nombreuses distinctions, dont plusieurs Grammy Awards, un Lifetime Achievement Award et son intronisation au Rock and Roll Hall of Fame. Elle a vendu plus de 200 millions de disques dans le monde, ce qui fait d'elle l'une des artistes les plus vendues de l'histoire. Au-delà de ses réalisations musicales, la résilience, le courage et la capacité de Tina Turner à surmonter l'adversité ont inspiré d'innombrables personnes à travers le monde. Son autobiographie, "I, Tina", et le film biographique ultérieur "What's Love Got to Do with It" ont mis en lumière ses luttes personnelles et ses triomphes. L'impact de Tina Turner sur la culture populaire est incommensurable. Sa voix puissante, ses performances inoubliables et son esprit inébranlable continueront de résonner auprès des fans de toutes les générations. Elle restera une icône et une source d'inspiration, et sa musique continuera d'être chérie pendant de nombreuses années. © Abaca

« Il faut avoir du chaos en soi pour accoucher d’une étoile qui danse » - Nietzsche Avec la pièce de théâtre Tout va bien, Victor Duez nous offre un seul en scène étonnant et poétique, prenant la forme d'un conte philosophique. Avec humour et cynisme, cette pièce aborde notre incapacité à être véritablement heureux dans un monde désenchanté ainsi que le rôle que nous accordons à la souffrance dans notre société. Victor, le personnage principal, fête aujourd’hui ses trente ans et se retrouve confronté au désenchantement du monde moderne. Il doit désormais trouver une faille dans son existence pour exister aux yeux des autres, et c'est à travers un voyage initiatique empreint de souvenirs et de croyances qu'il tente de s'accorder à la morosité ambiante. Cependant, devenir pessimiste devient une mission quasi impossible lorsqu'on réalise que tout va bien. Une critique de la société actuelle Tout va bien s'inscrit dans une époque où la souffrance semble être érigée en objet de valorisation et de distinction. Le malheur est-il devenu le moyen d'être reconnu et d'exister dans notre société contemporaine ? Victor Duez remet en question cette idée, refusant de croire que la douleur soit la seule source d'expression artistique. Il propose ainsi une réflexion sur le lien entre le bonheur et la créativité. Dans un monde où la souffrance spectaculaire est omniprésente, il cherche à défendre l'idée qu'il est possible de trouver le bonheur malgré la grisaille ambiante, en embrassant une histoire singulière, personnelle et intime. Une expérience théâtrale rafraîchissante et différente… qui oscille entre humour et cynisme et ne laisse personne indifférent. Malgré quelques moments désordonnés, avec des changements de costumes parfois trop longs et une multitude de personnages, Tout va bien parvient néanmoins à nous surprendre et à nous captiver grâce à son approche différente, voire expérimentale. Cela est dû en grande partie au grain de folie et au talent d'écriture de Victor Duez. Cependant, pour que le spectacle soit encore plus cohérent et efficace, il serait bénéfique de mieux canaliser son énergie fougueuse et sa maîtrise cynique des registres comiques. Philosophique, captivant  et divertissant Avec ces différentes facettes allant de la magie à l'équilibrisme en passant par le chant, ce spectacle a aussi une belle dimension visuelle et artistique. Tout va bien suscite la réflexion tout en divertissant Victor, confronté au désenchantement du monde, est face à un choix crucial : se laisser absorber par la morosité ambiante ou trouver des raisons d'être heureux malgré tout. Cette exploration de la psychologie humaine et de notre capacité à influencer notre propre bonheur offre une réflexion profonde et stimulante. Elle nous rappelle que le bonheur est un état d'esprit, une décision personnelle. Le spectacle nous encourage à ne pas être victimes de notre environnement ou des normes sociales, mais à prendre activement part à notre propre bonheur. Cela implique de trouver des sources de joie et de satisfaction, même dans les petites choses de la vie, et de faire preuve d'une attitude positive et résiliente face aux difficultés. Tout va bien est une pièce de théâtre qui réussit à mêler cynisme et poésie pour nous offrir une réflexion profonde sur notre quête du bonheur. Avis Foudart 🅵🅵 TOUT VA BIEN Auteurs Victor Duez et Nicolas Depye Mise en scène Victor Duez et Nicolas Depye Avec Victor Duez Création lumière Richard Arselin Création sonore Elias Akkouche Crédit photo © Lionel Fournier Théâtre Essaïon Du 15 mai au 27 juin • Les lundis et mardis à 21h • TOUT PUBLIC - à partir de 10 ans • Durée 1h10

Depuis sa création, Le Roi Lion a conquis les cœurs de millions de personnes à travers le monde, transcendant les barrières linguistiques et culturelles grâce à son histoire intemporelle et à sa musique envoûtante, composée par Elton John et Hans Zimmer. Les chansons emblématiques telles que "L'Histoire de la vie", "Je voudrais déjà être roi" et "Hakuna Matata" résonnent dans l'esprit des fans depuis des années. La célèbre adaptation française du Roi Lion, qui a déjà enchanté des centaines de milliers de spectateurs lors de ses deux premières saisons, se prépare pour une troisième saison au théâtre Mogador. Avec près de 800 000 billets vendus à ce jour, le spectacle continue de captiver un large public et connaît un succès retentissant depuis sa première représentation le 11 novembre 2021. La première saison du Roi Lion a attiré près de 410 000 spectateurs, avec un taux de remplissage de 98%. Le spectacle a également remporté trois Molières, renforçant ainsi son statut de spectacle incontournable. Forts de ces chiffres impressionnants, la direction de Stage Entertainment France et Disney Theatrical Productions ont décidé de prolonger l'exploitation de ce spectacle unique en son genre pour une troisième saison. Les auditions pour renouveler une partie de la troupe viennent d'ailleurs de se tenir, témoignant de l'engagement à maintenir la qualité artistique et l'excellence de la production. Laurent Bentata, directeur général du théâtre Mogador, se félicite de cette décision : « Nous constatons, pour notre plus grand plaisir, une dynamique de réservation qui ne faiblit pas. Si l'on considère la première exploitation (2007-2010), près de 2 millions de personnes auront vu Le Roi Lion. C'est probablement le seul spectacle capable d'une telle performance. Mais surtout, les spectateurs semblent laisser leurs soucis au vestiaire pour passer 2h30 de pure magie ». Rappelons que l'adaptation scénique du Roi Lion, créée par Julie Taymor, a été saluée dans le monde entier depuis sa première à Broadway en 1997. Le spectacle compte 25 productions dans neuf langues différentes, dont l'anglais, le japonais, l'allemand, le coréen, le français, le néerlandais, le mandarin et le portugais. L'équipe créative du spectacle a été récompensée par cinq Tony Awards, et Julie Taymor est devenue la première femme à remporter le Tony Award du meilleur metteur en scène pour une comédie musicale. Pour Le Roi Lion, Taymor a utilisé une incroyable palette de disciplines artistiques, allant de l'art opératique au théâtre épique, en passant par la pantomime, les masques et les marionnettes. La troisième saison du Roi Lion débutera le 20 septembre 2023 et se tiendra jusqu'en juin 2024. La billetterie pour cette saison ouvre aujourd'hui, offrant ainsi aux fans la possibilité de réserver leurs places pour vivre une expérience inoubliable au cœur de la savane africaine. Ne manquez pas cette nouvelle opportunité de plonger dans le magnifique univers du Roi Lion au théâtre Mogador. Les spectateurs seront transportés dans un voyage épique rempli d'aventures, de musique envoûtante et de performances artistiques spectaculaires. La troisième saison promet une expérience toujours autant immersive, avec des décors grandioses, des costumes somptueux et des effets visuels à couper le souffle. Les acteurs talentueux donneront vie aux personnages emblématiques tels que Simba, Nala, Scar et Rafiki, captivant le public avec leurs performances captivantes. Cette troisième saison est une occasion unique de découvrir ou de redécouvrir ce spectacle magique qui a marqué l'histoire du théâtre musical. Ne manquez pas l'opportunité de vivre une soirée inoubliable en compagnie du Roi Lion et de ses personnages légendaires. Réservez dès maintenant vos billets et plongez dans l'univers captivant de ce chef-d'œuvre du théâtre musical. LE ROI LION Théâtre Mogador • Du 20 septembre 2023 à juin 2024 Billetterie ouverte • Pour plus d'informations et réservations, veuillez consulter le site web du théâtre Mogador ou contacter la billetterie du théâtre

Dix ans après le vote historique du mariage pour tous en France, il est légitime de se demander si être homosexuel(le) est devenu plus facile dans notre pays. Au cours de cette décennie, de nombreuses avancées ont été réalisées en termes de visibilité et de reconnaissance des personnes homosexuelles. Les médias ont ouvert leurs portes aux voix LGBTQ+ et de nombreuses personnalités de la politique et de la culture ont fait leur coming-out, contribuant ainsi à briser les tabous et permettant à de nombreuses personnes de s'identifier et de se sentir représentées. Pourtant, malgré cette plus grande visibilité et bien que l'homophobie soit un délit en France, les actes homophobes ne cessent d'augmenter, témoignant d'une intolérance profondément enracinée dans la société. Les insultes, les violences physiques et le cyberharcèlement continuent de faire des victimes, rappelant les défis persistants auxquels sont confrontées les personnes LGBTQ+. Il est également important de reconnaître les multiples intersections de l'identité LGBTQ+, en tenant compte des expériences spécifiques des personnes LGBTQ+ appartenant à des communautés marginalisées, telles que les personnes de couleur, les personnes transgenres, les personnes en situation de handicap, et d'autres. Une approche inclusive et intersectionnelle est essentielle pour garantir que personne ne soit laissé pour compte. Il est donc primordial de continuer à lutter contre l'homophobie, à éduquer et à sensibiliser la société pour construire un avenir où l'orientation sexuelle ne soit plus un facteur discriminant. Parallèlement, il est important de continuer à promouvoir la visibilité LGBTQ+ dans les médias et la culture. Les récits et les expériences des personnes homosexuelles doivent être représentés de manière authentique et diversifiée, permettant ainsi à tous de se sentir inclus et acceptés. C'est seulement à ce moment-là que nous pourrons réellement affirmer que la France est un pays où il est plus facile d'être homosexuel(le). Le documentaire "Homos en France" offre une perspective captivante sur la réalité des personnes homosexuelles en France. Narré avec humour par Vincent Dedienne, ce film récemment diffusé sur France 2 présente des témoignages poignants d'anonymes et de célébrités. En mettant en lumière la situation actuelle des individus LGBTQ+, le documentaire démontre de manière troublante que les préjugés et la discrimination persistent dans notre société. De plus, il est ponctué d'images d'archives particulièrement choquantes, ajoutant ainsi une dimension percutante. Ce film est donc un témoignage précieux qui rappelle l'urgence de sensibiliser le public aux réalités vécues par les personnes homosexuelles. Avis Foudart 🅵🅵🅵 Homos en France Documentaire 2023 • Durée 1h46 • Tout public

Sans Rancune est une comédie incontournable qui a su conquérir le cœur du public grâce à son rythme effréné et à ses rebondissements incessants. Cette pièce, brillamment adaptée par Jean Poiret, est l'œuvre de Ron Clark et Sam Bobrick. Elle nous plonge dans l'univers de Georges Ménigaud, un homme comblé à la tête d'une entreprise prospère, mais dont la vie bascule lorsque sa femme décide de le quitter pour un homme plus jeune. Cet affront sans précédent entraîne Georges dans une crise existentielle qu'il tentera tant bien que mal de résoudre. Au-delà du rire et de l'humour omniprésents, Sans Rancune aborde des thèmes profonds liés au couple et à l'amour. Écrite en 1973, cette pièce offre un regard précurseur sur la place et la condition des femmes à une époque où elles luttaient encore pour obtenir des droits fondamentaux. Le personnage principal féminin, interprété avec brio par Marie Parouty, incarne une liberté et une émancipation sans précédent, bravant les normes morales et sociales en vigueur. Cela témoigne de l'audace des auteurs dans leur volonté de dépeindre les relations homme-femme avec une pointe de subversion. La pièce s'amuse également à tourner en ridicule la figure masculine grâce au duo comique formé par Thierry Beccaro et Julien Cafaro. La lâcheté, le ressentiment et la mauvaise foi masculine deviennent ainsi les piliers de cette comédie irrésistible sur les rapports de genre. Avec une mise en scène dynamique et survoltée de Jeoffrey Bourdenet, chaque scène devient un véritable feu d'artifice de rires et de folie. Thierry Beccaro, qui incarne brillamment le personnage principal masculin, fait preuve d'un talent incontestable. Son jeu d'acteur, empreint de mauvaise foi et de misogynie, rappelle l'esprit des grandes figures comiques du passé, telles que Louis de Funès. Il se déchaîne sur scène, entraînant ses cinq partenaires dans un tourbillon de délire et de frénésie. Rien ne semble pouvoir arrêter cette folie furieuse qui s'empare de nous, provoquant des fou-rires incessants. Une invitation à la légèreté et à la joie de vivre Bien que la dernière partie de la pièce puisse sembler un peu longue et poussive, Sans Rancune est une comédie bouillonnante d'énergie et d'humour, portée par des acteurs talentueux et une mise en scène captivante. Elle offre un regard subversif sur les relations homme-femme, tout en abordant des thématiques sociétales encore d'actualité. Alors, laissez-vous emporter par ce tourbillon de rires et de rebondissements, et plongez dans l'univers déjanté de cette piece de Boulevard survoltée ! Avis Foudart 🅵🅵 SANS RANCUNE De Sam BOBRICK et Ron CLARK Adaptation de Jean POIRET Mise en scène de Jeoffrey BOURDENET assisté de Nolwen COSMAO Avec Thierry BECCARO, Marie PAROUTY, Julien CAFARO, Matthieu BIRKEN, Marie COUTANCE Décor Jean Michel ADAM Costumes Julia ALLEGRE Lumières Denis KORANSKY Musique Bernard VALLERY Photos Nolwen COSMAO THEATRE HEBERTOT Du 17 mai au 23 juillet 2023 • 60 représentations exceptionnelles • Du mercredi au samedi à 20h30, samedi et dimanche à 16h • Durée 1h40

La Semaine de la Critique, section parallèle du Festival de Cannes, est un événement incontournable du monde du cinéma depuis 62 ans. Cette sélection éclectique de premiers et seconds films est l'occasion de découvrir des cinéastes émergents et de se laisser surprendre par de nouvelles visions. En 2022, La Semaine de la Critique a notamment récompensé AFTERSUN, premier long métrage de la cinéaste écossaise Charlotte Wells, qui a depuis connu un succès retentissant. La sélection de La Semaine de la Critique 2023 promet une fois de plus de belles découvertes. Au programme : des films venus du monde entier, reflétant la diversité et la richesse de la production cinématographique contemporaine. Cette année, la section présentera notamment les premiers longs métrages de cinéastes talentueux tels que la Turque Burcu Aykar, la Chilienne Constanza Figari et l'Iranien Hadi Mohammadian. Les courts métrages ne seront pas en reste, avec une sélection de films qui ne manqueront pas de surprendre et d'émouvoir le public. Parmi les courts métrages sélectionnés, on retrouve notamment des réalisations de cinéastes belges, français, russes et sud-africains. La Semaine de la Critique est également l'occasion pour les cinéphiles de rencontrer les cinéastes et les acteurs de demain, lors de rencontres, débats et conférences. C'est un lieu de rencontre et d'échange pour les professionnels du cinéma, les journalistes et les critiques. Cette année, La Semaine de la Critique se tiendra du 17 au 25 mai 2023, à Cannes. C'est une occasion unique de découvrir les cinéastes et les films qui feront peut-être l'histoire du cinéma de demain. Ne manquez pas ce rendez-vous incontournable de la cinéphilie ! ★ INCHALLAH UN FILS ★ de Amjad Al Rasheed 2023 | Jordanie | 1h56 | Première mondiale La Jordanie est un pays à la fois moderne et traditionnel, où les lois et les pratiques sociales sont souvent fortement influencées par la religion et la culture. Le film "Inshallah a boy" explore cette tension en racontant l'histoire de Nawal, une jeune femme jordanienne confrontée à une loi qui lui retire une partie de son héritage parce qu'elle n'a pas de fils. La situation de Nawal est réelle et courante dans les pays arabes, où les femmes sont souvent considérées comme inférieures aux hommes et où l'héritage est réparti en fonction du sexe des enfants. Cette loi est l'une des nombreuses inégalités auxquelles les femmes sont confrontées dans le monde entier, que ce soit en Jordanie ou ailleurs. Mais "Inshallah a boy" ne se contente pas de décrire cette loi, il explore également les inégalités plus profondes qui sous-tendent la société jordanienne, ainsi que les injustices que subissent les femmes dans le monde. Le personnage de Nawal incarne la force et la résilience des femmes qui sont confrontées à ces obstacles, et qui doivent se battre pour leur droit de vivre et de prospérer dans une société patriarcale. Le film présente quelques longueurs et une fin un peu poussive qui peuvent être regrettées, mais il est avant tout remarquable pour la complexité de ses personnages. Chacun d'eux est écrit avec une grande nuance et profondeur, invitant le spectateur à se mettre à leur place, à comprendre leurs motivations et leurs peurs, et à réfléchir aux choix moraux qui s'imposent. C'est sans doute pour toutes ces raisons que "Inshallah a boy" a été choisi pour être le premier film jordanien présenté à Cannes, toutes sélections confondues. Le réalisateur Amjad Al Rasheed a créé un film qui parle non seulement de la Jordanie, mais de l'humanité tout entière, et qui invite les spectateurs à réfléchir aux inégalités et aux injustices qui persistent dans le monde. Avis Foudart 🅵🅵 AU CINÉMA LE 31 JANVIER 2024

Hen (prononcé heune) est un pronom suédois entré dans le dictionnaire en 2015, qui désigne indifféremment un homme ou une femme. « Je suis fait de mousse, de bois et de tissu. Je suis Hen, un pantin, une chimère ». Hen est une marionnette libre et sulfureuse, donnée vie par Johanny Bert et Lucile Beaune. Contrairement à l'image traditionnelle des marionnettes généralement associée à l'enfance, Hen s'adresse de manière insolente et humoristique à un public adulte. « Je voudrais une révolution À l'intérieur de mon corps Être en constante mutation Que ma différence soit de l'or Je suis la multiplicité Enfermée dans un monde binaire Je n'ai pas de temps pour l'hostilité Ni même pour crier ma colère » GENRE UTOPIQUE de Yumma Ornelle • Musique de Guillaume Bongiraud et Cyrille Froger Hen est bien plus qu'une simple marionnette C'est un véritable emblème vibrant de tolérance, d'acceptation et de célébration de la diversité des identités et des corps. Il/elle nous invite à repousser les frontières de la pensée conventionnelle et à embrasser la richesse infinie de la diversité humaine. Ce personnage androgyne, rebelle et audacieux, incarne une forme d'expression artistique nouvelle et révolutionnaire qui transcende les limites et les conventions établies. Hen remet en question avec poésie, insolence, provocation et humour les normes préétablies de la société, en particulier les idées préconçues sur la sexualité et l'identité. Son insolence scénique offre une expérience théâtrale captivante et subversive qui apporte un souffle de fraîcheur et d'audace. C'est une expérience théâtrale inoubliable ! Avec des chansons puissantes et engagées Les magnifiques chansons écrites par des artistes renommés tels que Brigitte Fontaine, Pierre Notte et Marie Nimier remettent en question les normes patriarcales. Les costumes élaborés par Pétronille Salomé ajoutent une dimension visuelle saisissante, chaque tenue étant minutieusement conçue pour refléter l'esprit rebelle et non conventionnel de Hen. Mais au-delà de ces éléments visuels, c'est la performance scénique et vocale de Johanny Bert(accompagné de Guillaume Bongiraud et Cyrille Froger, deux musiciens de grand talent) qui nous captive véritablement. Il interprète chaque chanson avec une intensité émotionnelle remarquable. Sa voix puissante et polyvalente transmet avec force les messages portés par les paroles. Hen n'est donc pas simplement un spectacle divertissant À travers un audacieux mélange de musique, de marionnettes et de performances, Hen défie les conventions en jouant avec les stéréotypes de genre. Quand Johanny Bert crée Hen, il espère que le spectacle sera « éphémère », rendu obsolète par les évolutions de la société. Mais nous n'en sommes pas encore là. « Le désir de garder une pertinence dans la satire impose de faire évoluer le spectacle, ce qui est d'autant plus facile qu'il comporte une part d'improvisation et qu'il est maintenant parfaitement rôdé ». Depuis 2019, Le Théâtre de Romette présente ce spectacle captivant mettant en scène Hen, une diva engagée, exubérante et virile à talons, qui ne cesse de bousculer nos nuits avec sa performance gracieuse et érotique. Ce spectacle musical provocant qui exprime l'amour, l'espoir, les corps et la sexualité avec une grande liberté. Derrière le masque de Hen et à travers ses différentes silhouettes, le discours devient politique, remettant en question les normes et les identités de la société. « Caché, le montreur-manipulateur peut assumer des propos politiques, engagés socialement ou à caractère érotique... Ce théâtre forain, parfois présenté dans la rue ou dans les cafés, était une façon de dénoncer et d'amuser, de railler la bourgeoisie, le propriétaire, les forces de l'ordre, la mort ». Une ode à la tolérance Hen est bien plus qu'un simple pantin en mousse, en bois et en tissu. « Je veux être aimée pour moi-même Et non pas pour mes ornements Je veux être adorée quand même Sans cheveux, sans chair et sans gants Belle dans le simple appareil » CHANSONS ÉTERNELLES de Brigitte Fontaine Hen vibre, exulte et s'abandonne... jusqu'au démembrement. Mais elle le sait. Lorsque quelqu'un l'étreindra... d'une étreinte si intense… cela ressoudera chaque fragment éparpillé en elle. Avec passion et fougue, en homme sculpté ou femme pulpeuse, Hen enflamme la scène de sa présence magnétique. Il/elle dépasse les attentes et propose un spectacle d'une beauté simple et érotique qui ne manque jamais de surprendre, méditant sur la richesse des identités et des corps qui tissent la trame de notre monde, sans remettre en question les idées préconçues. Car… quelles que soient les apparences ou le genre, tout être humain mérite amour et adoration ! Avis Foudart 🅵🅵🅵🅵 HEN, CABARET INSOLENT Conception et mise en scène Johanny BERT Acteurs marionnettistes Lucile Beaune et Johanny BERT (voix de HEN) Musiciens électro-acoustique Guillaume BONGIRAUD (musicien violoncelliste), Cyrille FROGER (percussionniste) Créations originales des chansons Marie NIMIER, Prunella RIVIÈRE, Gwendoline SOUBLIN, Laurent MADIOT, Alexis MOREL, Pierre NOTTE, Yumma ORNELLE, Guillaume BONGIRAUD et Cyrille FORGER et Brigitte FONTAINE Fabrication des marionnettes Eduardo Felix, Laurent Huet Création lumières Johanny Bert, Gilles Richard Création sonore Simon Muller Création costumes Pétronille Salomé Crédit photo © Christophe Raynaud de Lage Création Juillet 2019 / Théâtre du Train Bleu Avignon THÉÂTRE DE L’ATELIER DU 9 AU 27 MAI • Du mardi au samedi à 21h, le dimanche à 17h Date de spectacle après le théâtre de l’Atelier 30 et 31 mai 2023 Scène nationale de Bayonne (64) 3 juin 2023 Espace Marcel Carné, Saint-Michel-sur-Orge (91) 29 juin 30 et 1er juillet 2023 Théâtre de Chatillon (92)

Le Festival Séquence Danse vient de se clôturer magnifiquement au 104 Paris avec Tragédie, New edit d'Olivier Dubois. "Être humain ne fait pas humanité, et c'est là notre tragédie humaine", affirme Olivier Dubois. Cette phrase, telle un mantra, constitue le point de départ de cette création, ou plutôt re-création, de Tragédie qu'il avait initialement créée il y a dix ans lors du Festival d'Avignon. Depuis sa première présentation, cette pièce-manifeste est devenue un véritable monument dans son domaine. Ce poème chorégraphique, interprété par dix-huit danseurs et danseuses entièrement nus, explore avec une force et une intensité dramatique palpables la condition humaine. Les interprètes avancent droit vers le public, s'approchent puis se retournent dans une cadence persistante. Leur démarche puissante et l'intensité dramatique qui émane de leurs mouvements effacent toute individualité. Ils incarnent notre destin collectif, dansant inlassablement au son des percussions massives de François Caffenne. Les corps nus des danseurs expriment une réponse à notre existence dans le monde, une déclaration visuelle affirmant : "Je suis, et ainsi faites, regardez mon corps". La nudité dans Tragédie, New edit revêt une signification profonde. Selon Dubois, cette représentation est inspirée par "l'image de 7 milliards d'êtres humains nus créant une sorte de puzzle ou de carte au trésor". Chacun porte en lui une parcelle de cette carte qui répond au pourquoi de notre existence. Ainsi, la nudité devient un état de fait présent du début à la fin de la pièce, transcendant l'action de dévoiler une intimité. Cependant, Dubois souligne que "le travail avec les interprètes concernant la nudité reste complexe et nécessite une protection, car il est extrêmement exigeant et difficile pour eux". La nudité est essentielle à la pièce, symbolisant la transparence et la quête de notre identité commune. Pour cette recréation, Dubois a repensé chaque détail de la pièce, ajoutant même une nouvelle partie. Le travail colossal réalisé avec la musique et la lumière a permis d'explorer de nombreuses questions essentielles. Avec une grande diversité parmi les interprètes, ce défilé implacable, plein de fougue, l'identité de chaque danseur résiste et s'impose "Les mouvements des corps se transforment en une houle tumultueuse, suivant les rythmes de la musique qui devient tour à tour dévastatrice. Le chaos surgit lorsque la ligne se brise et les corps se tordent sauvagement, exprimant la tragédie de la vie". Malgré les années écoulées depuis sa création, Tragédie conserve toute son acuité et reste vraiment actuelle. Cette danse incroyablement puissante et expressive nous captive et nous plonge dans un voyage émotionnel profond et esthétique. C'est une réflexion sur l'humanité et notre place dans le monde qui nous rappelle que l'individuel ne représente qu'une partie de l'ensemble de l'humanité. Notre véritable humanité réside dans notre capacité à nous connecter les uns aux autres, à reconnaître nos similitudes et à partager nos expériences communes. La représentation d'une foule en marche, transformée en une houle tumultueuse, souligne l'importance de rester connectés les uns aux autres et de partager nos joies, nos peines, nos espoirs et nos tragédies. La recréation de Tragédie offre une occasion unique de revisiter cette œuvre magistrale qui continue de fasciner. Au-delà d'une simple pièce de danse contemporaine, c'est une exploration de la condition humaine, une réflexion sur notre existence et notre humanité. Tragédie, New edit, avec sa puissance et son intensité, laisse une empreinte profonde dans nos esprits et nos cœurs, nous incitant à réfléchir sur notre propre existence et notre place dans le vaste tissu de l'humanité. Avis Foudart 🅵🅵🅵🅵 Tragédie, new edit Recréation 2022 conception Olivier Dubois interprètes Esther Bachs Viñuela, Taos Bertrand, Camerone Bida, Steven Bruneau, Marie-Laure Caradec, Coline Fayolle, Karine Girard, Steven Hervouet, Sophie Lèbre, Matteo Lochu, Nicola Manzoni, Thierry Micouin, Mateusz Piekarski, Emiko Tamura, Mooni Van Tichel, Aimée Lagrange, Sarah Lutz, Youness Aboulakoul assistant chorégraphique Sébastien Ledig composition musicale François Caffenne création lumières Patrick Riou crédit photo © François Stemmer Le 104 PARIS 15 > 17.05.2023 • Dans le cadre de Séquence Danse Paris 2023 • durée 1h30 • À partir de 15 ans

Sandra Vollant, fondatrice du Phénix Festival, vient de dévoiler la programmation de sa troisième édition du « pré-festival d'Avignon » qui se tiendra à Paris du 29 mai au 18 juin 2023. Le thème du Phénix cette année est « L'étranger, l'étrangeté : qui sommes-nous face à nous-mêmes et parmi les autres ». Exclusivement dédié à la création et basé sur un modèle économique solidaire entre théâtres et compagnies, le Phénix présentera 16 spectacles inédits répartis dans 7 théâtres parisiens : le Studio Hébertot, le théâtre de l'Opprimé, La Nouvelle Seine, le LMP, le théâtre de la Reine Blanche, le théâtre du Funambule et le théâtre des Déchargeurs. Comme lors des deux premières éditions du Phénix Festival, chaque spectacle bénéficiera de 3 représentations, offrant ainsi suffisamment de visibilité pour attirer l'attention des journalistes, des programmateurs et du public, à la recherche de nouveautés. Les retours permettront aux artistes de se présenter avec un dossier solide au Festival d'Avignon, considéré comme « le plus grand théâtre du monde », où il est parfois difficile de se faire remarquer. La programmation du Phénix est éclectique et pluridisciplinaire, comprenant du théâtre, bien sûr, mais aussi, de la musique, de la danse, du clown, du mime, et même du cabaret ! De plus, les Lectures à la bougie seront intensifiées. Cinq textes qui seront bientôt montés seront dévoilés en exclusivité a ceux qui seraient désireux de découvrir les projets en devenir. Cette année, le festival présente également de grandes nouveautés : Les Nuits Cyborg Cabaret - DJ Set : cinq soirées organisées pendant le Phénix Festival dans des lieux insolites. La journée de la solidarité, placée sous le signe de la poésie. Cette journée comprendra trois événements au Café Marcel, dont une soirée festive dédiée à la rencontre entre artistes et spectateurs, à l'image des échanges naturels qui se produisent la nuit dans les rues d'Avignon. PHÉNIX FESTIVAL Du 29 mai au 18 juin 2023 Toute la programmation et informations complémentaires

Dans notre quête pour explorer l'histoire de nos ancêtres, nous découvrons souvent des récits fascinants qui façonnent notre identité et notre compréhension du monde. Hortense Belhôte, une actrice, autrice et historienne de l'art talentueuse, nous propose une conférence spectaculaire, hors du commun intitulée "Portraits de famille : les oubliés de la Révolution française". Elle met en lumière une galerie d'anti-héros de la Révolution française, ces personnages souvent négligés par les récits officiels, mais qui méritent néanmoins toute notre attention. Hortense Belhôte, avec ses talents et ses connaissances, a développé pendant de nombreuses années le concept de ses conférences spectaculaires. Son objectif est de rendre l'histoire de France accessible au plus grand nombre en mettant en avant les oubliés des livres d'histoire et en remettant en question nos mythes fondateurs. Dans ces conférences spectaculaires, Hortense Belhôte nous entraîne dans une folle aventure en combinant savoir, révélations intimes et vidéos. Sa perspective volontaire, féministe, queer et libertaire remettant en cause les normes établies et bousculant nos certitudes. En nous rappelant que nos ancêtres représentés dans les peintures, ceux qui ont participé au premier 14 juillet, étaient aussi des personnes noires, des femmes émancipées et des individus non-binaires, Hortense Belhôte remet en question le paradigme de l'altérité. Elle nous pousse à réfléchir à qui se trouve réellement à la marge et au centre de notre société, et sur quels fondements repose notre socle commun. Ces questions sont d'une importance capitale pour tous, et il est essentiel d'écouter attentivement les voix de ceux qui ont été négligés par l'histoire traditionnelle. Dans sa dernière conférence spectaculaire, actuellement présentée au Théâtre de l'Atelier, nous assistons à un spectacle incroyable. C'est une véritable fresque révolutionnaire qui fusionne les univers du jeu vidéo, du stade de football et de la soirée karaoké Hortense Belhôte nous plonge dans l'histoire de 1789 et de la période révolutionnaire en mettant en lumière des personnages tels que la Dubarry, Zamor, St George, D'Eon, Thomas Alexandre Dumas, Jean Amilcar, Mme Royale, Madeleine, Marie Guillemine Benoist, Ourika et Claire de Duras. Certains de ces noms nous sont familiers, d'autres peut-être moins, mais tous partagent une caractéristique commune : ils ne correspondent pas aux critères traditionnels de reconnaissance et de célébration de l'époque révolutionnaire. Les conférences spectaculaires d'Hortense Belhôte vont bien au-delà d'un simple exposé académique. Elles sont une véritable performance en soi où l'oratrice utilise l'humour, la vidéo-projection et son corps en mouvement pour nous captiver en nous racontant des histoires qui résonnent et nous invitent à repenser notre perception de l'histoire et notre identité collective. Car finalement, c’est de nous nous dont il est question. Hortense Belhôte s'adresse à chacun de nous, nous incitant à réfléchir et à nous interroger sur notre propre place dans cette histoire. Voilà une expérience déstabilisante mais si originale et surtout inoubliable qui nous pousse à réfléchir, à remettre en question les récits établis et à élargir notre perspective. Ne manquez pas l'opportunité de découvrir ces portraits de famille oubliés de la Révolution française et de vous laisser emporter par le talent et la passion d'Hortense Belhôte. Avis Foudart 🅵🅵🅵 PORTRAITS DE FAMILLE, LES OUBLIÉS DE LA RÉVOLUTION FRANÇAISE De et par Hortense Belhôte Photographie © Fernanda Tafner THÉÂTRE DE L’ATELIER DU 6 AU 27 MAI • Les mardis, jeudis et samedis à 19h • Relâches : mardi 9 et jeudi 11 mai 2023 • Durée 1h10 CALENDRIER DE TOURNÉE 2022 / 2023 Portraits de Famille, Les oubliés de la révolution française 14 mars 2023 Espace 1789, Saint-Ouen – CREATION 6 mai, 13 mai, du 18 au 20 mai, du 25 au 27 mai 2023 Théâtre de l’Atelier, Paris Et la marmotte ? 14 & 15 octobre 2022 Théâtre Municipal de Grenoble, en partenariat avec le CCN2 Performeureuses 8 novembre 2022 Université Paris Cité, dans le cadre du festival d’Automne à Paris 23 & 24 novembre 2022 Théâtre de Vanves, dans le cadre du festival OVNI 16 février 2023 Université Paris Nanterre, dans le cadre du Festival d’Automne à Paris 23 mars 2023 KLAP – Maison pour la danse, Marseille 28 mars 2023 La Manufacture CDCN – La Rochelle 12 mai 2023 Usine à Gaz, Nyon (CH) 1664 17 novembre 2022 CN D Pantin 28 novembre 2022 Palais de Tokyo Histoires de Graffeuses 20 octobre 2022 Université Paris Nanterre, dans le cadre du Festival d’Automne à Paris 22 octobre 2022 Festival de Hip Hop et cultures urbaines de Saint Denis 8 novembre 2022 Université Paris Cité, dans le cadre du Festival d’Automne à Paris 12 janvier 2023 Les Abattoirs – FRAC Occitanie Toulouse Concha - Histoires d’écoute - création 2021 Conception Hortense Belhôte & Marcela Santander Corvalán 8 octobre 2022 L’échangeur CDCN – Hauts-de-France, dans le cadre du festival C’est comme ça ! 29 novembre 2022 La Manufacture CDCN Nouvelle-Aquitaine – Bordeaux 2 février 2023 Le Quartz, scène nationale de Brest, dans le cadre du festival Longueur d’Ondes Une histoire du Football féminin 2 septembre 2022 Atelier de Paris CDCN, dans le cadre de Dansez sport ! 19 novembre 2022 CCN2 Grenoble 30 novembre 2022 Théâtre de Privas, scène conventionnée Art en Territoire Centre Ardèche 1er décembre 2022 Espace Culturel Louis Nodon, Vernoux-en-Vivarais 23 février 2023 Format Danse, Aubenas

Revivez la magie à travers les yeux d'un artiste : exploration du mentalisme, de la manipulation, de la grande illusion et de la magie de cabaret. Imaginez un magicien enfermé dans une boîte percée de bâtons, mais armé d'une caméra et d'un micro, partageant ses états d'âme avec le public. Thierry Collet, un magicien aux multiples talents, a bâti son parcours artistique en explorant les liens entre la magie, le théâtre, la psychologie et la philosophie. Diplômé du Conservatoire National Supérieur d'Art Dramatique en 1994, il crée "L'Enchanteur", un spectacle habile mêlant effets magiques et jeu d'acteur pour raconter la quête du Graal à travers des cartes à jouer. Enchaînant avec plusieurs spectacles narratifs, il se lance ensuite dans un nouveau cycle axé sur le mentalisme, explorant les questions psychologiques et politiques liées à la manipulation mentale. Aujourd'hui, Thierry Collet revient sur la scène du Théâtre du Rond-point, après le succès retentissant de son précédent spectacle "Que du bonheur (avec vos capteurs)", pour se dévoiler dans toute sa magie. À travers des récits et des tours stupéfiants, il entrelace son parcours intime et son art magistral d'enchanteur, depuis ses souvenirs d'apprentissage dans les années soixante-dix jusqu'à nos jours. Avec dextérité et maîtrise Thierry Collet explore les différentes facettes de la magie et nous transporte dans son univers fascinant. Mais ce spectacle captivant dépasse largement les simples démonstrations de tours de passe-passe. Un magicien au-delà des tours de magie L'alternance entre moments de présentation magique et récits fantastiques confère au spectacle une force saisissante. Ce travail narratif, initié par Thierry Collet et le metteur en scène Éric Didry dans leur spectacle "Qui-Vive", se poursuit ici, offrant un effet tout aussi époustouflant que s'ils étaient réellement présentés. L'humour joue également un rôle essentiel dans ce spectacle, ajoutant une dimension légère et divertissante à la performance. Au fil du spectacle, Thierry Collet se libère de tous les artifices Ne nécessitant plus ni table, ni accessoires truqués, ni costumes spéciaux pour donner vie à sa magie, il se dévoile progressivement, tant au sens propre qu'au figuré, en explorant la sincérité et la fragilité. Le tour le "Barman du Diable" Ce tour, peu présenté de nos jours par la plupart des magiciens, a captivé son imagination il y a près de quarante ans dans le livre "Secrets of my Magic" de l'illusionniste anglais David Devant. Dans ce numéro, le magicien présente une carafe d'eau transparente au public et lui demande de nommer leurs boissons préférées. À leur grande surprise, le magicien transforme l'eau en alcools variés : vin, champagne, café chaud, liqueurs, lait, jus de fruits, répondant ainsi aux désirs de l'auditoire. Ce qui rend ce tour unique, c'est qu'il fait appel à des sens autres que la vue. Les saveurs, les odeurs, la chaleur des boissons et le son des liquides coulant de la carafe créent une expérience totalement immersive. Collet a consacré beaucoup de temps et de recherche à la réalisation technique de cet effet, et il en est particulièrement fier. Ce moment du spectacle incarne à la fois l'excitation et l'énergie mystérieuse qui se dégagent de la magie en créant une atmosphère joyeuse et envoûtante. Au-delà des simples tours de magie, Thierry Collet nous invite à réfléchir aux questions profondes soulevées par cet art. et aborde des sujets intimes, sociaux et politiques. En cherchant à comprendre et à analyser les mécanismes de perception, les illusions de l'esprit et les biais cognitifs qui influencent notre compréhension du monde, il nous pousse à remettre en question nos propres croyances et à explorer les mystères qui entourent notre existence. Dans la peau d'un magicien est un spectacle unique et envoûtant qui nous transporte dans un monde où réalité et illusion se confondent. C'est une expérience inoubliable qui vous fera découvrir la magie sous un nouvel angle, celui d'un artiste passionné et profondément réfléchi nous guidant, avec beaucoup de tendresse et de poésie, à travers les multiples facettes de cet art fascinant. Avis Foudart 🅵🅵🅵🅵 DANS LA PEAU D'UN MAGICIEN Mise en scène Éric Didry Conception et interprétation Thierry Collet Assistanat magie Dylan Foldrin Scénographie Élise Capdenat Création lumières Sylvie Garot Création sonore Manuel Coursin Crédit photo Baptiste Le Quiniou THÉÂTRE DU ROND-POINT 11 - 27 MAI 2023• DU MARDI AU SAMEDI 20H30 - DIMANCHE 15H30 TOURNÉE 7 AVRIL 2023 LA GARANCE – SCÈNE NATIONALE / CAVAILLON (84) 21 ET 22 NOVEMBRE 2023 SCÈNES VOSGES / ÉPINAL (88) 9 DÉCEMBRE 2023 LA GARANCE / CAVAILLON (84) 19 ET 20 DÉCEMBRE 2023 LA HALLE AUX GRAINS / BLOIS (41) 22 ET 23 DÉCEMBRE 2023 THÉÂTRE DES DEUX RIVES / ROUEN (76) 9 ET 10 JANVIER 2024 LA ROSE DES VENTS — SCÈNE NATIONALE DE VILLENEUVE D'ASCQ / LILLE (59) 16 JANVIER 2024 THÉÂTRE DE CHELLES (77) 9 - 13 AVRIL 2024 THÉÂTRE DES BERNARDINES / MARSEILLE (13)

Concerts, soirées, Nuit blanche… La musique est de retour à la Gaîté Lyrique ! Du 12 au 14 mai, cet emblématique lieu parisien ouvrira une nouvelle page de son histoire. Depuis 1862, la Gaîté Lyrique a toujours été un reflet de son époque, accueillant une multitude d'artistes issus de différents domaines tels que l'opérette, le cirque, la musique et plus récemment, le champ numérique. Cette fois-ci, c'est grâce à l'alliance inédite d'Arty Farty, makesense, SINGA, ARTE France et Actes Sud que cette nouvelle page est écrite. Ensemble, pour les 5 prochaines années, ils ont imaginé un lieu de vie, de création et d'engagement qui incarne les grands enjeux de notre temps, favorisant le passage de l'idée à l'action, du récit à l'impact : une Fabrique de l'époque. Le week-end d'inauguration de la Fabrique de l'époque sera l'occasion d'ouvrir ce lieu encore en chantier, offrant un premier aperçu des valeurs qui traversent ce nouveau projet. Plusieurs thématiques seront abordées lors de cet événement. Tout d'abord, la condition des femmes à travers le monde sera mise en lumière grâce à la participation du collectif Dysturb. Ensuite, des sujets tels que le climat, les réfugiés, les bunkers, les fake news, la révolution et la pop culture seront discutés et explorés. Les nouvelles scènes rap et électronique, du Maroc à Bruxelles en passant par Lyon et Paris, seront célébrées, tout comme des figures tutélaires telles que Moondog. Au-delà des performances musicales, la Gaîté Lyrique propose également d'explorer des formes qui transcendent la musique. Des liens seront établis entre la musique et d'autres disciplines telles que la performance, l'image, la mode et l'engagement. Un nouveau format appelé "Scènes en résistance" sera introduit lors de la Nuit blanche, avec une invitation au label de musique électronique ukrainien Standard Deviation. De plus, il y aura une volonté forte de faire dialoguer les différentes régions en intégrant des tournées françaises et européennes d'artistes. Cette démarche débutera dès le week-end d'ouverture avec une soirée en écho au festival Nuits sonores. La Fabrique de l'époque ne se limite pas aux murs de la Gaîté Lyrique. Elle aspire également à devenir un émetteur puissant à l'échelle nationale et internationale, en partageant les nouveaux récits et imaginaires qui y sont créés, à travers la captation et la diffusion de ces événements. Un exemple concret de cette volonté de diffusion est l'émission "Dans le Club", un grand rendez-vous rap d'ARTE Concert, enregistré tous les mois dans la Grande Salle de la Gaîté Lyrique. Du 12 au 14 mai, rendez-vous dans tous les espaces de la Gaîté Lyrique pour capturer ensemble l'époque, lors de ce week-end d'ouverture de la Fabrique de l'époque. La musique, toujours au cœur de ce projet, couvrira un large spectre allant des musiques électroniques au rock, en passant par la pop, le jazz et le hip-hop. La Gaîté Lyrique souhaite explorer des formes artistiques qui enrichissent la musique, en créant des liens avec la performance, l'image, la mode et l'engagement. Le week-end d'ouverture de la Fabrique de l'époque à la Gaîté Lyrique promet d'être un moment fort où la musique, les performances artistiques et les échanges intellectuels se rencontrent. Les visiteurs auront l'opportunité de découvrir des formes artistiques innovantes, de participer à des discussions engagées et de vivre des expériences musicales uniques. La Gaîté Lyrique s'affirme une fois de plus comme un lieu emblématique de la scène culturelle parisienne, en offrant une plateforme dynamique pour l'expression artistique et le dialogue interdisciplinaire. LA GAÎTÉ LYRIQUE Fabrique de l'époque – Week-end d'ouverture 12.05 au 14.05.23 TOUT LE PROGRAMME 12.05.23 à 19h30 Dans le club : carte blanche à Ziak 13.05.23 à 19h30 En écho à Nuits sonores 14.05.23 à 18h30 Sur mesure : hommage à Moondog