La Modern Art Fair s'est récemment conclue, laissant dans son sillage un mélange d'émerveillement et de perspectives inspirantes pour les passionnés d'art et les investisseurs avisés. En tant qu'épicentre de la créativité contemporaine, cette foire est devenue un symbole de découverte et d'échanges, où l'art vibre au rythme des rencontres et des opportunités. L'Éclat des Talents Émergents et Établis L'espace grouillant de la Modern Art Fair était un kaléidoscope d'expressions artistiques. Les allées de la foire vibraient au diapason des couleurs et des formes, créant un dialogue visuel qui invitait à la réflexion. Des artistes émergents aux noms qui trônent déjà au panthéon de l'art moderne, la diversité était le maître-mot, promettant des découvertes à chaque tournant. Les œuvres exposées, véritables prouesses de la pensée et de l'exécution, témoignaient de la vitalité et de l'audace de l'art actuel. À chaque pas, les sens étaient sollicités par un éventail d'expressions créatives, des toiles aux grands formats qui capturaient l'essence de l'abstraction à des sculptures conceptuelles qui défiaient la gravité. Des photographies hyper-réalistes se juxtaposaient à des installations vidéo immersives, invitant les visiteurs dans un dialogue interactif avec l'art. Les artistes eux-mêmes, présents à la foire, partageaient leurs visions et leurs techniques, éduquant le public sur les subtiles nuances de leur travail. C'était une opportunité rare de plonger dans les coulisses créatives, d'apprécier la main et l'esprit à l'œuvre derrière chaque pièce présentée. Cet environnement pulsait non seulement de la présence palpable des œuvres elles-mêmes mais aussi de l'effervescence des discussions et des négociations qui s'y déroulaient. Les galeristes, habiles médiateurs entre l'art et son public, offraient des récits captivants sur les origines et les inspirations des créations, tandis que les collectionneurs, des visages empreints de concentration et d'admiration, évaluaient la portée et l'impact des œuvres devant eux. Cette mosaïque de passion et de professionnalisme enrichissait l'expérience de la foire, offrant une immersion complète dans le monde dynamique de l'art moderne. La Symphonie des Médiums Peintures qui défient l'imaginaire, sculptures qui dialoguent avec l'espace, installations interactives qui nous confrontent à la modernité; la Modern Art Fair est un lieu de convergence des médiums. Cette année, l'accent a été mis sur l'art multimédia, un signe de l'époque qui souligne l'importance de l'interactivité et de la technologie dans l'expression artistique contemporaine. Les artistes ont utilisé des écrans, des sons et des lumières pour créer des œuvres qui échappent aux frontières traditionnelles de l'art, invitant les spectateurs à devenir des participants actifs plutôt que de simples observateurs. Ces expériences immersives ont aboli les limites entre l'art et le public, entre le réel et le virtuel, et ont ouvert un dialogue sur la manière dont la technologie peut élargir la portée et l'impact de l'art dans notre société de plus en plus numérique. Des Rencontres Inspirantes La foire n'est pas seulement un espace d'exposition, c'est un creuset où les idées se rencontrent. Des acteurs de divers horizons, y compris des sociétés spécialisées dans l'investissement en art comme parten.art, se sont mêlés discrètement à la foule, offrant des perspectives enrichissantes. La présence de ces experts a souligné l'importance de l'art comme vecteur d'investissement et a ouvert la voie à des échanges fructueux. En effet, au-delà de l'esthétique, ils apportaient un éclairage sur la dimension économique de l'art, partageant des insights sur les tendances du marché, les opportunités d'acquisition, et les stratégies de valorisation à long terme. Ces interactions offraient une dimension supplémentaire à la foire, démontrant que l'art, dans sa diversité, est aussi un terrain fertile pour des investissements judicieux et passionnés. C'est dans cet esprit que la synergie entre la création artistique et le monde financier a été célébrée, promettant de nouvelles possibilités pour l'avenir de l'art et de l'économie culturelle. Le Forum des Idées Au-delà de l'esthétique, la Modern Art Fair est un haut lieu de la pensée. Les conférences et les ateliers étaient des moments clés, permettant d'explorer les tendances actuelles et futures de l'art, de débattre sur la valeur de l'art dans la société moderne, et de décortiquer les dynamiques du marché de l'art. Ces discussions ont offert une richesse d'informations et de perspectives pour tous, des novices aux connaisseurs chevronnés. Elles ont permis de tisser des liens entre l'art et les grands enjeux sociétaux, tels que la durabilité, la diversité et l'inclusion. Les débats animés par des penseurs, des historiens de l'art et des critiques, ont mis en lumière comment l'art peut influencer et être influencé par les courants sociaux et politiques actuels. Ces échanges vivants ont également mis en exergue l'art comme un outil éducatif puissant, capable de transcender les frontières et de nourrir l'esprit critique. L'Art en Mouvement La foire est le théâtre d'interactions dynamiques. Les visiteurs ont eu la chance d'échanger directement avec les créateurs, posant les bases pour de futures collaborations et commandes. C'est cette énergie renouvelable, née de la rencontre entre créateurs et admirateurs, qui témoigne de la vitalité et de l'évolution constante de l'art. Ces dialogues ouverts ont permis de révéler les processus créatifs, les sources d'inspiration et les récits personnels des artistes, enrichissant l'expérience de chaque œuvre. Ces moments de partage ont également favorisé l'émergence de projets collectifs, stimulant l'innovation et encourageant les initiatives transdisciplinaires. En effet, la foire a fonctionné comme un incubateur de projets artistiques, renforçant le lien communautaire et la collaboration entre différentes disciplines et cultures. La Modern Art Fair se termine, mais les échos de son influence résonnent bien au-delà de ses jours d'exposition. Elle s'inscrit comme une expérience inoubliable pour tous ceux qui y participent, laissant une marque indélébile tant dans les esprits que dans les cœurs. En anticipant déjà la prochaine édition, nous sommes invités à réfléchir sur les liens que nous tissons avec l'art et les perspectives enrichissantes qu'il nous offre, tant sur le plan émotionnel que financier. Pour ceux qui ont manqué l'occasion cette année, la Modern Art Fair est un événement à ne pas manquer l'année prochaine, promettant encore plus de découvertes, de rencontres et d'inspirations.

L'œuvre moins connue d'Anton Tchekhov, ses farces et nouvelles, constitue un terreau fertile sur lequel le metteur en scène Pierre Pradinas a fait éclore un spectacle théâtral singulier. Avec une mise en scène aussi riche qu'innovante, empreinte d'humanité et de tendresse, il nous offre un voyage temporel au cœur de la Russie du XIXe siècle. Pour concevoir son spectacle, Pradinas a tissé ensemble avec finesse plusieurs courtes pièces, notamment "Les Méfaits du tabac", "Une demande en mariage", "L’Ours", "Un drame", et "La mort d’un fonctionnaire". Les scènes, drôles et imprévisibles, varient entre une demande en mariage qui tourne mal, des conflits nés d'une dette non remboursée et les accès de colère mortels d'un écrivain éminent contre une romancière amateur, sans oublier le sentiment de culpabilité accablant d'un fonctionnaire qui a éternué par inadvertance sur un général. Cela illustre éclatamment le talent de Tchekhov pour un humour à la fois acéré et subtil. Pradinas examine ces personnages à la fois ridicules et attachants, les dépeignant avec une "tendresse infinie", et c'est cette profusion d'humanité qui forme le cœur du spectacle. Ainsi, à travers une série de péripéties tirées de la vie quotidienne et magnifiées sur scène, il capture une humanité riche et éternelle. Pradinas ne s'est pas cantonné aux scènes conventionnelles. Il a transporté ces histoires au-delà des murs des théâtres, investissant des lieux inattendus pour rendre le théâtre plus accessible et créer une proximité avec le public. Aujourd'hui, c'est au Théâtre du Lucernaire que ce spectacle remarquable s'est établi. Neuf comédiens en alternance donnent vie à ces récits avec un dynamisme captivant. L'incomparable Quentin Baillot, aux côtés de talents comme Louis Benmokhtar et Maud Le Guendet, apporte une fraîcheur nouvelle à chaque représentation. Ils ne se contentent pas de jouer : ils deviennent conteurs et narrateurs, faisant résonner les histoires du passé dans notre présent. « Nous avons choisi trois pièces et deux nouvelles au format court. Elles s'adressent à un large public et possèdent l'exigence et la profondeur des grandes œuvres de Tchekhov. La farce n'est pas ici ce que l'on pourrait croire : elle provoque certes le rire, parfois cruel, mais in fine, elle dépeint les gens avec une infinie tendresse. » Dans son essence, "Farces et Nouvelles de Tchekhov" par Pradinas est une ode intemporelle à la complexité de l'âme humaine, alliant le rire à la réflexion avec maestria. Plus qu'un divertissement, c'est une méditation sur l'éternelle humanité qui réside en chacun de nous, une humanité qui, malgré les changements constants de notre monde, reste inchangée dans ses fondements émotionnels. Chaque scène, chaque réplique, chaque geste des acteurs devient un miroir dans lequel le spectateur peut contempler les joies et les peines universelles de l'expérience humaine. Avec ce spectacle fantastique, on ne peut que saluer la perspicacité de Pradinas et de Tchekhov, qui, ensemble, nous livrent une œuvre où l'éclat de rire et la mélancolie sont les deux faces d'une même vérité intemporelle : notre indéniable humanité. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 FARCES ET NOUVELLES DE TCHEKHOV Mise en scène Pierre Pradinas Traduction Une Demande En Mariage, L’Ours, Les Méfaits Du Tabac André Markowicz et Françoise Morvan Un Drame, La Mort D’Un Fonctionnaire Elsa Triolet Avec Philippe Rebbot, Quentin Baillot, Maloue Fourdrinier, Aurélien Chaussade, Laure Descamps, Romain Bertrand, Prune Ventura, Maud Gentien, Louis Benmokhtar Crédit photo ©Paul Soubiron THÉÂTRE le Lucernaire Du 8 novembre 2023 au 7 janvier 2024 • Du mardi au samedi 19H • Dimanche 16H • Le 31 décembre 2023 à 19h • Durée 1h15

Dans la fusion des cultures où le théâtre devient un langage universel, "L’Expérience de l’arbre" se dresse comme un pont entre le passé et le présent, entre l'Orient et l'Occident. Le metteur en scène français Simon Gauchet, dans une conversation captivante avec l'acteur de théâtre Nô Tatsushige Udaka, crée une œuvre qui révèle non seulement l'essence du théâtre traditionnel japonais mais qui tend aussi un miroir à notre propre perception de l'art et de la vie. La scène s'ouvre sur un pin majestueux, symbole de la liaison cosmique entre l'humanité et le divin, écho d'un enseignement transmis par Udaka dans un Kyoto battu par les vents d'un typhon. Cet arbre, bien plus qu'un simple décor, est le témoin silencieux d'une dialogue entre deux cultures, deux philosophies de vie et deux interprétations théâtrales qui se confrontent et s'entrelacent autour de son tronc séculaire. La narration se dévoile à travers une série de souvenirs et de mythes, un échange où Gauchet et Udaka s'affrontent et se complètent, leurs mots s'envolant comme des feuilles portées par le vent, illustrant leurs voyages intérieurs et leurs quêtes artistiques. Leur interaction, à la fois enflammée et empreinte d'humour, transforme la scène en un espace d'apprentissage, dévoilant les nuances du théâtre Nô avec une clarté qui transcende les barrières linguistiques et culturelles. "L’Expérience de l’arbre" est ainsi plus qu'un spectacle; c'est une célébration de l'art théâtral dans sa capacité à révéler l'invisible, à dialoguer avec l'éternel. La prestation de Gauchet est un hommage vibrant au théâtre Nô, et à travers lui, à tous les arts scéniques qui ont la capacité d'élever l'âme et d'éclairer les mystères de l'existence. La mise en scène est une œuvre d'art en elle-même, avec un arbre déraciné qui domine l'espace, symbolisant les racines communes de l'humanité et la recherche partagée de la beauté et de la vérité. C'est une expérience théâtrale qui respire la délicatesse, une œuvre poétique où l'esthétique se marie à la philosophie, capturant l'essence même de ce dialogue transculturel. "L’Expérience de l’arbre" est une invitation à contempler notre propre existence à travers le prisme de l'art théâtral, à reconnaître l'arbre en nous-mêmes – un lien vivant entre nos racines les plus profondes et les plus hautes aspirations de notre être Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 L’EXPÉRIENCE DE L’ARBRE Présenté au Festival Impatience au CENTQUATRE-PARIS Conception, mise en scène et scénographie Simon Gauchet avec Simon Gauchet, Hiroaki Ogasawara, Joaquim Pavy collaboration artistique Éric Didry, Benjamin Lazar, Arnaud Louski-Pane musique Joaquim Pavy Crédit photo Louise Quignon, Lucie Benquet THÉÂTRE PARIS-VILLETTE 16 → 19 nov 2023

"La parole est libérée, écoutons-la" La musique a cette puissance unique d'unifier, de raconter des histoires et de lutter contre les injustices. C'est précisément ce qui anime les Funambules, un collectif d'artistes talentueux déterminé à combattre les discriminations par le biais de leurs mélodies et paroles. Stéphane Corbin, initiateur du projet, décrit cette démarche comme un "militantisme artistique pacifique", aspirant à construire un monde pluriel et respectueux. Leur credo : donner la parole sans jugement et rendre compte de la réalité à travers ce vecteur universel qu'est la musique. Il y a dix ans, la première initiative des Funambules était dédiée à la lutte contre l'homophobie. Un succès phénoménal qui a donné naissance à un double album de 45 chansons, un spectacle joué internationalement, et surtout, un soutien financier majeur aux associations SOS Homophobie et Le Refuge. Aujourd'hui, leur nouvelle ambition est tout aussi noble : faire résonner la voix des femmes. Sous le titre "ELLES", le nouvel album, sorti en 2022, est actuellement mis à l'honneur au théâtre Essaïon. Avec une mise en scène audacieuse et acoustique, il met en lumière trois chanteuses douées, deux musiciennes multi-instrumentistes, et le pianiste Stéphane Corbin. La particularité des Funambules se trouve dans leur ton singulier, balançant entre humour et profonde émotion. Chaque morceau est un témoignage, une question, une incitation à la réflexion, le tout sublimé par la musique, la danse et le théâtre. Tandis que beaucoup d'artistes produisent de la musique pour le simple plaisir auditif, les Funambules voient plus loin : ils font de la musique portée par une cause, une mission, et ça résonne ! Dans un monde où inégalités et discriminations persistent, leur voix s'élève par des mélodies captivantes et des paroles touchantes, remplissant la salle d'émotion. Les retours du public reflètent l'impact indéniable du collectif. Des commentaires comme « très émouvant », « des soirées inoubliables », ou « une initiative inspirante et réconfortante » démontrent combien la musique des Funambules touche profondément. Mais plus que l'émotion, c'est le talent des artistes, leur justesse et leur harmonie qui marquent les esprits. À mesure que le monde évolue, il est réconfortant de savoir que des artistes comme les Funambules se tiennent en première ligne, prêts à traiter des sujets sensibles, et à nous rappeler notre rôle dans la construction d'un monde plus équitable et inclusif. « L'art n'est pas un miroir pour refléter le monde, mais un marteau pour le modeler. » Pour les Funambules, ce marteau sculpte un monde et chaque voix a son importance. Chaque note véhicule un message et nous invite tous à être acteurs du changement au quotidien. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 Les funambules : Elles Mise en scène Stéphane Corbin assisté de Valentin Lacouture Avec Marion Préïté, Nouritza Emmanuelian, Iona Cartier ou Camille Nicolas Marie-Anne Favreau, Alix Löffler, Stéphane Corbin Création son Théo Durollet • Création lumière James Groguelin THÉÂTRE ESSAÏON 12 octobre > 11 novembre 2023 • Les jeudis, vendredis et samedis à 21h

Lorsqu'on évoque le théâtre français, peu de figures suscitent autant de passion et de curiosité que Pauline Carton. Femme de paradoxes née en 1884, sa gouaille et son abattage ont ébloui le public de son époque. Pourtant, son nom demeure méconnu du grand public d'aujourd'hui. Charles Tordjman, avec le concours de la lumineuse comédienne Christine Murillo, s'attelle à ressusciter cette grande dame de la scène dans une pièce fantaisiste ponctuée de bons mots. Pauline Carton, fille de bourgeois qui « adorait jouer les bonnes, mais détestait faire le ménage », a bravé les normes sociales de son temps. Actrice polyvalente, elle s'est illustrée aussi bien au théâtre qu'au cinéma, du music-hall à la télévision, tout en restant fidèle à son identité anticonformiste. Christine Murillo, comédienne lauréate de quatre Molières et sociétaire de la Comédie-Française, offre une interprétation magistrale et éclatante du personnage de Carton, mêlant humour et émotion. Elle chante, lit et récite les textes de Pauline Carton. Entre deux répliques, imitant à la perfection Jean Marais, Bouvil ou Popesco, elle fait retentir sa clochette et entonne une mélodie. Elle incarne cette personnalité attachante, partageant, depuis sa loge, ses paradoxes, ses anecdotes d'une époque passée et ses réflexions sur l'art d’être acteur, s'inspirant de ses échanges avec Sacha Guitry et son unique amant, un poète genevois. Sous la direction habile de Charles Tordjman, qui la met en scène avec brio, elle donne vie aux textes de Carton avec une aisance et une gourmandise telles qu'elle semble se fondre dans le personnage. Le spectacle « Pauline & Carton » est bien plus qu'une simple pièce de théâtre. Il propose une exploration profonde de la vie d'une actrice française emblématique. La collaboration entre Tordjman et Murillo, Au-delà des rires et des anecdotes, nous invite à plonger dans l'âme de Pauline Carton, à redécouvrir sa magie tout en célébrant le théâtre français dans ce qu'il a de meilleur. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 PAULINE & CARTON D’après les écrits de Pauline Carton - éditions Perrin Adaptation Virginie Berling, Christine Murillo, Charles Tordjman Mise en scène Charles Tordjman Avec Christine Murillo Lumières Christian Pinaud Crédit photo © www.thomasobrien.£r LA PICCOLA SCALA Du 7 octobre au 17 décembre 2023 • Les samedis et dimanches à 15h30 ou 19h30 • Durée 1h

L'histoire de Magda Goebbels, première dame du IIIe Reich, est à la fois sombre et complexe. Elle est aussi bien connue pour sa proximité avec Hitler que pour sa décision tragique de mettre fin à la vie de ses six enfants. La pièce de Christian Siméon, "Bunker - Lettres de Magda Goebbels", nous plonge dans cette histoire via une correspondance fictive, rythmée par un décompte implacable menant jusqu'au 1er mai 1945, dans le bunker du Führer. Une correspondance imaginée pour narrer le destin effroyable d’une femme réelle Mêlant lettres fictives, extraits de journaux intimes et témoignages, la pièce retrace l'effroyable parcours de Magda, d'une jeune femme libre entretenant une relation avec un juif sioniste à une fervente partisane du national-socialisme, et enfin à une mère ayant tué ses six enfants, évoquant une Médée moderne. Christian Siméon parvient brillamment à humaniser ce personnage historique souvent vu comme un monstre. Il soutient l'idée qu'en tant qu'auteur, il n'est pas tenu à la rigueur historique. Comme le soulignait Alexandre Dumas : "Peu importe si on trompe l'histoire pourvu qu'on lui fasse de beaux enfants...". Grâce à cette audacieuse liberté artistique, Siméon livre une représentation saisissante de Magda Goebbels, pleine de chair et d'émotions. Julie Depardieu offre une interprétation glaciale et magistrale de cette figure historique, dévoilant une femme prête à tout pour servir Hitler et son régime, même au prix d'actes inimaginables. La mise en scène de Johanna Boyé, épurée et axée sur l'exceptionnelle performance de Julie Depardieu, amplifie l'impact émotionnel de la pièce. Les touches scénographiques, grâce à l'éclairage et quelques accessoires, ainsi que la bande sonore signée Mehdi Bourayou, ajoutent une dimension onirique, nous immergeant dans les abysses de l'âme de Magda. Le choix du format épistolaire, bien qu'inhabituel, est efficace et sidérant de précision. Le spectacle, au rythme soutenu, culmine lorsque Julie Depardieu domine la scène avec un monologue aussi terrifiant que touchant. "Bunker - Lettres de Magda Goebbels" est bien plus qu'une représentation théâtrale : c'est une expérience troublante qui expose les engrenages obscurs de l'idéologie nazie, interrogeant profondément la nature humaine et les décisions qui peuvent nous conduire à renoncer à notre humanité. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 BUNKER - Lettres de Magda Goebbels Auteur Christian Siméon Avec Julie Depardieu et Stefan Druet Toukaïeff Mise en lecture Johanna Boyé Scénographe Caroline Mexme • Lumières Cyril Manetta • Costumes Marion Rebmann • Musique Mehdi Bourayou • Crédit photo ©Fabienne Rappeneau THÉÂTRE TRISTAN BERNARD Actuellement • Les jeudis à 19h00 et les vendredis à 21h00 • Relâche le 10 novembre 2023 • Durée 1h10 Création du Festival de la Correspondance de Grignan

Le monde du showbiz est réputé pour ses paillettes, ses drames et ses excès. Mais parfois, au cœur de ce tumulte, émergent des perles littéraires uniques. Depuis 15 ans, le "Cabaret Bio Dégradable" séduit le Québec avec ses soirées débordantes d'humour. Et aujourd'hui, c'est à Paris de découvrir ce spectacle littéraire humoristique qui flirte avec l'intimité des célébrités. À l'initiative de ce concept, Didier Morissonneau et Katherine Riva Guerra se sont inspirés des soirées "Celebrity Autobiography: In Their Own Words", un succès aux États-Unis depuis les années 1990. Le concept est à la fois simple et hilarant : des comédiens lisent des extraits d'autobiographies de stars, sans aucune modification. Le résultat ? Des passages tantôt absurdes, souvent narcissiques, et parfois tout simplement sidérants. Parmi les moments mémorables, citons Nadine de Rothschild qui déclare avec sérieux : « Si Dieu avait voulu que j’épouse un pauvre, il me l’aurait fait savoir. » ou encore Massimo Gargia, rêvant de voir Leonardo Di Caprio l'interpréter au cinéma. Des comédiens de talent, tels que Jean-Louis Barcelona, Christophe Canard, Virginie Pradal et bien d'autres, donnent corps et âme à ces extraits, valorisant à la fois l'authenticité et la drôlerie des écrits. L'engouement pour ce cabaret provient de ce mélange savoureux d'émotions, de surprises et d'humour. Pour certains, c'est la découverte de récits inédits de stars qui les fascine. Pour d'autres, c'est l'occasion de sourire devant ces figures célèbres, qui, entre nombrilisme et spontanéité, se dévoilent souvent de manière surprenante par leurs anecdotes. Des extraits d'autobiographies de personnalités telles que Sheila, Nabilla ou Claude François y sont révélés, pour le plus grand plaisir du public. Il est important de souligner tant la diversité que l'inégalité de ces moments. Qu'il s'agisse de biographies de vedettes jadis sous les feux de la rampe, mais aujourd'hui quelque peu oubliées, comme Alain Barrière, ou de l'évocation d'une autobiographie singulière et touchante, comme celle d'Hélène Grimaud. Si l'envie vous prend de découvrir l'intimité de vos personnalités favorites, d'apprendre des faits surprenants les concernant et surtout, de vous amuser, le Cabaret Bio Dégradable est la destination de choix. Car, comme l'indique si bien le titre : les écrits restent, mais les éclats de rire demeurent. Avis de Foudart 🅵🅵 CABARET BIO DEGRADABLE Un concept imaginé et présenté par Didier Morissonneau Avec Nicolas Martinez, Christophe Canard, Guillaume Clérice, Benjamin Gauthier, Jean-Louis Barcelona, Virginie Pradal, Valérie Vogt, Sebastian Galeota, Djibril Pavadé THEATRE TRISTAN BERNARD Actuellement • Le jeudi à 21h

Du 21 novembre au 8 décembre 2023, l'Ile-de-France accueille la 36e édition du Festival Danse Dense, une vitrine pour les formes émergentes contemporaines européennes. Avec un total de 23 représentations réparties dans 9 lieux partenaires, le festival continue de valoriser la nouvelle génération d'artistes chorégraphiques. Depuis plus de trois décennies, Danse Dense a joué un rôle crucial en identifiant, soutenant et rendant visibles les artistes chorégraphiques émergents. Le dispositif unique de la plateforme allie expertises croisées, rencontres professionnelles et événements publics pour une véritable immersion dans l'univers de la danse contemporaine en France. Olivier Stora, succédant à Émilie Peluchon à la tête de l'équipe, a décidé d'élargir les horizons du festival à la jeune création européenne. Cette édition voit également la consolidation des partenariats, avec notamment l'inclusion de la Ménagerie de Verre pour les soirées d'ouverture du 21 au 23 novembre. Les trois piliers de Danse Dense se manifestent pleinement : promouvoir la rencontre avec les artistes soutenus, intégrer d'autres porteurs de projets - notamment avec un focus sur la Scène Suisse, SWISS MOUV', et encourager les formes chorégraphiques innovantes. Les soirées d'ouverture à la Ménagerie de Verre mettront en lumière le Collectif Bleu Printemps avec des performances marquantes telles que "Self Unamed Boléro" - un duo entre un performeur et une statue translucide, ainsi que "For You / Not for you" - un solo dans un dispositif bi-frontal où la danse devient parole. D'autres artistes phares de cette édition incluent Max Fossati avec "Inaccessible vallée", explorant la filiation et la mémoire, ou Chloé Zamboni avec "Magdalena", une invitation à la sensibilité musicale. Sans oublier Alexandre Goyer, qui à travers son œuvre, partage une réflexion quasi sociologique sur l'expérience des auditions dans le monde de la danse. Le festival propose également des soirées performatives, comme celle du 1er décembre à La Maison Pop, Montreuil, avec le collectif transdisciplinaire La Feat, et celle du 8 décembre au Théâtre Berthelot - Jean Guerrin pour la soirée de clôture. Pour les professionnels, des plateformes de rencontres sont prévues, offrant des aperçus de pièces en création. Ces événements auront lieu au Point Ephémère le 30 novembre, et à l'Atelier de Paris / CDCN le 5 décembre, mettant à l'honneur des artistes des Pays de l'Est. L'édition de cette année s'annonce riche et diversifiée, reflétant l'essence même du dynamisme et de l'innovation dans le monde de la danse contemporaine. Ne manquez pas cette occasion de découvrir et de célébrer les talents émergents d'Europe et d'ailleurs. Danse Dense #lefestival Le Festival des formes émergentes contemporaines européennes 36e édition du 21 novembre > 8 décembre 2023 23 représentations • 9 lieux partenaires d'Île-de-France • 6 pièces en cours de création

"Qu'est-ce que la pénétration ?" Dans cette adaptation théâtrale de l'essai féministe "Au-delà de la pénétration", le comédien Yves Heck, inspiré par sa découverte de l'œuvre de Martin Page, explore le paysage complexe de la sexualité contemporaine. Yves Heck, en collaboration avec Isabelle Deffin et Thierry Illouz, transforme le texte en un monologue émouvant qui offre un regard aiguisé, mais non tranchant, pertinent tout en restant bienveillant sur nos relations amoureuses, et plus précisément sur nos manières de faire l'amour, de pénétrer. La pénétration est perçue non seulement comme un acte physique, mais également comme un symbole de la culture patriarcale. La pièce nous interpelle en se demandant : pourquoi cet acte est-il devenu la norme des relations hétérosexuelles ? Martin Page, avec sa plume incisive, expose le rapport biaisé de la société vis-à-vis de la pénétration, arguant que ce n'est pas toujours une source de plaisir pour toutes les femmes, mais plutôt une norme sociétale. Dans cette pièce, Yves Heck incarne Page et rappelle avec éloquence que la sexualité devrait aller au-delà des normes restrictives pour embrasser tendresse, dialogue et complicité. Des voix féminines viennent ponctuer le monologue, apportant des témoignages poignants qui illustrent que derrière chaque réflexion sur la sexualité se trouvent des histoires individuelles, des souffrances et des espoirs. La mise en scène, épurée, accentue le message du texte : un simple bureau d'où sont tirées des fiches résumant des études scientifiques, un fauteuil pour la contemplation et un tapis pour l'intimité. Cependant, c'est la bande-son réalisée par Martin Antiphon qui donne profondeur et nuance à l'expérience, nous transportant des cafés aux discussions entre amis, ajoutant ainsi une dimension supplémentaire à la réflexion. Toutefois, bien que le texte de Page soit empreint d'une "indignation joyeuse", le spectacle semble quelque peu réservé et académique avec ses chapitres clairement définis. Cela masque par moments les traits d'humour qui font le charme de l'ouvrage original, le rendant ainsi moins subversif qu'espéré, d'autant plus que la société ne cesse d'évoluer sur ce sujet. La note d'intention de Heck met en lumière son approche. Profondément touché par cet essai, il souhaite partager avec le public la transformation qu'il a ressentie à sa lecture. Le choix d'un homme pour interpréter ce texte féministe est audacieux, d'autant plus pour Heck, ouvertement homosexuel. La longue partie traitant de ce sujet semble parfois superflue ; bien que l'on saisisse le paradoxe, elle pourrait diluer le message central en nous emmenant sur un terrain moins pertinent. Transposer sur scène cet essai théorique et intime, rédigé à la première personne, représentait un réel défi. Néanmoins, la pièce demeure un fervent plaidoyer pour une sexualité imaginative et égalitaire. Elle nous pousse à remettre en question nos préjugés et à envisager de nouvelles perspectives pour notre intimité. Comme le souligne Martin Page, elle nous rappelle que la sexualité est une dimension essentielle de l'expérience humaine. Avis de Foudart 🅵🅵 AU-DELÀ DE LA PÉNÉTRATION Texte Martin Page (Au-delà de la pénétration, Le Nouvel Attila, 2020) Adaptation Isabelle Deffin, Thierry Illouz, Yves Heck Conception, mise en scène et jeu Yves Heck Collaboration artistique et costumes Isabelle Deffin • Lumière Abigaïl Fowler • Son Martin Antiphon • Chorégraphie Aude Lachaise • Crédit photo © Victor Tonelli THÉÂTRE LA REINE BLANCHE Du 21 octobre au 25 novembre 2023 • Les mardis & jeudis à 21h (relâche le 7/11) • Les samedis à 20h • Durée 1h15

Le 7 novembre 2023, préparez-vous à une soirée d’éloquence, de rire et d'émotions ! La Conférence Berryer, cette joute oratoire qui a su, depuis 150 ans, enthousiasmer les amateurs d'art oratoire, se déroulera exceptionnellement au Théâtre du Rond-Point. Et pour couronner le tout, l'événement aura l'honneur d'accueillir Arielle Dombasle comme invitée d'honneur. Un Peu d'Histoire Née il y a deux siècles, la Conférence des avocats du Barreau de Paris est une institution qui réunit douze Secrétaires, ces jeunes avocats élus après un concours d’éloquence exigeant. Outre leurs responsabilités principales, qui incluent la défense pénale d'urgence dans des affaires sensibles, ces Secrétaires organisent également la Conférence Berryer, une manifestation d'éloquence unique en son genre. Au fil des ans, la Conférence Berryer a accueilli des invités prestigieux tels que Serge Gainsbourg, Salvador Dali, Romain Gary et Catherine Deneuve, pour n'en nommer que quelques-uns. Mais qu'est-ce qui rend cet événement si spécial ? Il s'agit d'un défi oratoire où deux candidats, avocats ou non, se soumettent aux critiques humoristiques, féroces et décalées des douze Secrétaires, en improvisation totale. Déroulement de la Soirée La soirée débute par un portrait humoristique de l'invité, après quoi chaque candidat présente un discours en lien avec ce dernier. Les Secrétaires, armés de leur verve et de leur esprit acéré, se chargent ensuite de critiquer le discours du candidat, tout cela dans une atmosphère chargée d'humour et de défis. L'invité a ensuite l'opportunité de défendre, ou non, le candidat. Après les deux candidats, des anciens Secrétaires clouent au pilori leurs collègues actuels, pour le plus grand plaisir de tous. Enfin, l'invité d'honneur a le dernier mot, avec une totale liberté de parole. Un Spectacle Unique La Conférence Berryer est bien plus qu'une simple joute oratoire. C'est un spectacle vivant, où chaque mot compte, chaque phrase est pesée, chaque intervention est un moment de bravoure. Si vous êtes amateur de joutes oratoires, ou si vous souhaitez simplement passer une soirée mémorable, ne manquez pas cet événement ! La Conférence Berryer est l'occasion rêvée de célébrer l'art de la parole et d'enrichir son esprit critique. Venez nombreux au Théâtre du Rond-Point le 7 novembre 2023 à 20h et préparez-vous à être ébloui !

Le panorama culturel français s'enrichit d'une nouvelle offre avec le lancement de Transforme, le festival itinérant conçu par la prestigieuse Fondation d'entreprise Hermès. Se déroulant de novembre 2023 à mai 2024, le festival fait escale dans quatre villes françaises : Paris, Clermont-Ferrand, Lyon et Rennes. L'Évolution du New Settings Le programme New Settings, apprécié du public depuis son instauration en 2011, a évolué pour devenir Transforme. Ce nouveau format a pour objectif de mettre en mouvement autant les spectateurs que les artistes, grâce à une programmation pluridisciplinaire qui fait écho au monde contemporain. Les Partenaires au Cœur du Projet Les partenariats noués avec la Comédie de Clermont-Ferrand, les SUBS à Lyon, le Théâtre National de Bretagne à Rennes et le Théâtre de la Cité internationale à Paris garantissent une expérience artistique renouvelée, en phase avec les défis contemporains. Ces collaborations traduisent la volonté de la Fondation de propulser la création scénique au-delà des frontières de l'Ile-de-France, touchant ainsi de nouveaux publics et territoires. Une Programmation Riche et Diversifiée Transforme met à l'honneur des œuvres hybrides, à la fois en termes de formes, par leur pluridisciplinarité et leur recherche de nouvelles écritures, mais aussi en termes de contenu, en abordant les enjeux actuels de nos sociétés. Ce faisant, le festival invite les spectateurs à une transformation intérieure, à redéfinir leur perception du monde à travers le prisme artistique. Les Temps Forts à Venir À Paris, par exemple, le Théâtre de la Cité internationale accueillera des spectacles tels que "Préparation pour un miracle" de Marc Oosterhoff, "Violence Forest" de Nina Negri et "Black Lights" de Mathilde Monnier, pour n'en nommer que quelques-uns. Lyon, quant à elle, recevra "Rituel 5 : La Mort" par Émilie Rousset & Louise Hémon, tandis que Rennes présentera des œuvres telles que "Reconstitution : Le Procès de Bobigny" par Émilie Rousset & Maya Boquet. Un Engagement Continué Avec ce nouveau format, la Fondation d'entreprise Hermès renouvelle son engagement envers la création contemporaine et sa diffusion auprès d'un large public. La mise en place d'actions complémentaires "Pour aller plus loin" dans chaque lieu de représentation, axées sur l'accessibilité, la jeunesse et les territoires, réaffirme cette ambition. Transforme s'annonce comme un festival incontournable, une ode à la créativité et à la découverte, qui promet de transformer notre vision de l'art et du monde qui nous entoure. TRANSFORME Festival itinérant Paris – Clermont-Ferrand – Lyon – Rennes novembre 2023 – mai 2024 PROGRAMME THÉÂTRE DE LA CITÉ INTERNATIONALE, PARIS Marc Oosterhoff Préparation pour un miracle 16 → 18.11.2023 Nina Negri Violence Forest 21 → 25.11.2023 Ann Van Den Broek Joy Enjoy Joy 23 → 25.11.2023 Xavier Veilhan, Alexis Bertrand & Jérôme Tuncer, Ève Risser Tout l’Univers 27 & 28.11.2023 Mathilde Monnier Black Lights 29.11 → 02.12.2023 Hélène Iratchet Les Délivrés 30.11 & 01.12.2023 LA COMÉDIE DE CLERMONT‐FERRAND Alice Laloy Pinocchio(Live)#3 11 → 13.01.2024 Mette Ingvartsen Skatepark 13 & 14.01.2024 Mathilde Monnier Black Lights 17 & 18.01.2024 Émilie Rousset & Maya Boquet Reconstitution : le Procès de Bobigny 22 → 24.01.2024 Tiphaine Raffier Némésis 25 & 26.01.2024 LES SUBS, LYON Mathilde Monnier Black Lights Avec la Maison de la Danse (Lyon) 20 → 23.03.2024 NSDOS Préfiguration 22.03.2024 Émilie Rousset & Louise Hémon Rituel 5 : La Mort 26 & 27.03.2024 Noémie Goudal & Maëlle Poésy Anima 3 → 5.04.2024 Vania Vaneau Ambre et Pourpre (titre de travail) 9 → 12.04.2024 Lenio Kaklea ΑγρÍμι (Fauve) 11 & 12.04.2024 THÉÂTRE NATIONAL DE BRETAGNE, RENNES Alice Laloy Pinocchio (Live)#3 16 → 18.05.2024 Mette Ingvartsen Skatepark 17 & 18.05.2024 Émilie Rousset & Maya Boquet Reconstitution : Le Procès de Bobigny 22 → 24.05.2024 Mathilde Monnier Black Lights 22 → 24.05.2024 Tiphaine Raffier Némésis 29 & 30.05.2024 Xavier Veilhan, Alexis Bertrand & Jérôme Tuncer, Ève Risser Tout l’Univers 29 & 30.05.2024

Originaire du Moyen-Orient et résidant en Europe, Walid Mansour se rend en Argentine pour enquêter sur un spectacle mythique créé dans les années soixante par Simon Frank. Ce juif polonais y reconstituait sa vie à Varsovie avant la Seconde Guerre mondiale. En 1962, prétendant être un rescapé des camps de concentration, Simon Frank s'installe en Argentine. Sur son terrain, il reproduit un bout de Varsovie et convie les locaux à revivre son histoire. Mais en 2006, un rebondissement survient : on découvre que Frank était un imposteur. Le renommé dramaturge argentin, Mariano Pensotti, connu pour ses jeux entre réalité et fiction, revisite cette histoire dans "La Obra". Il s'inspire de faits réels, comme l'immigration juive en Argentine et la présence post-guerre des nazis, pour forger une œuvre à la frontière du théâtre documentaire. "Je voulais créer une pièce qui balance entre réalité et fiction, utilisant les techniques du théâtre documentaire, pour mettre en lumière les cicatrices de la violence passée," déclare-t-il. Dans "La Obra", Pensotti, intrigué par des non-acteurs incarnant une fiction - à l'instar des résidents de Nova Jerusalem au Brésil qui rejouent la Passion du Christ annuellement - souligne que son approche transcende la simple narration. Pour lui, l'histoire de Frank devient une métaphore de l'Argentine, avec ses secrets cachés, ses traumatismes et sa recherche identitaire. Il voit ce spectacle comme une réflexion de la réalité, suggérant que tout est mise en scène. La mise en scène, co-créée avec Mariana Tirantte, va au-delà d'un simple fond de scène. Elle est un élément narratif, reprenant des fragments du décor initial de Simon Frank. "Avec Mariana, nous percevons la scénographie comme des dispositifs vivants qui racontent des histoires. Elle dépasse le purement esthétique pour mettre à jour ce qui est caché," explique Pensotti. En dépit du succès de ses œuvres antérieures, comme "Los Años", Pensotti reconnaît les challenges du théâtre argentin. Néanmoins, il demeure positif, citant la volonté humaine de raconter ses expériences comme une force indomptable. "La Obra" aspire à être un miroir du monde, dépeignant la vie comme un vaste drame théâtral. La pièce interroge la mémoire, la vérité, et le pouvoir de la fabrication. Elle sonde les limites entre réel et imaginaire, et pose une interrogation cruciale : Dans un monde saturé de représentations, comment différencier victimes et oppresseurs? Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 La Obra Texte et mise en scène Mariano Pensotti Avec Rami Fadel Khalaf, Alejandra Flechner, Diego Velázquez, Susana Pampin, Horacio Acosta, Pablo Seijo • Musicien Julián Rodríguez Rona • Décor et costumes Mariana Tirantte • Musique Diego Vainer • Lumière David Seldes • Vidéo Martin Borini, José Jimenez • Crédit photo © Nurith Wagner Strauss Théâtre de la Cité internationale (Paris) Dans le cadre du Festival d’Automne à Paris Du 23 au 26 Octobre 2023 • Les lundis et mardis à 20h • Les mercredis et jeudis à 19h • En espagnol surtitré en français • À partir de 14 ans • Durée 1h30 Le 31 octobre Festival Internacional de Teatro de Vitoria (Vitoria-Gasteiz, ES)