Victor Hugo, par sa plume magistrale, nous a légué "Ruy Blas", un chef d’œuvre intemporel. La mise en scène de Jacques Weber au Théâtre Marigny nous le rappelle vivement. Pourtant, cette représentation, oscillant entre des choix audacieux et des éléments classiques, présente un succès parsemé de quelques hésitations. La trame du récit nous plonge dans une intrigue mêlant pouvoir, amour, trahison et manipulation. Don Salluste, une vieille crapule sans scrupules, après avoir été discrédité par la Reine, élabore une vengeance machiavélique. Il utilise Ruy Blas, un jeune laquais insoumis, pour séduire la souveraine en se faisant passer pour Don César. Toutefois, au-delà de ces stratagèmes, Ruy Blas, tiraillé entre sensibilité et intégrité, tombera sincèrement amoureux de la Reine. Les acteurs, dans ce spectacle, jouent un rôle primordial. Jacques Weber, avec son charisme et son coffre impressionnant, incarne un Don Salluste saisissant, même si sa voix, qui semble éteinte lors de son entrée en scène, met du temps à retrouver sa flamboyance. Kad Merad, interprétant Don César, affiche une décontraction qui peut séduire comme dérouter. Mais ce sont Jean-Paul Muel, incroyable dans le rôle de Don Guritan, et Stéphane Caillard, impériale et touchante dans le rôle de la Reine d'Espagne, qui volent la vedette. Caillard, avec sa prestance et son jeu nuancé, nous offre une Reine oscillant entre désir d'émancipation et révolte, touchante dans sa quête d'amour et d'attention. Jacques Weber, metteur en scène, a opté pour un décor particulièrement épuré noir désossé et a pris le parti de ne pas situer la pièce dans une quelconque époque. Nous ne sommes pas à la fin du XVIIe siècle, nous serions plutôt dans un temps et un espace indéfinis. Il est évident que la pièce souffre de certains choix audacieux. Weber ose, certes, mais on peut parfois se demander si certains risques étaient nécessaires, ou même pertinents. L'absence d'une esthétique claire tant dans les décors que les costumes, combinée à une lumière très très sobre, les projections rouges et noires, aux connotations manichéennes, ainsi qu'une chorégraphie façon « cabaret » lors de l'acte IV, peuvent dérouter. Quant au reste du casting, s'il mêle des poids lourds de la scène française et des talents prometteurs, on peut se questionner sur la pertinence de certains choix. Basile Larie, bien qu'énergique dans le rôle-titre de Ruy Blas, peine par moments à trouver le juste milieu entre la fougue et la naïveté de son personnage. Et ces comédiens(es) en noir, qui tentent d'investir la scène sans être ni tout à fait des figurants, ni chanteurs, ni danseurs, que font-ils là ? Bien que ce Ruy Blas présente quelques défauts, il reste un spectacle à voir pour son ambition, sa modernité et le talent de certains acteurs. Au Théâtre Marigny, on savoure une fresque historique, témoignage de l'œuvre patrimoniale de Victor Hugo. Une expérience théâtrale qui, malgré ses incertitudes, ne laisse pas indifférent. Avis de Foudart 🅵🅵 RUY BLAS Une pièce de Victor HUGO Metteur en scène Jacques WEBER Avec Kad MERAD, Jacques WEBER, Stephane CAILLARD, Basile LARIE, Jean-Paul MUEL, Magali ROSENZWEIG, José-Antonio PEREIRA, Sahra DAUGREILH et la participation des apprentis du STUDIO ESCA Costumes Maud HEINTZ • Scénographie Emmanuelle FAVRE • Lumières Georges LAVAUDANT • Crédit photo © Bernard RICHEBÉ THÉÂTRE MARIGNY Jusqu’au 29 décembre 2023 • Du mercredi au samedi à 20h. Le samedi et le dimanche à 15h

"Les Poupées Persanes," écrit par Aïda Asgharzadeh, une fresque contemporaine qui jongle entre rires et larmes, combinant la poésie à la politique, couronné de 2 Molières en 2023, fait son grand retour à Paris. Cette pièce captivante nous plonge au cœur de l'Iran des années 70, évoquant la chute du Shah et l'arrivée au pouvoir du régime islamique. Simultanément, elle nous transporte en France, suivant deux sœurs qui ne sont guère enthousiastes à l'idée de célébrer le passage à l'an 2000 aux sports d'hiver, en famille. C'est une histoire d'amour entre Bijan et Manijeh, un couple emblématique des légendes perses, mais c'est aussi l'histoire d'une jeunesse pleine d'espoir, d'une lutte avortée, d'un peuple sacrifié, de secrets qui s'entortillent, de la transmission dont on ne sait que faire et de l'amour qui ne sait plus où aller. En un mot, c'est l'histoire de toutes les révolutions. Un plaisir immense L'auteure, Aïda Asgharzadeh, née en France d'origine iranienne, exprime ici sa colère d'enfant envers sa famille pour lui avoir donné un nom imprononçable et des origines peu connues. Elle relate des soirées où des Iraniens se réunissaient pour discuter de sujets enflammés, sujets qu'elle ne comprenait pas à l'époque. Plus tard, elle réalise que ses parents ont vécu sous la contrainte, ont défié une dynastie, participé à une révolte, lutté contre une révolution, et ont choisi la liberté : la liberté de pensée et la liberté d'expression. Aujourd’hui, c'est cette même liberté qu'elle souhaite transmettre à travers ses histoires. Aïda Asgharzadeh a souhaité confier la mise en scène de cette pièce à Régis Vallée, qui a déjà travaillé avec elle sur "La Main de Leïla." Le choix de cette pièce est une évidence pour Régis Vallée, qui y a vu l'opportunité de plonger à nouveau dans la culture iranienne. "Yeki bood, Yeki nabood. Gheir az Khodâ, itch kas nabood" qui signifie "Il était une fois...". Si la pièce aborde des thèmes fondamentaux tels que la résilience, la politisation, la résistance d'un peuple, l'exil, la culpabilité et les secrets, c’est par le biais du conte que tout se passe. Le célèbre conte "Bijan et Manijeh" tisse un fil rouge entre les époques de l'histoire. Une mise en scène inventive, une écriture de qualité entre saga familiale et engagement politique Cette pièce, une ode à l'humanité, est portée par Aïda Asgharzadeh, entourée par une équipe de comédiens talentueux. C'est un bijou à ne pas manquer, une œuvre qui vous ravira le cœur et vous emportera dans un conte oriental moderne plein d’humour, tout en suscitant une réflexion sur le passé et le présent de l'Iran. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 LES POUPÉES PERSANES Texte Aida Asgharzadeh Mise en scène Régis Vallée Avec Aïda Asgharzadeh, Juliette Delacroix, Kamel Isker, Azize Kabouche, Toufan Manoutcheri, Sylvain Mossot Scénographie Philippe Jasko et Régis Vallée • Création lumière Aleth Depeyre • Vidéo Fred Heude • Musique Manuel Peskine • Costumes Marion Rebmann • Crédit photo Alejandro Guerrero LA PÉPINIÈRE THÉÂTRE Jusqu'au Samedi 6 Janvier 2024 • Du mardi au samedi à 21h • Matinée samedi 16h

La pièce de théâtre "Sacha contre Guitry," créée par Sacha Danino, nous transporte dans une tumultueuse histoire familiale qui transcende le temps et les générations. Alexandre, un homme dans la quarantaine, aux prises avec des problèmes familiaux et professionnels, aspire ardemment à rétablir la connexion avec son père. Il trouve son salut dans les pages d'un ouvrage dédié à l'histoire captivante de Sacha Guitry et de son père, Lucien Guitry. À travers cette lecture, il s'immerge profondément dans le récit des conflits et rivalités entre Sacha et Lucien Guitry, une histoire qui transcende les époques et revêt une dimension universelle à laquelle il peut pleinement s'identifier. La pièce navigue alors habilement entre le glorieux passé de Sacha Guitry, célèbre pour ses 124 pièces à succès, et le tumulte contemporain vécu par Alexandre. Car, parfois, il est impératif d'ouvrir un livre pour apprendre à tourner la page de sa propre vie. Car, parfois, un drame familial se métamorphose en la plus délicieuse comédie. Sous la direction sobre et astucieuse de Ned Grujic, les acteurs talentueux apportent à cette pièce un mélange d'émotion et d'humour qui nous conquis. Une mention spéciale s'impose pour la performance hilarante de Juliette Galoisy. À l'instar des pièces de Sacha Guitry, celle-ci est avant tout drôle et légère, même lorsque les sujets abordés sont profonds et personnels. Ce qui rend cette pièce encore plus spéciale, c'est le fait que Sacha Danino, habituellement associé à Sébastien Azzopardi, se lance en solo dans cette aventure théâtrale. Il délaisse son style habituel pour offrir une écriture plus personnelle tout en maintenant l'humour qui lui est propre avec une profondeur supplémentaire. "Sacha contre Guitry" est une pièce incontournable pour ceux qui s'intéressent à l'exploration des relations familiales, à la comédie intelligente et à la performance théâtrale de haut niveau. Elle offre un voyage à travers le temps et l'espace, où passé et présent se fondent pour révéler les mystères de la relation père-fils de manière inoubliable. C'est une soirée au théâtre qui marie adroitement l'humour et l'émotion, une expérience qui vaut vraiment le détour. En fin de compte, "Sacha contre Guitry" est une pièce qui mérite absolument d'être vue. Elle fait rire, elle émeut, et elle invite à une réflexion profonde sur nos propres relations familiales. Elle témoigne du pouvoir du théâtre pour explorer des thèmes universels de manière captivante et mémorable. Ne la manquez pas, car elle offre une expérience théâtrale inoubliable. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 « SACHA CONTRE GUITRY » (TOUT CONTRE) Une pièce de Sacha DANINO Mise en scène Ned GRUJIC Juliette GALOISY, Dominique BASTIEN, Alexandre GUILBAUD et Thomas MARCEUL THÉÂTRE MICHEL À partir du 12 octobre 2023 • Du jeudi au samedi à 19h et le dimanche à 18h

Fouad Boussouf, chorégraphe de renom et directeur du centre chorégraphique national du Havre Normandie, nous livre une création incendiaire intitulée "Fêu". Ce spectacle est bien plus qu'une simple performance artistique. Il s'agit d'un manifeste qui célèbre la féminité, la puissance du mouvement, et la connexion ancestrale à la terre. L'énergie primitive d'un élément naturel incontrôlable, c'est ce que "Fêu" évoque dès le premier instant. Le titre lui-même semble rugir de puissance, rappelant la chaleur originelle qui rassemble les êtres humains depuis toujours. Il s'agit d'une célébration de la force féminine, incarnée par un ensemble de dix danseuses venues d'horizons divers. Les danseuses, chacune avec son parcours unique et ses propres nuances de caractère, forment un chœur vivant et singulier, portant cette promesse de vie avec une intensité sans égale. Le spectacle s'appuie sur le geste cyclique, explorant la figure spatiale et rythmique du cercle, symbole d'un élan régénérateur. Le plateau devient un lieu d'expérience collective intense, où les mouvements et les déplacements des interprètes s'étendent sur 360 degrés. Les corps sont animés par un instinct tellurique, créant un mouvement obsédant et sans fin. Fouad Boussouf, lui-même un passionné du hip-hop, a su fusionner les langages de la danse contemporaine et du hip-hop pour créer un vocabulaire hybride. Ce choix d'un groupe exclusivement féminin n'est certainement pas fortuit, car il met en lumière la force et la diversité des femmes, soutenues par le rythme incessant des percussions. Le spectacle commence dans l'obscurité, avec une lumière solitaire qui attire notre regard. Peu à peu, les silhouettes des danseuses apparaissent, suivant la courbe infinie d'un cercle. La musique percussive et pulsatile accompagne leur danse, créant une atmosphère tribale envoûtante. Les danseuses évoluent avec grâce, toujours unies à la terre et au foyer imaginaire au centre de l'espace. Cependant, au fil de la performance, une rupture survient. La scénographie s'ouvre, mais les danseuses semblent incapables de s'émanciper du cercle et de la pulsation. Elles restent captives de cet imaginaire, démontrant une puissance indomptable, mais aussi une certaine résignation. "Fêu" est un manifeste qui explore la force féminine, la puissance du mouvement, et la connexion avec nos racines. Il invite le spectateur à réfléchir sur la liberté, la résistance, et la communion avec la terre. Dans cette performance, Fouad Boussouf allume le feu de la réflexion et de l'émotion, créant un spectacle incandescent qui brûle dans nos mémoires longtemps après avoir quitté la scène. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 FÊU Direction artistique et chorégraphie Fouad Boussouf Interprètes Serena Bottet, Filipa Correia Lescuyer, Léa Deschaintres, Rose Edjaga, Lola Lefèvre, Fiona Pitz, Charlène Pons, Manon Prapotnich, Valentina Rigo, Justine Tourillon Musique François Caffenne Costumes Gwladys Duthil Scènographie Aurélie Thomas Création Lumière Lucas Baccini Crédit photo Antoine Friboulet Théâtre du Rond-Point Du 18 au 21 octobre TOURNÉE novembre vendredi 10.11.2023 — Le Figuier Blanc - Argenteuil (92) mardi 21 + mercredi 22.11.2023 — Le Volcan - Scène Nationale du Havre (76) dans le cadre du Festival Plein Phare décembre vendredi 15.12.2023 — Scène de Bayssan - Béziers (34) mercredi 20 + vendredi 22.12.2023 — Le Quartz - Scène Nationale de Brest (29) février vendredi 02 → samedi 03.02.2024 — Théâtre de St-Quentin-en-Yvelines (92) mercredi 07.02.2024 — Le Cratère - Scène Nationale d'Alès (30) vendredi 09.02.2024 — Théâtre de Nîmes (30) mars vendredi 08.03.2024 — Théâtre Jean-Vilar - Vitry-sur-Seine (94) avril vendredi 12.04.2024 — Festspielhaus - St-Pölten [Autriche] samedi 20.04.2024 — La Passerelle - Scène Nationale St-Brieuc (22) vendredi 26.04.2024 — Concertgebouw - Brugge [Belgique] mai mercredi 29.05.2024 — Théâtre d'Orléans - Scène Nationale (45) vendredi 31.05.2024 — Équinoxe - Scène Nationale de Châteauroux (36)

Depuis le 18 octobre 2023, les portes de la Fondation Louis Vuitton se sont ouvertes pour présenter une rétrospective impressionnante du célèbre peintre Mark Rothko. Cette exposition est la première en France depuis celle de 1999 au musée d'Art moderne de la Ville de Paris, marquant ainsi une étape mémorable dans la reconnaissance de l'artiste. Un Voyage Chronologique Avec environ 115 œuvres soigneusement sélectionnées des plus grandes collections du monde, dont la National Gallery of Art de Washington et la Tate Gallery de Londres, les visiteurs sont invités à voyager à travers les phases marquantes de la carrière de Rothko. Depuis ses premières peintures figuratives, jusqu'à son pivot vers l'abstraction qui a finalement défini son legs artistique. L'exposition commence avec des scènes intimistes des années 1930, puis évolue vers une exploration de mythes antiques et du surréalisme, reflétant le contexte tumultueux de la guerre. Les années 1940 ont marqué un tournant décisif pour Rothko, avec l'introduction des Multiformes, caractérisées par des masses chromatiques en suspension. Cette transition mène finalement à ses œuvres emblématiques des années 1950, où la couleur domine, créant une émotion palpable. Une Commande Abandonnée, un Don à la Tate Gallery L'une des histoires les plus fascinantes de l'exposition est celle de la commande de Rothko pour le restaurant Four Seasons à New York en 1958. Malgré le retrait de Rothko de ce projet, la série a trouvé une maison permanente à la Tate Gallery, neuf de ces peintures étant exceptionnellement présentées à la Fondation Louis Vuitton. Une Quête Intemporelle Rothko, connu pour sa profonde introspection, a toujours cherché à évoquer les émotions humaines fondamentales à travers ses œuvres. L'artiste a maintes fois exprimé sa volonté d'établir un dialogue silencieux avec le spectateur, mettant en avant l'expérience émotionnelle plutôt que la simple représentation. Les Dernières Années et l'Héritage de Rothko La dernière partie de l'exposition met en lumière les œuvres de Rothko de la fin des années 1960 jusqu'à sa disparition. Les toiles noires et grises, jumelées aux sculptures de Giacometti, illustrent une période d'austérité, contrastant avec les coloris éclatants de ses travaux précédents. L'exposition se clôture sur une collaboration exceptionnelle avec le compositeur Max Richter, qui a créé une pièce musicale inspirée par Rothko, fusionnant ainsi les mondes de la musique et de l'art. L'exposition à la Fondation Louis Vuitton n'est pas seulement une célébration de l'œuvre de Mark Rothko, mais aussi une invitation à ressentir, à interroger et à s'immerger dans un voyage artistique intemporel. Elle sert de rappel que l'art transcende les époques, les cultures et les frontières, offrant une fenêtre sur la condition humaine dans toute sa complexité. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 MARK ROTHKO À la Fondation Louis Vuitton Du 18 octobre 2023 au 2 avril 2024 Horaires d’ouverture (hors vacances scolaires) Lundi, mercredi et jeudi de 11h à 20h Vendredi de 11h à 21h Nocturne le 1er vendredi du mois jusqu’à 23h Samedi et dimanche de 10h à 20h Horaires d’ouverture (vacances scolaires) Vacances de Pâques : Tous les jours de 10h à 20h Vacances d’été : lundi, mercredi et jeudi de 11h à 20h - samedi et dimanche de 10h à 20h - fermeture le mardi

West Side Story, un classique de Broadway, après avoir voyagé à travers le monde, est de retour au Théâtre du Châtelet à Paris pour une expérience magique que vous ne pouvez pas manquer ! C'est l'occasion idéale pour célébrer les fêtes de fin d'année. Une Production Éblouissante Les mélodies emblématiques telles que "Maria," "Somewhere," et "America," créées par le légendaire Leonard Bernstein, ainsi que les chorégraphies époustouflantes de Jerome Robbins, ont révolutionné le genre de la comédie musicale, érigeant West Side Story en modèle incontesté, à la fois intemporel et audacieux. Dirigée par le renommé metteur en scène Lonny Price et portée par les chorégraphies envoûtantes de Julio Monge, ce magnifique spectacle nous plonge au cœur des passions amoureuses et des rivalités, offrant une interprétation contemporaine de West Side Story tout en restant fidèle à la chorégraphie originale. Cela nous fait réaliser que cette histoire intemporelle, inspirée par Shakespeare, continue de nous enchanter et de nous fasciner. L'Upper West Side en Ébullition West Side Story nous plonge au cœur de l'Upper West Side de New York, un quartier où les gangs rivaux, les "Jets" et les "Sharks" portoricains, s'affrontent sans relâche. Dans cette atmosphère électrique de l'été, les danses enfiévrées au rythme du mambo se mêlent aux rêves de jeunes Latinos en quête d'une vie meilleure. Au milieu de cette tension, émerge un amour entre deux jeunes que le destin semble vouloir séparer, un amour qui défie les obstacles et les préjugés. L'Énergie Jeune de West Side Story Un des aspects remarquables de cette production réside dans la jeunesse et l'énergie qu'elle insuffle à l'histoire. La troupe, dont l'âge moyen avoisine à peine les 20 ans, incarne avec passion les premiers moments de la vie d'adulte. Ils expriment avec fougue les émotions complexes telles que la rage, la peur, le désir et les relations tumultueuses, ce qui rend le récit d'autant plus poignant. La chorégraphie ambitieuse et stylisée est exécutée avec une énergie débordante, soulignant que ce spectacle exige une vitalité exceptionnelle. La distribution américaine insuffle une véritable fraîcheur aux personnages emblématiques. Jadon Webster incarne Tony avec des yeux bleus perçants et une voix puissante, tandis que Melanie Sierra, d'origine portoricaine et portugaise, apporte une dimension authentique à Maria grâce à sa formation en chant classique, en comédie musicale et à ses talents de comédienne. Kyra Sorce, quand à elle dans le rôle d’Anita, danse, chante et joue la comédie de façon remarquable. Une Mise en Scène Fluide La mise en scène fluide de cette adaptation nous plonge sans temps mort dans l'univers de West Side Story. Les décors simples mais imposants, constitués de blocs d'immeubles modulaires et mobiles, recréent efficacement les différents lieux de l'histoire. Fermez les yeux, puis ouvrez-les pour vous retrouver en plein Broadway des années 50 Avec une distribution passionnée, une musique intemporelle et des chorégraphies dynamiques, West Side Story demeure un chef-d'œuvre inoubliable de la comédie musicale. Toutefois, bien plus qu'une simple comédie musicale, West Side Story est un voyage dans le temps et une expérience artistique inoubliable. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 WEST SIDE STORY Deux bandes rivales. Un amour impossible Livret Arthur Laurents Musique Leonard Bernstein Paroles Stephen Sondheim Production originale mise en scène et chorégraphiée par Jerome Robbins Mise en scène Lonny Price Crédit photo Johan Persson THÉÂTRE DU CHÂTELET DU 20 OCT. AU 31 DÉC. 2023 • Du mardi au vendredi à 20h • Le samedi à 15h et 20h • Le dimanche à 15h • Durée 2H40 (avec entracte ) • En anglais surtitré en français

Léonore Confino, actrice et dramaturge franco-suisse, est reconnue pour sa capacité à peindre notre société contemporaine avec un regard à la fois lucide et acide. Ses pièces, telles que "Les Uns sur les autres" et "Building," ont captivé les spectateurs par leur critique cynique du monde de l'entreprise et leur exploration impitoyable des complexités des relations humaines, comme en témoigne "Ring." Aujourd'hui, avec "L'Effet Miroir", Léonore Confino plonge encore plus profondément dans les méandres de l'âme humaine en explorant un thème qui résonne chez de nombreux artistes, mais aussi en elle : l'incompréhension et l'interprétation erronée de leur travail par leurs proches. Une situation où l'artiste se trouve face aux suppositions de son entourage. Voici le point central de "L'Effet Miroir". Théophile, un écrivain en déclin cherchant à renouer avec sa créativité grâce à un "petit conte aquatique". Cependant, ce qui commence comme une expression artistique sincère se transforme en cauchemar lorsque ses proches interprètent le texte comme un révélateur de secrets et de non-dits. Cette pièce transcende le simple divertissement théâtral pour inciter à la réflexion. Elle soulève des questions profondes sur l'art et la création artistique, qui peuvent être un miroir implacable de la réalité et la manière dont elle peut involontairement mettre en lumière des vérités que l'on préférerait ignorer. "L'Effet Miroir" de Léonore Confino nous rappelle que l'art possède le pouvoir de nous confronter à nous-mêmes, de susciter des discussions et de nous pousser à réexaminer notre perception de la réalité. C'est une expérience théâtrale qui mérite assurément d'être découverte et qui laissera une empreinte durable dans nos esprits. Cependant, des nuances subsistent. Le texte remarquable de Léonore Confino contraste parfois avec la mise en scène, qui semble adopter un style théâtral plus exubérant, proche du boulevard, avec une surdramatisation des personnages et des cris excessifs. Cette divergence entre la profondeur du texte et le jeu scénique peut être un peu dérangeante. La mise en scène de style "boulevard" pourrait également être une tentative délibérée visant à accentuer le contraste entre la simplicité apparente du conte poétique de Théophile et les révélations tumultueuses de ses proches. Mais "L'Effet Miroir" continue d'inciter à la réflexion et de nourrir des discussions profondes, tout en offrant des moments de rire et d'émotion. Le décalage entre le texte et la mise en scène peut même être interprété comme une invitation à questionner la manière dont l'art est présenté et interprété, enrichissant ainsi l'expérience théâtrale pour certains spectateurs. Avis de Foudart 🅵🅵 L’EFFET MIROIR De Léonore Confino Mise en scène Julien Boisselier Avec François Vincentelli, Caroline Anglade, Éric Laugérias, Jeanne Arènes Décors Jean Haas Lumières Jean-Pascal Pracht Musiques Pierre Tirmont Costumes Sandrine Bernard Crédit photo Pascal Ito THÉÂTRE DE L’ŒUVRE Du 12 octobre au 7 janvier 2024

L'adaptation théâtrale du livre "Quinze Rounds" de Richard Bohringer offre une expérience scénique aussi émotionnelle et puissante que le livre lui-même. Cette lecture théâtrale met en lumière la vie tourmentée et passionnante de l'acteur emblématique. Sur scène, à travers ses récits captivants, Richard Bohringer nous emmène dans son univers, nous faisant voyager de son enfance aux frasques de la jeunesse, des premiers rôles aux succès qui ont marqué sa carrière, de la découverte de l'Afrique à sa passion pour l'écriture.Tout en préservant la poésie et l'authenticité de son livre au style enfiévré et au rythme syncopé, il révèle à la fois sa force et sa vulnérabilité en explorant les thèmes du succès, de l'amour, de la passion, de la famille et de la lutte contre la maladie. Bien que le 15e round, son combat contre le cancer des ganglions, soit seulement suggéré sur scène et aurait pu être davantage développé, ce moment demeure particulièrement émouvant, poignant et authentique. Ce spectacle se démarque également par l'exceptionnelle intégration visuelle et musicale de la vie et de l'œuvre de Bohringer. Les précieuses images d'archives soigneusement rassemblées par sa fille, Romane Bohringer, offrent une authentique plongée visuelle dans la vie de cet acteur, insufflant une nouvelle vie à ses souvenirs et renforçant le lien émotionnel entre le public et Bohringer. Émotion, tendresse et intensité imprègnent chaque moment de ce spectacle, créant ainsi une célébration puissante et élégante de la vie de Richard Bohringer. Cette expérience nous permet de nous immerger dans la richesse de sa complexité, de revivre ses triomphes et ses défis, tout en nous rappelant l'impératif d'embrasser chaque instant avec une profonde intensité Le choix du Théâtre de l'Atelier est particulièrement symbolique, car c'est un lieu qui a une signification personnelle pour Richard Bohringer et sa fille Romane, qui ont déjà joué ensemble sur cette scène par le passé. Le décor simple de la pièce, une table, une chaise, une jolie lumière, permet au public de se concentrer sur les mots et les émotions, renforçant ainsi l'impact de la performance. Pour les admirateurs de Richard Bohringer et pour tous ceux en quête d'une expérience théâtrale émotionnelle et inspirante, ce spectacle incontournable rend hommage à un artiste iconique et à l'humanité qui transcende ses combats, ses victoires et ses défaites. C'est une ode à la passion, à l'authenticité et à la résilience, incarnées par un homme qui a vécu quinze rounds de vie et qui continue de les livrer avec une fureur inspirante. C'est une invitation à embrasser la vie avec la même intensité et à ne jamais cesser de se battre pour ce qui compte vraiment. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 QUINZE ROUNDS Lecture de et avec Richard Bohringer Texte publié aux éditions Flammarion Mise en scène Romane Bohringer Crédit Photo © David Parel THÉÂTRE DE L’ATELIER Du 17 octobre au 12 novembre 2023 20 représentations exceptionnelles Les mardi, mercredi, vendredi et samedi à 19h • Le dimanche à 15h • Durée 1h

L'art rencontre l'architecture dans une symbiose artistique exceptionnelle au Palais d'Iéna, siège du Conseil Économique, Social et Environnemental, à Paris. Portée conjointement par Paris+ par Art Basel et le Palais d'Iéna, cette exposition est un dialogue inédit entre deux figures tutélaires de l'art contemporain : Daniel Buren et Michelangelo Pistoletto. Sous la supervision du commissaire Matthieu Poirier et avec le soutien de la Galleria Continua, cette exposition offre une expérience artistique unique, ancrée dans le cadre monumental de ce bâtiment emblématique. Une rencontre entre deux artistes, chacun apportant sa propre matière première à l'œuvre Comme l'a souligné Michelangelo Pistoletto, pour lui, c'est la transparence, tandis que pour Daniel Buren, c'est la réflexion. Cette rencontre entre deux maîtres de l'art contemporain promet une expérience visuelle et intellectuelle captivante. Les œuvres présentées sont un travail in situ de Daniel Buren intitulé "Allegro ma non troppo, travail in situ, 2023" et une création évolutive de Michelangelo Pistoletto intitulée "Divisione - Moltiplicazione, 1973 - 2023". Ces œuvres ont été spécifiquement conçues pour s'harmoniser avec l'architecture du Palais d'Iéna, conçu par Auguste Perret en 1937. Elles tirent parti de ses particularités architecturales, de sa polychromie subtile, de sa luminosité exceptionnelle et de son environnement urbain, faisant de cette exposition une expérience véritablement unique et immersive. L'exposition, qui se déroule jusqu'au 29 octobre 2023, est un événement majeur au sein du programme public de Paris+ par Art Basel. Ce programme s'étend dans six lieux parisiens emblématiques, proposant non seulement des expositions, mais également des installations extérieures monumentales et des conférences-débats. Il offre aux visiteurs locaux et internationaux l'opportunité de découvrir ces œuvres remarquables gratuitement. En incarnant l'engagement en faveur du dialogue entre la citoyenneté et l'art, cette exposition au Palais d'Iéna enrichit encore davantage l'expérience culturelle des visiteurs en offrant une expérience artistique inoubliable. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 PARIS+ PAR ART BASEL DANIEL BUREN, « ALLEGRO, MA NON TROPPO, TRAVAIL IN SITU, 2023 » MICHELANGELO PISTOLETTO, « DIVISIONE - MOLTIPLICAZIONE, 1973 - 2023 » PALAIS D’IÉNA - CESE Exposition du 17 au 29 octobre 2023 • tous les jours de 10h à 18h • COMMISSARIAT D’EXPOSITION MATTHIEU POIRIER

Viktor Vincent, éminent mentaliste et artiste polyvalent, présente son nouveau spectacle "Fantastik". Connu pour ses époustouflantes prouesses mentales, Viktor conjugue sa passion pour l'illusion et le mystère afin de nous transporter dans un périple mémorable. L'expérience commence mystérieusement : un homme, seul dans un train, découvre un reflet qui n'est pas le sien. Cette entrée en matière prometteuse transporte le spectateur vers un univers où tout n'est que merveilleux et fantastique. Dans ce cadre envoûtant, Viktor nous entraîne dans un récit où réalité et imaginaire s'entrelacent avec une rare élégance. Notre perception est continuellement mise à l'épreuve, naviguant entre le concret et l'illusoire. Mélangeant avec art, théâtre et mentalisme, Viktor puise dans l'histoire et la nostalgie des époques révolues. Sa moustache vintage et ses tenues « so British » insufflent une authenticité unique à son art. Le respect du public est au cœur de sa démarche. Il engage son audience avec bienveillance, interagissant sans jamais nous influencer outre mesure. Dans le monde des mentalistes, il est une figure emblématique, aux côtés de personnalités comme Fabien Olicard. Ce cercle restreint, tous honorés d'un Mandrake d'or, illustre la montée en puissance du mentalisme, une discipline qui, selon Viktor, inspire la nouvelle génération. "Fantastik" est une fusion harmonieuse entre magie, mentalisme et poésie. Viktor joue avec les sens et l'imagination, en accord avec les compositions musicales originales de Romain Trouillet. Le spectacle est un appel à voir au-delà du quotidien, à percevoir le merveilleux dans l'ordinaire et à interroger nos perceptions. Viktor Vincent nous invite à une expérience renversante, riche en mystères et énigmes. Plus qu'un spectacle, c'est une plongée aux confins de la réalité et de nos perceptions, une remise en question si intense qu'elle en deviendrait presque énervante. Passer une soirée en sa compagnie est une soirée inoubliable que vous n'oublierez pas de sitôt. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 FANTASIK - VIKTOR VINCENT Un spectacle de Viktor Vincent Lumière Julien Dreyer Musique Romain Trouillet Théâtre de la Tour Eiffel 45 DATES EXCEPTIONNELLES DU 6 OCTOBRE 2023 AU 7 JANVIER 2024 • Les vendredis à 19h • Les samedis à 15h et 19h • Les dimanches à 15h30 • DATES SUPPLÉMENTAIRES Les 26, 27 et 28 Décembre 2023. Les 2, 3 et 4 Janvier 2024 à 19h • Durée 1h15

Dans le monde du théâtre, il est rare de trouver une pièce qui aborde des sujets graves tout en parvenant à nous faire rire, mais "La Note" y parvient, et plus d'une fois ! Avec deux comédiens de talent, Sophie Marceau et François Berléand, cette pièce nous offre une expérience mémorable sur scène, appréciée par le public. Un incontournable de la saison. Maud, interprétée par Sophie Marceau, est une pianiste mondialement célèbre. Julien, joué par François Berléand, est un psychanalyste renommé. Lorsque le rideau se lève, Julien est sur le point d'écrire une lettre d'adieu à Maud avant de mettre fin à ses jours. Cependant, Maud arrive à temps pour empêcher ce geste tragique. Ce qui suit est une nuit où ce couple va s'expliquer, se confronter à leur relation, à leur désir et à leurs émotions. Après douze ans d'absence, Sophie Marceau, avec un taux de remplissage de 90 % avant même le début des représentations, fait un retour triomphal au théâtre avec une pièce élégante et bien maîtrisée. La pièce explore avec audace les questions de désir et de lassitude qui peuvent surgir dans une relation. L'autrice-metteuse en scène Audrey Schebat nous fait passer par une gamme d'émotions tout au long de la nuit, mélangeant habilement les moments drôles et les moments poignants. Parfois, le rythme s'essouffle un peu, le scénario devient un peu convenu ou même répétitif, mais l'alchimie entre les deux acteurs, pourtant très différents, fonctionne. Le charme de Sophie Marceau nous interpelle, et l'humour décalé accompagné de beaucoup de tendresse de François Berléand fonctionne toujours aussi bien. Avec "La Note", Sophie Marceau et François Berléand nous offrent une nuit de théâtre captivante, où les émotions se mêlent et se confrontent. Une nuit pour redécouvrir ces deux acteurs populaires d'exception, une nuit pour s'interroger sur le sens de nos vies et de nos relations. Une nuit pour réinventer le destin, car parfois, la musique de la vie se joue en notes surprenantes et inattendues. Avis de Foudart 🅵🅵 La Note Une pièce de Audrey Schebat Avec Sophie Marceau, François Berléand THÉÂTRE DES BOUFFES PARISIENS Jusqu’au 31 décembre 2023 • Du mardi au vendredi à 20h • Le samedi à 16h et 20h • Le dimanche à 15h • Durée 1h30

Après le brillant "Les Parents Terribles", Christophe Perton poursuit avec audace son exploration de l'œuvre de Jean Cocteau en créant une tragi-comédie musicale aux sonorités pop qui met en lumière les méandres des relations amoureuses toxiques avec une richesse émotionnelle remarquable. Ce spectacle nous plonge dans l'intimité d'une chanteuse célèbre, interprétée avec brio par Romane Bohringer, et de son jeune amant. Ce soir-là, en pleine tournée, elle rentre immédiatement dans sa chambre d'hôtel, attendant avec impatience le retour de ce jeune homme auprès duquel elle espère tant se blottir pour se sentir protégée. Cependant, lorsque finalement il la rejoint et refuse de lui adresser la parole, elle prend conscience de la situation et décide de confronter la vérité, laissant son cœur se déverser. Une expérience de "théâtre pop" Jean Cocteau, maître de l'écriture, a offert deux versions de cette histoire : une pour le théâtre, une autre sous la forme d’un long poème qui ne fut jamais utilisée. Christophe Perton, en respectant scrupuleusement le texte, fait ressurgir ce trésor caché. Il l’a adapté en chansons originales composées par ses musiciens. Il fusionne ainsi les deux versions pour créer cette comédie musicale résolument moderne. Les chansons, composées par des musiciens talentueux, se fondent naturellement dans le récit, ajoutant une dimension émotionnelle supplémentaire à l'histoire. Un voyage à travers les méandres de l'amour Romane Bohringer, par la puissance de son interprétation, incarne avec une intensité remarquable le rôle de la chanteuse en quête d'amour et de réconfort. Elle nous captive par sa présence à la fois vulnérable et puissante et nous permet de ressentir toute la gamme des émotions de son personnage. Si on ajoute à son talent, la vision créative de Christophe Perton, on obtient une œuvre qui parvient à capturer les multiples facettes de l'amour, de la passion à la douleur, de l'attente anxieuse à l'indifférence dévastatrice. Le superbe décor, les mots de Cocteau et la performance émotionnellement puissante de Romane Bohringer ainsi que son duo avec le danseur Tristan Sagon, font de ce spectacle une expérience qui mérite indéniablement d'être prise en considération. Cependant, il est essentiel de souligner certaines réflexions nécessaires. Les qualités vocales de Romane Bohringer peuvent parfois laisser perplexe, et le couple formé par Romane Bohringer et Tristan Sagon ne parvient pas toujours à convaincre pleinement. De plus, l'inégale intensité entre le texte parlé et les chansons, qui tendent à trop appuyer sur l'histoire, peut créer une légère discordance dans l'expérience globale. Enfin, le manque de subtilité et de simplicité peut également altérer l'appréciation générale du spectacle. Cette expérience théâtrale reste une belle expérience. Elle nous pousse à réfléchir sur nos propres émotions et sur la manière dont l'amour et l'indifférence peuvent se confronter de manière captivante sur scène. Une expérience à vivre pour tous ceux qui recherchent un mélange unique d'art dramatique et musical. Avis de Foudart 🅵🅵 LE BEL INDIFFÉRENT de Jean Cocteau mise en scène et scénographie Christophe Perton Avec Romane Bohringer et Tristan Sagon Composition musicale originale Maurice Marius & Emmanuel Jessua Créateur lumières Jean-Pierre Michel Chorégraphe Glyslein Lefever Crédits photo Ludo Leleu THÉÂTRE DE L’ATELIER Du 11 octobre au 12 novembre • Du mardi au samedi à 21h • dimanche à 17h • Durée 1h15