L'art, dans son essence, possède cette capacité singulière d'ébranler nos certitudes en un instant. Milou l'expérimente au travers d'un mélodrame, "L'amour en héritage". C'est pourtant moins l'intrigue que la voix angélique de Nana Mouskouri qui le transporte dans un univers d'émotions inexplorées. Cette artiste devient soudainement la muse inespérée du jeune rêveur. Au-delà de l'histoire d'une admiration naissante Le roman de David Lelait-Helo expose une quête d'identité bouleversante. Porté à la scène par l'ingéniosité de Virginie Lemoine, ce récit prend vie. Didier Constant, avec une justesse remarquable, donne chair à ce Milou épris de rêves et d'émotions. Virginie Lemoine transcende l'œuvre originale, en y insufflant une touche personnelle tout en préservant son essence profonde. Sa version théâtrale, tantôt subtile, tantôt vibrante, s'avère être un vibrant hommage à Lelait-Helo et une invitation au voyage intérieur. Milou incarne le courage face aux préjugés, rappelant l'importance de la persévérance pour réaliser ses aspirations les plus profondes. Son parcours, jalonné de défis, d'acceptation et de découvertes, se fait le miroir de nos propres introspections. Didier Constant navigue entre fragilité et assurance, reflétant cette période charnière qu'est l'adolescence, faite d'expérimentations et de questionnements. Dans un monde où tout s'accélère, où les étiquettes semblent inévitables, Milou nous enseigne la patience, l'écoute intérieure, la passion et l'authenticité. Peut-être, à sa manière, parviendra-t-il à devenir sa propre version de Nana Mouskouri. L'amour, la compréhension, le soutien : c'est cela qui forge notre essence. Le voyage de Milou est un vibrant rappel que les limites sont faites pour être repoussées. Le spectacle s'impose non seulement comme une réflexion sur une admiration singulière, mais surtout comme une célébration vibrante de la vie, de l'amour et de l'affirmation de soi. Ce spectacle, entre rires et émotions, évoque ces moments de transition entre l'enfance et l'adolescence. Il réveille nos souvenirs, parfois oubliés ou enfouis. Les mécanismes de l'identité y sont explorés avec finesse et intensité, soulignant la quintessence du rêve dans la construction de soi. L'émotion est palpable, l'humour délicieux, et la vitalité communicative. Un texte poignant, une mise en scène dynamique et une interprétation d'une rare profondeur. Une expérience théâtrale inoubliable. À ne manquer sous aucun prétexte. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 Quand je serai grand, je serai Nana Mouskouri De David Lelait-Helo Adapté et mis en scène par Virginie Lemoine Avec Didier Constant Studio Hébertot Du 04 septembre au 07 novembre 2023 Lundi et mardi à 19h00 • Durée 1h15 • À partir de 13 ans

Eurydice, un nom mythique qui évoque passion, mort et destin tragique. C'est un tel univers que Jean Anouilh choisit de nous offrir dans sa réinterprétation de ce récit intemporel. Philippe Tesson avait un souhait, que le Théâtre de Poche mette en lumière une pièce d'Anouilh. Stéphanie Tesson, sa fille, réalise aujourd'hui ce désir. Quelle meilleure œuvre que « Eurydice » pour magnifier l'amour éternel? Orphée, musicien ambulant, rencontre Eurydice, comédienne en tournée. C’est le coup de foudre ! Ensemble, ils fuient l’avenir médiocre qui leur est promis. Mais la mort tragique d'Eurydice les sépare, jusqu'à ce qu'un mystérieux Monsieur Henri propose à Orphée une chance de retrouver son amour perdu. On n’échappe pas plus à son passé qu’à son destin Anouilh nous invite à suivre Eurydice, une femme littéralement condamnée par le regard des hommes. Orphée, symbole de ces regards, est hanté par le passé de celle qu'il chérit. Anouilh livre une pièce bouleversante, décrivant avec justesse les méandres du processus amoureux et de la jalousie. L'adaptation de ce mythe célèbre est traitée avec acidité  et poésie Emmanuel Gaury, metteur en scène, s'est approprié ce mythe en lui donnant une touche provençale. Sa mise en scène, fidèle à l'œuvre, avec l’apparition énigmatique de Monsieur Henri - l’incarnation du destin, magnifie l'essence mystérieuse du récit. La très belle musique, composée par Mathieu Rannou, accentue cette ambiance mystique, accompagnant parfaitement le personnage de Monsieur Henri. Elle joue un rôle majeur, rappelant les échos mélodieux entre Orphée et Eurydice. "Eurydice" est une performance théâtrale dense où des comédiens talentueux dépeignent avec éclat la force et la portée métaphysique du récit. Cette réinterprétation, évoquant Roméo et Juliette, brille par la prestance de ses sept artistes sur scène. Orphée et Eurydice, pris dans un amour fatal, expriment leur passion avec une ardeur incommensurable. "Eurydice" de Jean Anouilh est un hommage poignant à l'amour, sa splendeur éphémère et la fatalité du destin. Un incontournable pour les passionnés de théâtre, de légendes réinventées et d'émotions intenses. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 EURYDICE De Jean ANOUILH Mise en scène Emmanuel GAURY Avec Bérénice BOCCARA ou Lou LEFÈVRE, Gaspard CUILLÉ ou Emmanuel GAURY, Benjamin ROMIEUX, Corinne ZARZAVATDJIAN, Patrick BETHBEDER, Maxime BENTÉGEAT ou Victor O’BYRNE ou Pierre SORAIS, Jérôme GODGRAND Crédit photo STUDIO VANSSAY THÉÂTRE DE POCHE MONTPARNASSE Actuellement • Tous les lundis 21h • Durée 1h15

La face cachée du décor Comédiens ! est un musical librement adapté de Pagliacci - Paillase, l'Opéra italien de Ruggero Leoncavallo (1892), inspiré lui-même d’un fait réel. Après son triomphe au théâtre de la Huchette et au OFF D’Avignon, ce spectacle aux 5 Trophées de la Comédie musicale 2018 (Meilleure comédie musicale, meilleure mise en scène, meilleur livret, Interprète masculin, Révélation féminine), revient pour quelques dates immanquable à Paris ! Quand une troupe de comédiens de province monte à Paris… 1948. Au tout nouveau Théâtre André Valette, trois comédiens s’apprêtent à jouer la version musicale d’un célèbre vaudeville. Mais, au cours de l’ultime répétition, la tension monte... Et dans les coulisses un autre spectacle s’écrit. Du swing, du rire et des larmes Comédiens ! un spectacle total, joué, chanté, dansé qui conjugue merveilleusement tous les styles, met du Théâtre dans le théâtre, du swing dans le vaudeville, des larmes dans les rires, de l'effroi dans la joie. Une comédie musicale dramatique, terriblement sexy et savoureusement rythmée. L’écrin du théâtre de la Huchette est certainement le lieu qui convient le mieux à ce spectacle, mais les sons résolument jazzy de Raphaël Bancou, le livret merveilleusement écrit d’Éric Chantelauze, le décor fantastique d’Isabelle Huchet, et surtout, la mise en scène de Samuel Sené nous entraîne dans une véritable folie qui nous scotche jusqu’à la dernière minute. On est tellement heureux, tellement ému qu'il faut quelques minutes à la fin du spectacle pour s'en remettre. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 COMÉDIENS ! Livret et paroles des chansons Eric Chantelauze Mise en scène Samuel Sené Musique Raphaël Bancou Avec Marion PRÉITÉ, Fabian RICHARD et Curit ROMOLI Crédit Fabienne Rappeneau l'Artistic Théâtre Jusqu'au 25 décembre 2022 • Durée 1h36

L'attribution de la Palme d’Or à "Anatomie d'une chute" lors du Festival de Cannes 2023 n'était pas une simple consécration cinématographique, mais un hommage rendu à une œuvre audacieuse qui révolutionne la narration traditionnelle. Enquêtant sur la vérité d'un crime tout en sondant la dynamique d'un couple, le film cristallise drame, suspense et émotion brute. Sandra Hüller, icône allemande, y incarne une écrivaine et mère d'un garçon malvoyant, soupçonnée d'avoir tué son partenaire après une année passée dans un chalet montagnard. Justine Triet, de par sa vision, transforme chaque instant, convertissant ce drame en une exploration profonde d'un procès et des intrications familiales. Les décors enneigés, le tribunal majestueux et cette demeure - presque un acteur en soi - infusent le film d'une aura romanesque. La singularité d'"Anatomie d'une chute" réside notamment dans une dispute mémorable, éclairée par un flashback d'une finesse exceptionnelle, se gravant dans nos mémoires comme une des grandes scènes du cinéma. Outre un titre particulièrement évocateur, c'est l'étude approfondie des relations familiales et l'excellence des acteurs qui nous captivent. Milo Graner, étoile montante, mérite des éloges pour son incarnation d'un enfant malvoyant, démontrant une maturité artistique dépassant son jeune âge. Quant à Sandra Hüller, sa performance éblouissante aurait aisément pu prétendre à la Palme d'or. Son alchimie avec Justine Triet est palpable, la réalisatrice ayant façonné son récit autour de cette actrice, perçue comme l'incarnation parfaite de la complexité de son personnage. Cependant, la force du film ne réside pas uniquement dans ses performances, mais également dans sa rigueur narrative. Offrant une immersion quasi-documentaire, "Anatomie d'une chute" confie au spectateur un rôle actif, le plaçant au cœur des revirements judiciaires. Ce scénario, intense et captivant, brouille habilement les pistes, défiant constamment les attentes. "Anatomie d'une chute" est bien plus qu'un simple film. C'est une immersion, une interrogation sur la culpabilité, l'amour et la justice, et sans conteste. Une œuvre absolument brillante, qui restera gravée dans l'histoire du cinéma. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 ANATOMIE DUNE CHUTE Palme d’Or - Festival de Cannes 2023 • 2h30 • Actuellement au cinéma

La magie du théâtre réside dans sa capacité à nous transporter à travers les époques, à nous connecter à des personnages, des lieux et des émotions que nous n'aurions jamais pu imaginer. Cette magie fonctionne parfaitement dans la récente adaptation de "La Cerisaie" d'Anton Tchekhov, intitulée "Nous reviendrons au printemps". « En redéfinissant ce classique de Tchekhov dans une perspective immersive, on offre au public la chance d'aborder cette œuvre sous une lumière totalement nouvelle ». Cette réinvention audacieuse, orchestrée par Simón Adinia Hanukai, ne se limite pas à restituer le texte originel de Tchekhov, elle le projette dans les défis du XXIe siècle. Fort de vingt ans d'expérience en théâtre immersif, Hanukai nous submerge littéralement dans l'univers de la cerisaie, nous faisant vibrer aux échos de son urgence, de sa splendeur et de son tragique dénouement. En mariant le texte traditionnel à des nuances modernes, il métamorphose la pièce en un spectacle multisensoriel. Le public n'est plus un simple témoin : il est sollicité, convié à toucher, à ressentir, voire à interagir avec les protagonistes. Cette approche renforce la connexion entre le spectateur et l'univers tchékhovien. La pièce trouve écho dans la réalité européenne actuelle, avec ses défis et ses bouleversements. À l'image de la Russie dépeinte par Tchekhov, l'Europe se trouve à une croisée des chemins, confrontée à des enjeux identitaires, patrimoniaux et évolutifs. Hanukai nous interpelle en demandant : « À une ère où les frontières sont mouvantes et l'identité nationale en jeu, qui peut réellement prétendre posséder la Cerisaie ? » La décoration théâtrale, avec son esthétique baroque, juxtaposée à des instants d'intimité, conserve l'essence de Tchekhov tout en offrant un contraste saisissant. Le mélange d'éléments familiers et novateurs crée une tension qui captive le public. Au-delà de la splendeur des cerisiers en fleur, le spectacle nous invite à scruter les racines, à identifier ce qui asphyxie ce paradis. Il nous guide dans les méandres du subconscient des personnages, mettant en lumière leurs entraves face à l'imminence du changement. "Nous reviendrons au printemps" transcende la notion d'adaptation. C'est une renaissance, une conversation entre hier et aujourd'hui. Une expérience théâtrale qui stimule l'esprit et touche profondément l'âme, offrant une vision renouvelée d'un chef-d'œuvre intemporel. Avis de Foudart 🅵🅵 « Nous reviendrons au printemps » Adaptation de Simón Hanukai d’après Le Cerisaie d’Anton Tchekhov Avec Nicolas Giret-Famin, Pamina de Hauteclocque, Eva Carmen Jarriau, Stéphanie Lanier, June Mcgrane, Alexis Pivot, Sophie Richelieu, Mahmoud Saïd, Guillaume Tagnati, Nicolas Verdier. Théâtre de l’Épée de bois / La Cartoucherie Du 7 au 17 septembre • Durée 2 heures • dès 12 ans

Si la Finlande est réputée pour ses longues nuits et sa mélancolie ambiante, Aki Kaurismäki est maître en l'art de capturer la beauté dans cette morosité. "Les Feuilles mortes" ne déroge pas à cette règle, et offre une comédie romantique tendre et cynique. Au cœur d'une Helsinki industrielle et sur fond de guerre en Ukraine, la rencontre entre deux âmes solitaires, égarées dans un monde brutal, est peinte avec délicatesse. Mais ce n'est pas seulement une histoire d'amour. Kaurismäki, avec son humour unique, dépeint les absurdités de la vie, où les obstacles semblent se dresser inopinément. Le cinéaste joue astucieusement avec les références cinéphiles, faisant des clins d'œil aussi bien à Visconti qu'à Chaplin. Ces touches nostalgiques, alliées à une mise en scène épurée, confèrent au film une atmosphère très particulière. Il est évident que Kaurismäki est un amoureux du septième art, et son affection pour le cinéma transparaît dans chaque scène. La manière dont le réalisateur équilibre la poésie du quotidien et la cruauté inhérente à la vie est admirable. Il ne tombe jamais dans le piège du misérabilisme. Même dans les moments les plus sombres, il trouve le moyen d'introduire une note d'humour, une étincelle de tendresse. La mise en scène est un régal pour les yeux. Kaurismäki exploite son goût pour les couleurs bleu et rouge, créant des contrastes saisissants dans des décors parfois austères. "Les Feuilles mortes" est un véritable voyage émotionnel. Alors que les deux protagonistes semblent destinés à la séparation, l'espoir de les voir réunis maintient le spectateur en haleine. Le film est une célébration du cinéma, de la poésie, mais surtout de l'humanité dans tout ce qu'elle a de plus beau et de plus complexe. "Les Feuilles mortes", Aki Kaurismäki confirme, s'il en était encore besoin, sa place parmi les grands cinéastes de notre époque. Une œuvre à ne pas manquer. Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 Les Feuilles mortes Un films de Aki Kaurismäki Avec Alma Pöysti, Jussi Vatanen, Janne Hyytiäinen, Nuppu Koivu Prix du Jury au Festival de Cannes 2023 • Sortie cinéma, le 20 SEPTEMBRE 2023 • Durée : 1h21

Le cinéma agit souvent tel un miroir de son époque, tout en puisant dans le patrimoine des grands classiques. "LaRoy", premier film de Shane Atkinson, illustre parfaitement cela. Bien qu'on puisse y déceler des inspirations des frères Coen ou de Tarantino, il serait réducteur de le considérer comme une pâle copie, car sa singularité est évidente. La magie du film repose majoritairement sur ses personnages : un casting extravagant et hilarant, plongé dans un univers criminel décalé, le tout baigné d'une atmosphère mélancolique unique. La vie de Ray bascule lorsqu'il découvre l'infidélité de sa femme, le poussant au bord du désespoir dans un motel. Mais un quiproquo inattendu avec un étranger croyant avoir face à lui un tueur à gages le propulse dans une situation chaotique. De simple victime, Ray se voit entraîné dans une spirale dangereuse qu'il tentera de désamorcer avant qu'il ne soit trop tard. Ce parcours douloureux, de la trahison à l'immersion dans un complot mortel, est narré avec une intensité captivante. Brad LeLand y brille de mille feux, rappelant les moments mémorables des grandes comédies noires. Cependant, "LaRoy" présente des imperfections. Le scénario, bien ficelé en général, emprunte des sentiers parfois farfelus, et la représentation des femmes pèche par son manque de profondeur. Le premier film de Shane Atkinson "LaRoy" démontre un talent significatif qui annonce un futur brillant pour le réalisateur. Il nous rappelle que l'influence, lorsqu'elle est bien utilisée, peut mener à la création d'œuvres uniques qui s'inscrivent à la fois dans la tradition et la modernité et on attend avec impatience de voir la suite. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 LaRoy Un film de Shane AtkinsonAvec John Magaro, Steve Zahn, Dylan Baker, Megan Stevenson, Matthew Del Negro, Brad Leland Prochainement au cinéma • 2023 • Durée 1h52

Paco et Manolo. Ensemble depuis trente ans, ces deux photographes catalans ont forgé un partenariat qui va bien au-delà du personnel. Leur art, leur passion et leur vision commune ont permis de définir une esthétique homoérotique. Dans les années où la photographie était encore dominée par des visuels stéréotypés, ces deux artistes ont choisi une voie différente, incarnée dans le magazine Kink. Ce fanzine photographique se démarque par une approche rafraîchissante de l'érotisme. En utilisant la lumière naturelle, Paco et Manolo saisissent la beauté brute, authentique et souvent non polie de la classe ouvrière. Ils rappellent, à travers leurs œuvres, que la sensualité peut être trouvée dans les coins les plus inattendus. Leur travail est une fusion d'influences classiques et contemporaines. Les échos du Caravage se manifestent dans la manière dont la lumière joue sur la peau, évoquant une tension palpable. D'autre part, le réalisme terre-à-terre de Pasolini est visible dans la représentation simple et honnête des sujets. Ces hommes, dépeints dans toute leur vulnérabilité, deviennent des icônes de désir. Avec "Tout à la fois", Alberto Fuguet, l'écrivain et cinéaste chilien, nous invite dans l'intimité de ce duo. Il ne s'agit pas seulement de capturer leur processus créatif, mais aussi de comprendre la dynamique d'un couple qui a passé la majeure partie de sa vie à définir et redéfinir ce que signifie être gay et méditerranéen à travers l'objectif d'un appareil photo. L'influence de Paco et Manolo s'étend bien au-delà des frontières de l'Espagne. Aujourd'hui, leurs œuvres sont célébrées internationalement, non seulement pour leur audace, mais aussi pour leur authenticité. Ils rappellent à tous que la beauté peut être trouvée dans la simplicité, et que l'érotisme n'est pas une question de perfection, mais d'authenticité. "Tout à la fois" est plus qu'un hommage à deux artistes talentueux. C'est une célébration de l'amour, de la passion et de la liberté d'expression. Dans un monde en constante évolution, Paco et Manolo montrent que l'amour et l'art sont intemporels. Avis de Foudart 🅵🅵🅵 TOUT À LA FOIS Un film documentaire d'Alberto Fuguet Actuellement sur Ciné+

L'évocation du titre "Blood for Dust" renvoie à une ambiance sombre et poussiéreuse, typique des road movies teintés de noirceur. Les échos de séries cultes telles que "Breaking Bad" et "Fargo" sont palpables dès le départ, dans chaque scène, chaque dialogue, chaque geste. Le cadre austère des années 90 apporte une touche rétro, mais c'est la tension omniprésente, parfois insidieuse, qui nous happe. Les personnages, sculptés avec une précision d'orfèvre, sont le socle du film. Cliff (Scoot McNairy), ce vendeur itinérant noyé dans ses dettes, dont chaque mile parcouru semble l'éloigner davantage de la lumière. Et puis Ricky (Kit Harington), cette figure du passé, aussi charismatique que menaçante, dont les desseins restent mystérieux jusqu'à la dernière minute. La rencontre entre ces deux êtres que tout oppose crée une dynamique fascinante. Ethan Suplee, dans le rôle de Slim, apporte une dimension supplémentaire, venant épaissir l'intrigue à chaque apparition. Mais c'est la performance de Scoot McNairy qui demeure gravée dans la mémoire, avec ce mélange unique d'angoisse, de détermination et de vulnérabilité. La mise en scène est l'une des grandes forces de "Blood for Dust". Les décors sombres et les éclairages subtils accentuent cette impression d'étouffement, d'urgence, de fuite en avant. Chaque scène d'action, traitée avec une maîtrise et un calme déconcertants, monte crescendo jusqu'à un final explosif. Certes, "Blood for Dust" ne révolutionnera pas le 7ème art. Il ne prétend d'ailleurs pas le faire. Mais il offre un voyage émotionnel intense, porté par des acteurs en état de grâce et un suspense haletant. Avis de Foudart 🅵🅵 Blood for Dust Un film de Rod Blackhurst Avec Scoot McNairy, Ethan Suplee, Nora Zehetner, Amber Rose Mason, Stephen Dorff, Josh Lucas, Kit Harington • Année 2023 • Durée 1h44

Dans l'intimité d'un décor sobre, François Feroleto nous livre l'histoire poignante de Marcello, un homme au destin tragique, entre les plages ensoleillées de Calabre et les avenues effervescentes de Milan. À travers un récit exceptionnel, nous sommes transportés dans l'Italie des années 50, à une époque où l'espoir pouvait se métamorphoser en désespoir en un instant. La trame centrale du spectacle repose sur un moment décisif de la vie de Marcello : Dans une heure, il sera face à la foule pour plaider sa cause et tenter de retrouver sa liberté. Si la foule l’applaudit, il sera libre. Si elle le siffle, il retournera en prison pour toujours ! Derrière ce moment de tension insoutenable se cache une histoire de détermination, de combats et de sacrifices. Pour échapper à la précarité calabraise, Marcello a bravé l'inconnu vers Milan, la cité des possibles. François Feroleto, "habité" par son personnage et plein de charme, délivre un monologue intense. Inspiré par les écrits de Dino Buzzati, le texte dépeint non seulement le parcours d'un homme, mais aussi le visage d'une Italie en mutation. La mise en scène, subtile, joue adroitement avec l'espace, magnifiant cette odyssée humaine. La musique, soigneusement sélectionnée, amplifie chaque sentiment, chaque frisson. Avec Feroleto, c'est une traversée temporelle et culturelle de l'Italie que nous vivons, une expérience qui saisit, émotionne et provoque la réflexion. Le monologue n'est pas qu'un simple récit. Il est aussi une lettre d'un père à son fils, Paolo. Douze longues années ont été nécessaires pour que Marcello puisse enfin se confier, partager ses combats, ses douleurs et ses espoirs. Bien que certains fragments de la vie de Marcello semblent ordinaires, c'est cette simplicité qui les rend universels. "Un Train pour Milan" est bien plus qu'une représentation théâtrale, c'est une immersion profonde dans la vie d'un homme, un voyage entre rêve et réalité, entre espoir et désespoir. Un joli spectacle à découvrir. Avis de Foudart 🅵🅵 UN TRAIN POUR MILAN Une pièce de François Feroleto D’après Dino Buzzati Avec François Feroleto Photo Yannick Debain Théâtre de la Huchette Jusqu’au 02/12/2023 • Du Mardi au Samedi 21h • Durée 1h15

Dans "Toni en famille", Nathan Ambrosioni offre un regard nuancé sur une mère célibataire tentant de jongler avec le tourbillon émotionnel de cinq enfants tout en poursuivant sa quête personnelle. Toni, immobile dans sa voiture, attend le retour tumultueux de ses enfants. Cette scène, symbolisant la vie confinée d'une mère seule face à ses responsabilités, s'immerge dans un tourbillon d'émotions - des tempêtes aux éclats de joie, des chants aux réprimandes. Et, au milieu de cette cacophonie, Toni essaie désespérément de rester à la barre. « L'image de la voiture m'a interpellé dès le début de la création du scénario ». Dans cette scène inaugurale magistrale, la voiture se transforme en une arène où se jouent les drames et les joies de cette famille, établissant le ton du film : à la fois léger et poignant. Au-delà de cette mosaïque familiale, le film plonge dans l'âme de Toni, explorant ses conflits intérieurs. Les vestiges de sa carrière de chanteuse et la perspective d'un nid bientôt vide la plongent dans une réflexion : peut-elle retrouver les projecteurs ? Sa quête de redéfinition personnelle résonne en chacun de nous. Chaque enfant, avec sa singularité, est portraituré avec précision, offrant un reflet fidèle de l'adolescence. L'interprétation magistrale de Camille Cottin en tant que Toni est un tour de force d'authenticité et d'intensité. "Toni en famille" chante la résilience et l'authenticité, tissant avec maestria humour et vérité, rappelant le style de Ken Loach. Ce film, vibrant hommage à la poursuite de nos rêves, est une œuvre essentielle pour quiconque désire toucher à l'essence même de la vie et de nos aspirations profondes. Avis de Foudart 🅵🅵 TONI, EN FAMILLE Un film de Nathan Ambrosioni Avec Camille Cottin, Juliane Lepoureau, Oscar Pauleau, Louise Labeque, Thomas Gioria, Léa Lopez Comédie dramatique • Durée 1h36 • Sortie cinéma, le 6 septembre 2023

Depuis sa première diffusion, "Ni juge, ni soumise" a capturé l'attention des amateurs de documentaires du monde entier, méritant son titre de César du meilleur documentaire en 2019. Ce film suit le quotidien d'Anne Gruwez, une juge d'instruction belge à Bruxelles. Mais, Anne n'est pas une juge ordinaire. Elle est un personnage truculent, doté d'un humour noir dévastateur, souvent utilisé comme armure contre la brutalité du monde qui l'entoure. Avec son franc-parler emblématique, la magistrate s’adresse à ses « clients » sans filtre. Elle conduit une 2CV bleue, utilise des repères uniques pour naviguer à travers Bruxelles, travaille avec un rat de compagnie sur l’épaule et ne manque jamais une occasion d’utiliser le gyrophare lorsqu'elle est dans une voiture de police. Le film est une réalisation de Jean Libon et Yves Hinant, deux des créateurs de l'émission de reportage "Strip Tease". Fidèles à leur style, ils nous immergent dans l'action sans commentaire ni voix off, oscillant entre le comique et le tragique. On rit, on pleure, et parfois, on fait les deux en même temps. La grande force de ce documentaire est qu'il ne se contente pas de dépeindre le quotidien de la juge, il nous plonge également dans une enquête "non résolue". Grâce à la modernisation des outils d'enquête, Anne rouvre un dossier vieux de vingt-cinq ans : le meurtre de deux prostituées. L'enquête, traitée avec le sérieux d'un polar, nous tient en haleine de bout en bout. L’humour, pour Anne, est bien plus qu'un simple moyen de divertir. C'est un bouclier, une armure. La dure réalité de son travail, marquée par des affaires d'infanticides et d'auditions surréalistes, exige une force mentale à toute épreuve. Et, comme le film le démontre parfaitement, cet humour est essentiel à sa survie. "Ni juge, ni soumise" est une œuvre jubilatoire, une fenêtre ouverte sur le quotidien d'une femme extraordinaire, qui équilibre habilement entre humour et gravité. Pour ceux qui recherchent à la fois la profondeur et la légèreté, c'est un film incontournable. À voir absolument ! Avis de Foudart 🅵🅵🅵🅵 NI JUGE, NI SOUMISE 2017 • Film Documentaire découvert sur Canal Plus • Durée 1h39