« Jamais aucun autre spectacle ne m’a parlé autant. De la première de seconde jusqu’à la dernière chanson. Ce n’est que révélation, émotion... Par une écriture d’une précision sublime, l’hypersensibilité est résumé en quelques mots ». Frédéric - Foud’art Dans le monde des arts, peu de spectacles possèdent la capacité de transformer la sensibilité humaine en une œuvre captivante. "Un état de nos vies" est précisément un tel spectacle, un mélange harmonieux de littérature et de musique, façonné par la talentueuse Lola Lafon et le musicien innovant Olivier Lambert. Lola Lafon : Une Visionnaire des Mots Lola Lafon, écrivaine et musicienne d'origine franco-russo-polonaise, est connue pour ses romans qui explorent des parcours féminins uniques, tout en scrutant la violence sociétale à leur égard. Ses œuvres, telles que "Une fièvre impossible à négocier" et "Chavirer", ne sont pas seulement des histoires, mais des voyages à travers des paysages émotionnels et intellectuels. Dans "Un état de nos vies", Lafon partage des extraits de son journal et de ses cahiers de travail, créant une performance qui est à la fois un abécédaire intime et un reflet de nos propres vies. Olivier Lambert : Le Maestro Musical Olivier Lambert, guitariste et électroniste autodidacte, travaille avec Lafon depuis 2002, apportant une dimension musicale essentielle à ses spectacles. Sa capacité à fusionner lectures, chants, et instruments tels que la guitare et les synthétiseurs, crée une atmosphère qui enrichit le texte de Lafon, ajoutant une profondeur émotionnelle et un contexte sonore unique. Un Spectacle Qui Redéfinit le Dialogue Dans "Un état de nos vies", l'acte d'écrire devient un dialogue vivant entre l'auteur, le musicien et le public. Lafon et Lambert réinventent les mots, leur donnant de nouvelles définitions subjectives et politiques. C'est une invitation à contempler les mots familiers sous un nouvel angle, à découvrir leurs "faces B" personnelles et intimes. "Un état de nos vies" n'est pas seulement une performance, mais une expérience qui reste gravée dans le cœur et l'esprit des spectateurs. Bien plus qu'un spectacle, c'est un voyage intérieur, une exploration de la fragilité de nos existences à travers les mots et la musique. Lafon et Lambert nous invitent à partager, le temps d'une soirée, un moment de réflexion, de beauté, et d'introspection profonde. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 Un état de nos vies Un spectacle de et avec Lola Lafon Composition et interprète Olivier Lambert Collaboration artistique et lumières Emmanuel Noblet Théâtre du Rond-Point Du 21 au 31 mai 2024 • Du mardi au vendredi, 20h • Samedi, 19h • Dimanches, 15h30 • Durée 1h En tournée 20 janvier 2024 Scène nationale de Malakoff (92) 20 février 2024 Le Grand R. La-Roche-sur-Yon (85) 8 mars 2024 Pop Women Festival, Reims (51)

« Je veux dire, on rigolait juste, hein ? On était tous, vous savez... Vous connaissez Adam, vous savez comment il est, donc on était là, enfin tu sais, à se moquer, enfin. Tu sais comment il était, toujours à rester là ». EXTRAIT Comme souvent chez Dennis Kelly, la pièce de théâtre commence par un fait divers. Un groupe d’adolescents prend un camarade de classe comme bouc émissaire. Partis un jour en forêt pour le torturer, ils finissent par "déraper" et le laissent pour mort. Que va devenir leur vie après ce drame ? Avec une tension inouïe, entre panique et folie, entre culpabilité, remords et terreur, un engrenage effrayant se met alors en route, duquel il leur sera difficile de s’extraire. La pièce est dirigée par Marie Mahé, qui a choisi de couper le texte et de réduire le nombre de personnages pour conserver l’écriture brute, ciselée de Dennis Kelly, presque sans explication psychologique, car elle souhaitait se concentrer non pas sur l'effet de groupe, mais plutôt sur les rapports humains et les personnalités. « Je voulais mettre à vue cette expérience très intense d’êtres humains pour mettre en évidence la panique, la culpabilité et le non-retour ». Comment trouver sa place dans le groupe ? Comment survivre en milieu hostile ? Les personnages de la pièce, John, Cathy, Léa et Phil, sont obligés de rester ensemble pour survivre, mais leur incapacité à communiquer et à parler le même langage les renvoie à leur grande solitude et leur grande mélancolie. Ils se laissent déborder par une situation extrême qui révèle la violence qui se cache en chacun d'eux. « C’est moi qui commande. Tout le monde est plus heureux comme ça. Qu’est-ce qui est le plus important : une seule personne ou bien tout le monde ? » PHIL Le personnage de Phil (intelligemment incarné par Maxime Boutéraon) en particulier, est troublant. Assis au milieu des autres pendant l'essentiel du spectacle, il parle peu, se montre imperturbable, insensible, apathique. Mais on sent bien qu'il exerce une véritable domination sur le groupe. C'est lui qui prend les décisions et qui, pour tenter de les protéger, va transformer ce drame en un véritable cauchemar. La pièce se déroule dans un huis clos indéterminé qui réunit la rue, le champ et le bois. Sur le plateau presque nu, sur un tapis blanc, une immense toile est tendue et un banc trône en son centre. C'est le trône moderne sur lequel celui qui prend le pouvoir s'assoit. Les subordonnés ont le devoir de le saluer et de lui déposer des offrandes, nourritures issues de la société de consommation. Malgré quelques longueurs dans le rythme, comme dans la scène où la petite amie de Phil s'exprime seule sur scène, ADN est une pièce sombre, caustique et portée par des comédiens convaincants. « Le champ des écritures contemporaines est un paysage où doit subsister la puissance de la fable dans laquelle un spectateur peut se projeter au moyen d’une langue aussi fortement poétique que politique » Marie Mahé Avec une légère touche d'optimisme semée par Kelly, l'avenir semble peut-être offrir la possibilité d'un changement dans la pièce ADN, qui résonne avec l'actualité et nous interpelle de manière puissante. Cette œuvre sombre, caustique et désespérante est portée par de jeunes comédiens excitants, convaincants et bouleversants de sincérité, offrant une performance remarquable qui ne manquera pas de vous toucher. Avis de Foudart 🅵🅵 ADN Texte Dennis Kelly traduction Philippe Le Moine adaptation, mise en scène Marie Mahé avec Maxime Boutéraon, Isabelle Andrzejewski, Marie Mahé, Tigran Mekhitarian, Achille Reggiani Crédit ©Ema Martins Spectacle vu au Théâtre La Tempête THÉÂTRE PARIS VILETTE Du 23 nov au 3 déc 2023 • Durée 1h15

Du 11 au 13 janvier 2024, Paris sera le théâtre d'un événement culturel d'exception : la 12è édition du Festival Paris des Femmes, qui se tiendra au Théâtre de la Pépinière. Cette année, le festival se distingue par son thème envoûtant : la Nuit. Il promet de fasciner son public avec une série de rencontres, lectures, et performances axées sur ce thème captivant. L'édition 2024 s'annonce remarquable, notamment grâce à la participation de prestigieuses autrices telles qu'Aliyeh Ataei, Claire Chazal, Adeline Dieudonné (en collaboration avec Victoire Tuaillon), Joffrine Donnadieu, Eva Ionesco, Maria Larrea, Chloé Mons, Aurélie Saada, et Colombe Schneck. Chacune apportera sa vision unique de la nuit à travers des textes originaux, interprétés sur scène par des comédiens talentueux. Ces œuvres seront ensuite publiées aux éditions de l’avant-scène théâtre. Depuis 11 ans, le Festival Paris des Femmes s'engage à mettre en lumière le talent féminin dans le domaine théâtral. Malgré des progrès en matière de représentation des femmes dans la culture, leurs œuvres demeurent sous-représentées dans le spectacle vivant, avec seulement un tiers des œuvres programmées écrites par des femmes en 2022/2023. Le festival a su, au fil des années, questionner et combattre cette inégalité en offrant une plateforme pour des créations féminines novatrices. Des figures emblématiques telles que Jane Birkin, Isabelle Carré, Amélie Nothomb, et Delphine de Vigan ont enrichi ses précédentes éditions. Chaque année, le Festival Paris des Femmes propose neuf pièces courtes sur trois jours, autour d'un thème spécifique. Invitant des autrices de divers horizons (littérature, cinéma, musique), le festival leur demande de créer des textes courts, soit inédits soit adaptés pour la scène. Ces pièces sont présentées sous forme de lectures mises en scène, offrant une expérience théâtrale unique et intime. Le festival a jusqu'à présent réuni un catalogue impressionnant de plus de cent pièces courtes. Plusieurs d'entre elles ont été adaptées en versions longues, publiées, et jouées à Paris, en province et même à l'étranger. Certaines ont même inspiré des romans et un projet d’opéra est actuellement en préparation. Le Festival Paris des Femmes 2024 s'annonce comme un événement incontournable, célébrant le talent féminin et explorant la richesse du thème de la nuit à travers des voix uniques et puissantes. FESTIVAL PARIS DES FEMMES Théâtre de la Pépinière 12e édition • Du 11 au 13 janvier 2024. Thème : La Nuit

Le Montespan, connu comme le plus célèbre cocu de France, est au cœur d'une histoire captivante se déroulant dans la France du XVIIe siècle, sous le règne de Louis XIV. Ce récit débute avec la rencontre entre Louis-Henri de Pardaillan, Marquis de Montespan, et une jeune femme séduisante. Leur mariage par amour, un choix audacieux pour l'époque, ouvre la voie à une saga dramatique mêlant amour, trahison et résistance qui a déjà séduit plus de 70 000 spectateurs à Paris et à Avignon. aujourd'hui, ce spectacle délicieux s'installe au Théâtre Acteul - La Bruyère. La pièce théâtrale "Le Montespan", adaptée du roman de Jean Teulé, dépeint le Marquis comme un anti-héros romantique, un mari délaissé et moqué, qui se retrouve à lutter contre le Roi-Soleil lui-même. Dans un contexte où sa femme devient la favorite de Louis XIV, le Marquis s'engage dans une guerre acharnée pour reconquérir l'amour de sa vie. Cette histoire fascinante a été brillamment adaptée pour le théâtre par Salomé Villiers, avec une mise en scène par Etienne Launay. Ils ont opté pour une approche immersive, où les acteurs Salomé Villiers, Michaël Hirsch et Simon Larvaron jouent plusieurs rôles, chantent et dansent, transportant le public dans un univers théâtral plein de vie et d'imagination. La scénographie, simple mais ingénieuse, utilise des panneaux de bois peints, un lustre, un réverbère, et d'autres éléments pour créer un cadre poétique et malicieux. Le Montespan est ainsi présenté comme une pièce familiale, ludique et moderne, offrant une expérience théâtrale à la fois éducative et divertissante. C'est une invitation à laisser libre cours à l'imaginaire, à se laisser emporter par un conte historique et romanesque, où la magie de la narration et du spectacle opère avec brio. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 LE MONTESPAN Auteur Jean Teulé - Adaptation Salomé Villiers Mise en scène Etienne Launay Avec Salomé Villiers ou Marina Pangos ou Céline Espérin, Simon Larvaron ou Benjamin Tholozan, Étienne Launay ou Michaël Hirsch ou Benjamin Bollen Costumes Virginie H Décor Emmanuel Charles Lumières Denis Koransky Création sonore Xavier Ferri Photo Fabienne Rappeneau, Lot Théâtre Actuel La Bruyère À partir du 25 novembre 2023 • Du mercredi au samedi à 21h Les dimanches à 16h30 • Durée 1h30 • À partir de 12 ans MOLIÈRE 2022 DE LA RÉVÉLATION FEMININE SALOMÉ VILLIERS Un spectacle vu au théâtre de la Huchette

Le film Blue Summer, mis en lumière lors de la Quinzaine des cinéastes au dernier festival de Cannes, a captivé le public en dépeignant l'histoire de Xian, une adolescente chinoise de 15 ans, et son initiation à l'amour et à la liberté. Réalisé par l'habile Zihan Geng, ce premier long métrage se présente comme une chronique estivale à la fois délicate et sensuelle, célébrant les bienfaits de la transmission féminine et les fluctuations internes de l'attraction. Le récit se déroule pendant l'été de ses 15 ans, un moment charnière pour Xian. Sa mère part en mission en Afrique, laissant Xian avec son père, un photographe libre d'esprit. Le studio de photo de son père devient le théâtre de sa métamorphose. C'est là qu'elle fait la rencontre de Mingmei, la fille de l'assistante de son père, une jeune femme coréenne libre et séduisante qui la fascine. Cet été solitaire et mélancolique devient un temps de conflit intérieur pour Xian, tiraillée entre l'innocence de l'enfance et des désirs adolescents troublants. Bien que l'intrigue de Blue Summer puisse paraître familière, relatant l'éveil d'une adolescente timide séduite par une figure épanouie et rebelle, le film brille par sa représentation subtile et évocatrice. La photographie du film, empreinte de finesse et dominée par des nuances de bleu, confère une profondeur émotionnelle au portrait adolescent, donnant l'impression d'assister aux changements typiques de cet âge. Le film est aussi un récit sur l'évolution des mœurs, dépassant les barrières culturelles et reflétant les aspirations d'une jeunesse mondialisée. Xian et Mingmei, confrontées à des relations masculines complexes, découvrent ensemble l'amour et la liberté. Elles réalisent que la liberté est accessible malgré les contraintes culturelles et familiales. Ainsi, Blue Summer devient une ode à la confiance et à la découverte de soi, jonglant avec les défis de la liberté, le poids de la tradition et la mélancolie. Blue Summer, avec grâce, capture l'éveil d'une adolescente à l'amour et à la liberté, proposant une réflexion profonde sur ses luttes personnelles et culturelles. Ce premier film immanquable de Zihan Geng s'annonce comme un jalon important dans le paysage cinématographique contemporain. Avis de Foudart 🅵🅵 BLUE SUMMER Réalisation Zihan Geng Avec Meijun Zhou, Ziqi Huang, Jing Liang, Long Liang Sortie en salle, prochainement • Chine, 2023 • Durée 1h32 Projection en avant première dans le cadre de la sélection Libertés Chéries du Festival Chéries Chéris • Le jeudi 23 novembre 2023 à 20h00 au MK2 Beaubourg  et Le samedi 25 novembre 2023 à 12h40

Surnommée "La Diva aux pieds nus", Cesária Évora, une icône cap-verdienne de la morna, est célébrée dans un documentaire réalisé par Ana Sofia Fonseca. Née en 1941 dans un contexte de pauvreté, Évora a triomphé de l'alcoolisme et de la dépression pour devenir une star internationale à l'âge de 51 ans avec son titre "Sodade" en 1992. Le film, qui retrace sa vie depuis ses débuts à l'âge de 16 ans, est enrichi d'images d'archives et de témoignages inédits. Il met en avant son combat contre les inégalités ainsi que son engagement en faveur de la liberté et de l'authenticité. Restant fidèle à ses racines, Évora interprétait ses chansons en créole cap-verdien, même lors de ses tournées internationales. José da Silva, son mentor et producteur, dont le rôle a été crucial dans son succès, partage ses émotions lorsqu'il a découvert sa voix. Janete, la nièce d'Évora, parle de l'influence de Cesária sur l'émancipation des femmes. Ana Sofia Fonseca, avec 20 ans de carrière en journalisme, a dirigé ce projet, capturant l'essence d'Évora et son impact culturel et musical. Le film, accueilli chaleureusement au Cap-Vert, témoigne de l'admiration profonde pour Évora. Le documentaire de Fonseca transcende un simple hommage à la vie de Cesária Évora, explorant au-delà de son univers musical pour dévoiler une personnalité captivante, pleine de complexité et de passion. Il met en lumière ses défis personnels, son combat pour la liberté, son authenticité, et l'impact persistant de son héritage. Grâce à la richesse des témoignages et des archives personnelles, le film offre une perspective intime et puissante, établissant un lien profond entre les spectateurs et la 'Diva aux pieds nus'. Fonseca ne se contente pas de narrer l'histoire d'Évora ; elle immortalise son âme, sa résilience et son engagement. Ce faisant, elle rend hommage à une femme exceptionnelle dont l'influence dépasse largement le cadre de la musique, laissant une trace indélébile dans l'histoire culturelle et au-delà. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 CESÁRIA ÉVORA LA DIVA AUX PIEDS NUS Un film documentaire réalisé par Ana Sofia Fonseca Sortie en salles le 29 novembre 2023 • Portugal • Durée 1h35 • crédit photo © Simon Scheller SÉLECTIONS OFFICIELLES FESTIVALS 2023 Soeurs Jumelles à Rochefort • Cinespaña à Toulouse • Festival International du film de La Roche-sur-Yon • Effervescence à Macon • Prix du Public Festival 2 Cinéma de Valenciennes 2023 • Prix du Public Festival IndieLisb

"Édouard Louis, ou la Transformation" explore le parcours fascinant d'Édouard Louis, un écrivain français né en 1992 à Hallencourt. Réalisé par François Caillat, ce documentaire se distingue par sa capacité à capturer la métamorphose d'un garçon issu d'un milieu sous-prolétaire picard devenu une figure incontournable de la vie culturelle française. Le film dévoile les différentes phases de la vie d'Édouard Louis, marquées par des transformations personnelles et sociales. Dans les années 80, il quitte son milieu villageois sous-prolétarisé pour découvrir la vie bourgeoise, adoptant de nouveaux codes et se réinventant complètement. Ce processus de métamorphose se poursuit avec son déménagement à Paris, où il devient une personnalité médiatique importante de la scène culturelle française. François Caillat, cinéaste depuis environ vingt ans, s'est spécialisé dans des œuvres à mi-chemin entre le documentaire et l'essai, promouvant un style qu'il qualifie de « romanesque documentaire ». Dans son dernier film, il dresse un portrait nuancé et perspicace d'Édouard Louis, offrant une perspective sincère sur la vie de l'écrivain, retraçant son parcours intellectuel, son éducation en sociologie, et son engagement contre l'homophobie ainsi que pour l'égalité des droits. Le récit de la transformation d'Édouard Louis prend une dimension collective, incitant chacun à considérer la métamorphose permanente comme un nouveau mode d'existence. Le documentaire met en lumière l'importance de la parole, soulignant la justesse et la précision de la réflexion d'Édouard Louis sur sa propre vie et sur des thèmes universels. L'originalité du film réside dans son approche franche et fidèle à l'histoire personnelle et sociale d'Édouard Louis. François Caillat utilise habilement le récit autobiographique pour aborder des questions profondes sur l'identité, la classe sociale, et la résistance face à un passé oppressant. En explorant les lieux de l'enfance d'Édouard Louis, le documentaire offre une vision subtile de sa relation avec son passé, évitant la dénonciation sociale directe au profit d'une approche stylisée et réfléchie. Les images de paysages contrastent avec la voix off d'Édouard Louis, créant une atmosphère puissante et évocatrice. Bien que les réflexions très sociologiques et parfois philosophiques d’Édouard Louis manquent parfois un peu d’émotion, "Édouard Louis, ou la Transformation" ne se contente pas d'être un portrait, mais devient une réflexion générale sur la difficulté d'être différent, de sortir de sa condition sociale et culturelle. Le film propose une leçon de courage partagée, mettant en lumière la nécessité de la métamorphose pour se libérer des assignations sociales et des identités imposées. Au-delà de l'exploration intime d'Édouard Louis, ce documentaire incite le spectateur à réfléchir sur sa propre capacité à se réinventer. En dépit de quelques imperfections, le film, en présentant un Édouard Louis à la fois sensible et empreint d'une grande douceur, atteint son objectif : révéler l'homme derrière l'écrivain et inviter à une renaissance constante. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 ÉDOUARD LOUIS, OU LA TRANSFORMATION Un film documentaire de François Caillat Avec Édouard Louis distributeur Outplay Films Sortie en salles le 29 novembre 2023 • durée 1h12min Avant première au Festival Chéries Chéris Le dimanche 19 novembre 2023 à 17h20 au MK3 Beaubourg (en présence de l’équipe du film) • Le mardi 28 novembre 2023 à 18h30 au MK2 Quai de Seine

Le Discours, adapté du roman hilarant de Fabrice Caro, alias Fabcaro, plonge de manière théâtrale dans la vie tumultueuse d'Adrien, interprété par Simon Astier (le chevalier Yvain dans Kaamelott). Après une adaptation cinématographique, l'histoire d'Adrien prend une nouvelle dimension sur les planches, oscillant entre rires, réflexions et crise existentielle. Adrien à 40 ans. Chaque Noël, sa sœur Sophie perpétue une tradition étonnante en lui offrant une encyclopédie, une coutume de trente-deux ans. Cependant, cette année, de nouveaux défis se profilent à l'horizon. Lors d'un dîner familial avec sa sœur et son futur beau-frère, Ludo, Adrien se voit confier la redoutable mission d'écrire un discours "merveilleux" pour leur mariage imminent. Mais ce n'est pas tout, car une autre préoccupation le hante : sa fiancée, Sonia, avec qui il est en pause depuis trois semaines, ne répond pas à son dernier message « Coucou Sonia, j’espère que tu vas bien. Bisous ! » , envoyé trois heures plus tôt. Entre sa mission périlleuse, qu'il estime cruciale pour la cohésion familiale, et ses préoccupations personnelles, la pression atteint son paroxysme, mettant ainsi en jeu la santé mentale d'Adrien et alimentant ses angoisses existentielles. L’adaptation du roman hilarant de Fabcaro était irrésistible, incroyablement excitante même. La pièce, mise en scène avec brio par Catherine Schaub, capture l'essence du roman de Fabcaro, offrant un spectacle divertissant et réfléchi qui nous plonge dans l'univers tragi-comique d'Adrien, un personnage auquel nous pouvons tous nous identifier. Naviguant entre le repas familial, l'attente anxieuse des réponses de Sonia et la salle de mariage, Astier incarne avec maestria ce personnage désabusé, jonglant habilement entre humour et pathos. Au-delà de l'humour, cette pièce n'est pas simplement une succession de sketches, mais plutôt un seul en scène pas si drôle, mais tendre et émouvant. Elle explore la complexité des émotions humaines, incarnée par un Adrien attachant, désabusé et authentique. Naviguant entre moments comiques et introspections profondes, "Le Discours" va au-delà de la simple adaptation. Cette pièce offre une expérience théâtrale enrichissante, harmonisant habilement les éclats de rire et les moments de réflexion pour façonner une œuvre saisissante et mémorable. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 Le Discours D'après le discours de FabCaro © Éditions Gallimard Adapté et interprété par Simon AstierMise en scène Catherine Schaub Scénographie et Costumes Delphine Brouard • Lumières Thierry Morin • Conception Sonore Aldo Gilbert • Crédit Photo Emilie Brouchon THÉÂTRE DE LA RENAISSANCE Du 12 novembre au 18 décembre 2023 • Dimanche et lundi à 19h30 • Durée 1h15

Après un été éclatant de rires à la Michodière, "Le Vison Voyageur," comédie burlesque signée du génial Ray Cooney, s'illustre sur France 2, brillamment dirigée par Michel Fau. L'univers raffiné de Bodley and Crouch prend vie pour nous offrir un spectacle hilarant, mêlant rires, comique de répétition et quiproquos, autour des péripéties d'un manteau de vison. Les acteurs, portant avec espièglerie les dialogues adaptés par Dabadie, brillent sur scène. Armelle incarne à merveille Mademoiselle Tipdale, tandis que Sébastien Castro en Crouch offre un flegme puritain parfait. Michel Fau, impeccable de loufoquerie, ajoute une touche de jubilation à cette farce théâtrale. Steve Bodley est un très bon vendeur. Alors comment en est-il arrivé à céder un sublime manteau de vison au dixième de sa valeur ? Pourquoi se réjouit-il à ce point de payer lui-même la différence ? Comment expliquer à son associé, le puritain Crouch, qu’il a développé un lien privilégié avec la cliente ? Dans quelles circonstances Madame McMichael va-t-elle se retrouver nue sous ce manteau ?... Malgré l'excellence des performances et la dynamique de la mise en scène, la pièce aurait pu exploiter davantage son potentiel subversif. Cependant, pour les amateurs de comédies, de Boulevards, et de farces bien exécutées, cette pièce, malgré quelques petits bémols, réserve des moments de pur bonheur. Avec une intrigue offrant une satire incisive de la bourgeoisie anglaise des années 60, ce classique intemporel demeure incontestable. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 Le Vison Voyageur Mise en scène Michel Fau Assistant Quentin Amiot Adaptation Jean-Loup Dabadie Direction artistique Stéphanie Bataille Avec Michel Fau, Sébastien Castro, Armelle, Nicole Calfan, Anne-Sophie Germanaz, Alexis Driollet, Delphine Beaulieu, Arnaud Pfeiffer, Laure-Lucie Simon Crédit photo Matthew Totaro Captation réalisée par François Roussillon en juillet 2023 au Théâtre de la Michodière Diffusion le mardi 21/11 à 21h10 sur France2

La 29e édition du Festival Chéries-Chéris s'annonce comme un voyage cinématographique intense du 18 au 28 novembre à Paris, avec un programme impressionnant de 73 longs-métrages et 64 courts-métrages. Cette année, le festival met en lumière la diversité mondiale avec plus de 40 nationalités représentées, du Brésil à la Nouvelle-Zélande. Le festival, véritable carrefour de la création cinématographique LGBTQIA+, explore un large éventail de thématiques, des identités aux rapports sociaux en passant par la sexualité, tout en défiant les conventions et en célébrant l'audace artistique. Les cinéastes présentent des œuvres qui invitent à sortir des stigmatisations cis-hétéronormatives, soulignant l'intersectionnalité et la convergence des luttes. Le paysage cinématographique LGBTQIA+ a évolué depuis le New Queer Cinema des années 90, et la 29e édition reflète cette progression, mettant en avant des films tels que "Orlando" de Paul B. Preciado, "Framing Agnes" et "Anhell 69". Ces œuvres repoussent les limites des genres cinématographiques, illustrant le dynamisme du cinéma queer contemporain. La compétition longs-métrages offre une sélection diversifiée, allant du thriller psychologique au documentaire néo-noir hybride. Des films tels que "20.000 espèces d’abeilles", "Blue Summer", et "Sans cœur" promettent de captiver le public et de concourir pour les prix prestigieux décernés par le jury. Les documentaires en compétition, tels que "Anhell69" et "Framing Agnes", explorent des sujets variés, de la mémoire trans à la transformation d'Édouard Louis, offrant une perspective captivante sur la diversité des expériences LGBTQIA+. Les séances événements, dont "Conann" de Bertrand Mandico, promettent des moments cinématographiques uniques et inoubliables, soulignant la volonté du festival de repousser les frontières cinématographiques. Chéries-Chéris 2023 est bien plus qu'un festival de films. C'est un rendez-vous annuel qui célèbre la diversité, l'audace artistique et la créativité dans le monde du cinéma LGBTQIA+. Ne manquez pas cette immersion cinématographique unique dans les cinémas MK2 Beaubourg, Quai de Seine et Bibliothèque, du 18 au 28 novembre 2023. Un rendez-vous incontournable pour tous les amoureux du cinéma et de la diversité. Festival Chéries-Chéris 29e édition Compétition Fictions • Séances Evénements • Panorama Documentaires • Compétition Courts Métrages • Seances Spéciales • Prix Libertés Chéries • Hors Les Murs Film d’ouverture Sans jamais nous connaître de Andrew Haigh le mardi 21 novembre au MK2 Bibliothèque Film de clôture Le temps d’aimer de Katell Quillévéré, le mardi 28 novembre à 20h au MK2 Bibliothèque Découvrez les membres des jurys pour chacune des catégories du 29ème festival Chéries-Chéris Le programme du festival

"La Nuit du Geste" vient d’embraser le Théâtre Victor Hugo de Bagneux de sa magie jusqu’à l’aube. Cette célébration unique a fusionné des performances spécialement conçues, mêlant l'art du geste à des témoignages émouvants d'artistes. Jusqu'au 16 décembre 2023, la biennale mettra en lumière les Arts du Mime et du Geste, transformant le Théâtre Gestuel en une toile vibrante où le mime et d'autres expressions artistiques reposant sur une dramaturgie corporelle captiveront un public avide d'expériences dynamiques et vivantes. Cette édition propose une immersion totale avec 22 spectacles, 58 représentations, 2 soirées inédites… Le corps des interprètes prend la parole, construisant un théâtre d’action par le mouvement plutôt que le texte. Une autre soirée marquante est prévue le 25 novembre à la MPAA St-Germain, rendant hommage à l'école Marceau à l'occasion des 100 ans de la naissance du maître Marcel Marceau. Cette soirée spéciale présentera des formes courtes, des témoignages et le lancement du cahier pédagogique "Les 100 bougies du mime MARCEL MARCEAU". L'événement s'étend également à travers la France dans 29 villes et 10 régions, témoignant de la richesse des partenariats entre les compagnies du Collectif et diverses structures culturelles. La Biennale offre ainsi une plongée profonde dans la diversité des Arts du Mime et du Geste, transcendant les frontières pour partager des moments forts, intimes, poétiques, engagés, oniriques et charnels. C'est une célébration de la créativité corporelle qui résonne dans toute la France grâce à la passion des artistes et au soutien des partenaires culturels. 5ème Biennale des Arts du Mime et du Geste Du 11 Novembre au 16 Décembre 2023 • 22 spectacles, 58 représentations, 2 soirées inédites, 4 événements, 1 porte ouverte d'un lieu de formation, 12 stages pratiques répartis sur 29 villes et 10 régions en France. Tout le programme

Du 9 au 24 novembre, Simon Gauchet nous invite à une aventure théâtrale exceptionnelle avec "La Grande Marée" au Théâtre de la Bastille. Cette expédition scénique explore notre fascination pour la fin du monde, en explorant les méandres de l'inconscient et revisitant le mythe de l'Atlantide. Guidée par une passion pour l'aventure, l'équipe a enquêté, plongé au large de l'île de Santorin, exploré la rade de Lorient, arpenté les grottes marines du Cap Fréhel, et voyagé à travers le temps et les rêves. De cette quête émerge un périple intérieur, explorant les replis de notre inconscient et dénouant le fil de nos vérités catastrophiques. Le spectacle, avec son décor constitué de toiles peintes collectées dans plusieurs théâtres et opéras européens, évoque une rencontre entre philosophes allemands près du mur de Berlin, une grotte primitive aux premiers dessins de l'humanité, et des souvenirs mêlés à la fiction. Les acteurs, porteurs de cette aventure, hissent les voiles scéniques, révélant des montagnes, des gouffres, et des puits, nous entraînant dans des rêveries parfois drôles, parfois cocasses, mais toujours émouvantes, au cœur de paysages grandioses. Ainsi, "La Grande Marée" explore les racines de notre fascination pour la fin du monde, faisant de l'Atlantide l'écho des bouleversements climatiques actuels. En se transformant en un périple intérieur, le spectacle devient une plongée dans l'inconscient, dévoilant des paysages oniriques à travers des récits d'exploration. « Ce n'est pas simplement un spectacle, mais un processus » "La Grande Marée" représente un voyage métaphysique au cœur de l'intime et de l'inconscient collectif. En révélant ce qui est enfoui en nous et hors de nous, ce théâtre profond et émouvant interroge l'importance de solliciter régulièrement notre imagination pour continuer à rêver, nous incitant à poursuivre le voyage dans nos propres rêves. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 La Grande Marée Conception et mise en scène Simon Gauchet Dramaturgie et écriture collective à partir du texte de Martin Mongin Collaboration artistique Eric Didry Interprétation Cléa Laizé, Rémi Fortin, Gaël Baron, Yann Boudaud Musique Joaquim Pavy • Scénographie Olivier Brichet et Simon Gauchet • Son Manuel Coursin • Lumière Claire Gondrexon • Photographies ©Louise Quignon Théâtre de la Bastille – Paris Du 9 au 24 novembre 2023 • Du lundi au vendredi à 20h00 • Samedi à 18h00 • Relâche les dimanches • Durée estimée du spectacle 2h00 Tournée saison 2023/2024 Du 28 novembre au 1er décembre 2023 TU – Nantes, en co-réalisation avec le Grand T Du 13 au 14 décembre 2023 La Passerelle – Scène nationale de St Brieuc 16 mai 2024 Saison culturelle du Mont St Michel 18 mai 2024 Le Tangram – scène nationale d’Evreux-Louviers